Enterrado

El mejor cine es el que se construye a partir de elementos esenciales: una buena historia, un guión acertado junto a un relato ágil y coherente. Todo esto y algo más encontramos en "Enterrado", segundo filme del director español Rodrigo Cortés. Paul Conroy -Ryan Reynolds- despierta en un cajón de madera con un encendedor, un celular y un lápiz. Paul es chofer de una empresa contratista en Irak y junto a sus colegas fue emboscado por una pandilla. No sabe lo que ha pasado, pues lo último que recuerda es el ataque que sufrieron. Ahora que está bajo tierra, su supervivencia solo depende del teléfono -cuya batería se agota inexorablemente- y de la ayuda externa que pueda conseguir.

Cortés hace un uso magistral del relato. En un escenario totalmente reducido logra una variedad de situaciones dignas del mejor cine de suspenso. Sus movimientos de cámara, planos variados pese a la escasa iluminación, una excelente edición, y una gran actuación de Raynolds, logran transmitir una angustia permanente que mantiene la tensión durante los 94 minutos de metraje. Varios temas toca Cortés en "Enterrado": la burocracia en las emergencias, la desesperación crítica, la falta de ética de las grandes empresas contratistas, el manejo del terrorismo y su difusión pública, entre otros, dejan al descubierto problemáticas actuales, aplicables a un sinnúmero de situaciones.

"Enterrado" es un thriller de género y responde muy bien a ello. Vertiginosamente interesante, recuerda al maestro Alfred Hitchcock y logra con muy pocos elementos hacer creíble una historia, conduciéndola y desarrollándola de una manera magistral. Pocas veces un filme con un solo actor en pantalla, en un mismo escenario y en precarias condiciones logra comunicar tantos elementos. Como en un monólogo de una obra de Teatro, es el protagonista de la acción quien se lleva el peso completo del relato y Ryan Reynolds lo consigue de manera excelente gracias a una precisa apuesta de Rodrigo Cortés que ya captó elogios y ovaciones de la prensa en el pasado festival Sundace de 2010. Una película interesante de comienzo a fin, sin pausas y con elementos para pensar y reflexionar, o sea puro cine, y del bueno.

Ficha técnica

Titulo Original: Buried
Distribuidor: Andes
Calificación: 14
Duración: 94 Min.
Género: Thriller.
Año: 2010
País: España
Elenco: Ryan Reynolds, Ivana Miño, Anne Lockhart, José María Yazpik, José Luís García Pérez, Joe Guarneri
Director: Rodrigo Cortés

El hombre solitario

Ben Kalmer -Michael Douglas- es un empresario del rubro automotriz que está pasando por extremas dificultades. Ya pasado los 50 años, con algunos problemas de salud a cuestas que ha decidido ignorar, siente que su vida va en decadencia. Fue un hombre adinerado y famoso y ahora que ha tenido problemas económicos -deudas, estafas, cárcel- no logra recuperar ese prestigio perdido, a pesar de que lo intenta con mucho ahínco. Su incorregible gusto por las mujeres jóvenes le juega malas pasadas y tal vez por ello no tiene relaciones afectivas más sólidas y se ha ido quedando progresivamente solo.

Douglas interpreta a un prototipo que encaja entre el empresario seductor y el padre sin familia; entre el emprendedor frustrado y el hombre maduro que no quiere envejecer. Su caracterización es sólida. Tanto es así que provoca más rechazo que lástima, más condena que compasión.

Este drama-comedia, cuyo elemento más a la vista es el del galán seductor, tiene elementos muy de fondo en las razones que hacen que Ben actúe de esa forma. La frustración que vive, su pasado glamoroso y su presente que se marchita, hace que tal vez su único refugio, o lo único que lo mantiene vivo es esa pasión por la conquista diaria. Ben se niega a envejecer y también se niega a renunciar a ciertas costumbres en beneficio de la cercanía de su hija y de su nieto. Este tipo de vida lo está matando por dentro y por fuera y en el fondo Ben no sabe que hacer. Son palos de ciego los que intenta y tal como en un pantano se hunde cada vez más.

Es interesante como los directores Brian Koppelman y David Levien no dan todo por perdido. La vieja y sincera amistad de Jimmy -Danny DeVito- y la compasión de Nancy, su ex mujer -Susan Sarandon-, afloran como la tabla de salvación de Kalmer. Los valores que estos dos personajes representan son tal vez el mensaje de esperanza del filme. Bien lo dice Ben en una confesión a Jimmy: "sólo tienes amigos cuando somos todos más o menos iguales; si estás muy alto, estás solo y si estás arruinado también estás solo". Y en este "hombre solitario" la decisión depende sólo de él.

Ficha técnica

Titulo Original: Solitary Man
Distribuidor: BFD
Calificación: TE + 7
Duración: 91 Min.
Género: Comedia, Drama
Año: 2009
País : Estados Unidos.
Elenco: Michael Douglas (Ben), Susan Sarandon (Nancy), Jesse Eisenberg (Cheston), Mary-Louise Parker (Jordan), Imogen Poots (Allyson) Danny DeVito (Jimmy), Jenna Fischer, Richard Schiff
Director: Brian Koppelman, David Levien

Tron el legado

Tron el legado es la segunda parte de la original Tron (Steven Lisberger, 1982). En esta oportunidad Sam Flynn (Garrett Hedlund), hijo del brillante experto tecnológico y fundador de la empresa ENCOM, Kevin Flynn (Jeff Bridges) accede al mundo digital donde ha estado habitando su padre en los últimos años luego de su misteriosa desaparición cuando Sam aún era un niño.

La película está muy bien filmada y combina de manera excelente los efectos especiales -el mismo Jeff Bridges es Kevin Flynn rejuvenecido digitalmente y convertido en CLU 2.0 (nueva versión del programa original CLU), como también Bruce Boxleitner interpreta a Alan Bradley y a Tron -guerrero que luchaba en favor de los "usuarios"-, la música del grupo electrónico francés Daft Punk, y una historia clásica de lucha entre el bien y el mal, donde este último ha tomado posición dominante en un mundo muy parecido a una especie de "Second Life" o realidad paralela virtual.

Lo interesante de Tron el legado es que permite ser vista sin haber presenciado la primera, gracias a una completa explicación inicial. El tema de la creación de un universo paralelo (virtual), la vida artificial, la lucha de los programas versus los usuarios y el jugar a ser Dios, remite a una sustancia de fondo que tal vez en esta cinta no se desarrolla tan profundamente. Sin embargo, un posible mensaje es que el destino no puede ser controlado completamente por el hombre (se escapa de las manos) y que la afanosa búsqueda de perfección puede aniquilar cualquier ideal y transformarse en un brutal genocidio, sobre lo que tenemos una triste historia reciente en la primera mitad del siglo XX.

Tron el legado cumple con su género: es alucinante en efectos especiales, original y distinta a lo visto en películas similares de ciencia ficción, entretenida y con un ritmo veloz y atractivo. Incluso posee características muy actuales sobre el efecto que los videojuegos pueden producir en sus jugadores, donde perfectamente pueden pasar más tiempo en dicha "vida virtual" que en su verdadera realidad física, como una forma de escape o bien porque les gusta y les acomoda más. Sin duda son temas para reflexionar en torno a un filme interesante, que propone temáticas complejas y que las deja abiertas para el debate.

Ficha técnica

Titulo Original: Tron Legacy
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 125 Min..
Género: Thriller, Aventuras, Acción, Ciencia ficción.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Olivia Wilde, John Hurt, Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Bruce Boxleitner, Serinda Swan, Beau Garrett, Brandon Jay McLaren, Amy Esterle
Director: Joseph Kosinski

Megamente

Dos declaraciones marcan esta excelente cinta de Dreamworks: "Los héroes no nacen, se hacen", como dice su afiche publicitario, y "donde hay mal, el bien siempre se impone". "Megamente" es la historia de dos extraterrestres que llegan a la tierra siendo aún bebés, huyendo de la destrucción de sus planetas de origen. La rivalidad entre ellos se presenta desde un inicio, desde su mismo viaje, y se radicaliza cuando llegan a Metro City (un claro New York futurista). Mientras uno llega a un hogar de excelentes condiciones y es recibido como príncipe, el otro llega directo a la cárcel, donde es acogido en una suerte de escuela del mal. Comparten el colegio con diferente suerte también: uno es querido y admirado, mientras el otro queda muy apartado de sus compañeros de clase. Sus caminos son muy opuestos, tanto como es el día y la noche. El primero se transforma, gracias sus superpoderes extraordinarios, en el guardián protector de la ciudad: todos admiran y confían en Metro Man. El segundo, gracias a su astuta inteligencia, se transforma en Megamente, el criminal más buscado y temido de Metro City.

Cuando logra al fin matar a su eterno rival, la vida de Megamente se torna sin sentido. Domina todo y su poder absoluto lo aburre, por lo que decide crear un nuevo superhéroe con quien poder pelear. Sin embargo algo sale mal, pues Titán, resulta ser inestable y se inclina por hacer daño, convirtiéndolo en una amenaza para la ciudad y también para nuestro villano que se ve obligado a enfrentarlo. La eterna lucha entre el bien y el mal una vez más está presente y en este relato cobra un desarrollo interesante, está bien expuesto y se muestra con un formato muy atractivo para el público infantil al que está dirigido.

Con explícitas menciones a "Súperman", y por cierto a otras series de superhéroes, el filme expone en términos graciosos, sencillos, divertidos y en tono de sátira, valores y antivalores muy serios. Los contrasta, juega con ellos e incluso los intercambia de posición para así transformarse en una fábula moderna, bien hecha y consistente. Como es una constante en las últimas películas para menores, abunda contenido "ad hoc" para los adultos que acompañamos en esta aventura a nuestros hij@s, lo que asegura entretención compartida, recuerdos, risas y reflexiones interesantes.

Desde el punto de vista técnico, la animación es preciosa y su filmación también. La acompaña una banda sonora muy adecuada y solo podría no ser tan lograda la traducción mexicana al español por el uso de diferentes modismos algo ajenos a nuestro país. "Megamente" cumple cabalmente su doble objetivo de entretener y enseñar -muy similar a lo conseguido por "Mi villano favorito"- por lo que se hace una película muy recomendable para ver en familia y así luego comentar y reflexionar, entre todos, sus ricas temáticas.

Ficha técnica

Titulo Original: Megamind
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 96 Min.
Género: Comedia, Familiar, Animación.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Brad Pitt, Will Ferrell, Tina Fey, Jonah Hill (voces originales en Inglés)
Director: Tom McGrath

Una pareja dispareja

La primera impresión que genera esta cinta de los directores Glenn Ficarra y John Requa es de rechazo, puesto que la publicidad -la traducción del título, los afiches, el trailer y el resumen del argumento- no se condicen con el real contenido del filme. La promoción da cuenta de una película cómica y jocosa a pesar de abordar la siempre difícil temática de la homosexualidad. Sin embargo, al poco andar nos damos cuenta de que es un drama de los mayores, presentado en forma burda y tosca, y que posee tintes de comedia sólo para suavizar de alguna manera su fuerte contenido emocional y argumental.

Vamos por partes. "Te amo Phillip Morris", su título original, puede darnos más pistas de lo que en verdad encontraremos al profundizar en el metraje. Steven Russell -Jim Carey tan carismático y caricaturista como en la mayoría de sus papeles- es un hombre ejemplar hasta que sufre un accidente que lo deja al borde de la muerte. En ese momento "se asume como lo que es", un homosexual que ha estado escondido durante todo este tiempo y decide vivir, de ahora en más, la vida que siempre deseó secretamente. Circunstancias de la nueva vida lo llevan a prisión, lugar donde conoce a Phillip -Ewan McGregor en un logrado rol- de quien se enamora perdidamente. En un tercio del filme ya están las cartas expuestas y desde este momento las aventuras de Steven para estar junto a Phillip son casi increíbles, al punto de hasta llegar a fingir su propia muerte.

El tema homosexual y la relación de ambos protagonistas está mostrada sin ningún filtro, lo que no es un problema. La dificultad radica en que no es artística la forma de filmarlo, sino que más bien es chocante. Carece de una propuesta más elaborada desde el punto de vista visual y de la propia actuación de Carey y McGregor. Es cierto que se resalta el amor como clave central en esta relación, sin embargo ello puede desviar peligrosamente el foco de atención. De alguna manera las películas forman opinión y validan ciertas conductas, y en este caso se torna en extremo complejo, pues además se presentan una serie de antivalores -mentiras, engaños, fraudes, falsas personalidades- que se pretenden justificar en beneficio de este amor.

Sin pretender crear un prejuicio con esta reflexión, esta historia basada en hechos reales, no está bien enfocada desde su concepción y construcción. Tan importante como el tema de fondo, en el cine es muy trascendente la forma de enfrentar y de contar una historia. En esto, "I Love you Phillip Morris" se cae desde el comienzo -desde su equívoca publicidad hasta el escaso valor fílmico que ofrece- y no logra en ningún momento del relato tomar la distancia suficiente para dar a la historia un marco dramático y artísticamente sustentable.

Ficha técnica

Título original: I Love You Phillip Morris
Género: Comedia
Año: 2009
País: Inglaterra
Director: Glenn Ficarra y John Requa
Protagonistas: Jim Carrey, Ewan McGregor
Duración: 102 min.
Calificación:

Las crónicas de Narnia: la travesía del Viajero del Alba

Sin haber visto las dos primeras partes y con solo el excelente resumen de ambas tramas realizado por mis hijas Josefina y  Fernanda, juntos nos animamos a ver la nueva aventura de este mágico mundo creado por C. S. Lewis.

"La travesía del viajero del alba", tercera entrega de las Crónicas de Narnia, es una muy entretenida película. Esta vez son Lucy y Edmund Pevensie, junto a su odioso primo Eustace Scrubb, quienes ingresan al extraordinario entorno a través de un cuadro de pared del que misteriosamente comienza a salir agua. Al llegar al mar narniano, son recogidos por su amigo Real el Príncipe Caspian y subidos al barco "Viajero del alba". Juntos emprenden una épica aventura que les llevará por desconocidas islas y extraños personajes, en una misión hacia el País de Aslan para salvar a Narnia de un futuro aterrador.

El filme es ágil, está excelentemente producido, tiene una preciosa banda sonora y la tensión se mantiene alta durante todo el relato. Los personajes, bien caracterizados, cumplen un papel muy importante en la cinta, marcando cada una de las personalidades que representan. Sin duda es Eustace quien se roba la película junto al genial ratón guerrero Rípichip, no sólo por la relación que ambos construyen sino por el ritmo que imprimen al relato cada vez que están en escena. La fotografía es muy hermosa y todos los efectos especiales están orientados a reforzar la gran belleza del entorno recreado. Algún uso excesivo de cámaras aéreas no opacan una dirección correcta de Michael Apted la que entrega una gran unidad al metraje.

"Cosas extraordinarias solo les suceden a personas extraordinarias" es una frase que marca la historia y la acción de nuestros pequeños héroes. Las metáforas presentes cobran realismo y se desarrollan a lo largo del filme, entregando emoción y positivos valores. La lealtad, la perseverancia y la amistad sobresalen fuertemente y se ratifican como antídoto a las fuerzas del mal representadas de múltiples formas. El no dejarse tentar y superar aquello también destaca positivamente en esta mágica historia que entretiene y llena de esperanza. Un mundo mejor para una oscura época de nuestra historia, marcada por la Segunda Guerra Mundial, es lo que C. S. Lewis nos propone a través de estas crónicas de sucesos extraordinarios y mágicos al interior de un mundo de ensueño, llevados a la pantalla grande en una excelente superproducción.

Ficha técnica

Titulo Original: The Chronicles Of Narnia: The Voyage Of The Dawn Treader
Distribuidor: FOX
Calificación: TE
Duración: 115 Min.
Género: Fantasía y Aventura Familiar.
Año: 2010
País: Reino Unido.
Elenco: Skandar Keynes, Georgie Henley, Ben Barnes, Bill Nighy, Liam Neeson.
Director: Michael Apted

Mi familia

Esta cinta de la directora Lisa Cholodenko y protagonizada por Julianne Moore, Annette Benning, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska y Josh Hutcherson, es la historia de una pareja de lesbianas que llevan años juntas y que tienen una hija de 18 y un hijo de 15, ambos concebidos por inseminación artificial, y que quieren saber quien fue el donante que les permitió la vida. Tenemos varias temáticas complejas, de fondo y forma, y estamos en presencia de un nuevo caso en que la traducción del título nada tiene que ver con el sentido y el mensaje del filme: "Mi familia" -la traducción, es muy diferente a "Los niños están correctamente" -"The Kids are Allright" en su inglés original.

Si bien el tratamiento de la homosexualidad de ambas madres es bien tratado desde el punto de vista de la vida en común, el amor y los hijos -aún cuando escenas puedan ser algo chocantes de buenas a primeras-, el filme no logra consolidar un concepto claro. Podemos inferir que el objetivo es representar -a través de esta autodefinida "poco convencional familia" dicho por sus propios protagonistas- un matrimonio totalmente convencional, con sus crisis maduras, dificultades sexuales, inseguridad producida por la infidelidad, difícil relación con hijos adolescentes y una serie de otras problemáticas conocidas y propias de una relación de convivencia. Sin embargo, el filme solo se queda en una constatación, casi en una necesidad de validación social de una situación en donde los niños no están tan bien como el título nos quiere describir. Más bien diríamos que están en serios problemas, con dificultades de relaciones entre pares y con algunas confusiones propias de la realidad que viven en su entorno más íntimo.

La cinta además tiene varios vacíos desde el punto de vista del guión y del relato lo que produce una cadencia prolongada, haciendo más confuso su real propósito. La poca profundidad en el tratamiento de los temas que propone dificulta aún más el análisis. ¿Es una película sobre lesbianas, sobre sus hijos, sobre inseminación artificial o sobre como nos relacionamos con estas nuevas realidades? ¿O es más bien una apuesta por mostrar una historia convencional cambiando algunos elementos que permiten vestirla de una aparente modernidad? ¿O es un intento de validar una opción de vida que aún la sociedad no acepta como convencional? ¿Qué valores están en juego y cuál es la moral aplicable a esta indiscutible realidad? Estas preguntas puestas en común en esta reflexión podrían ayudar al espectador a formarse una opinión sobre lo que ha presenciado -o va a presenciar- y sería ideal que así fuera. Por lo pronto son aproximaciones que pretenden colaborar con el debate sin hacer un juicio de valor. Es una invitación a descubrir el fondo del mensaje, tanto desde el punto de vista de la propuesta temática sugerida como desde el aporte estético y artístico del filme.

Ficha técnica

Titulo Original: The Kids are Allright
Distribuidor: Transeuropa.
Calificación: 18
Duración: 106 Min.
Género: Comedia, Drama.
Año: 2010
País: EEUU.
Elenco: Julianne Moore, Annette Benning, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson.
Directora: Lisa Cholodenko

Tercer mundo

Tres países: Chile, Bolivia y Costa  Rica, tres historias que se desarrollan en paralelo en cada lugar, y tres fenómenos especiales son los elementos que configuran el relato de "Tercer Mundo", escrita y dirigida por el chileno César Caro Cruz. En Costa Rica, Richi -Luis Miguel Sánchez- ha sido abandonado por su novia y busca por todos los medios recuperarla. En Bolivia, Amaya -Carmen Tito- es una humilde joven que junta dinero con la venta de alimentos para hacer un largo viaje al norte y conocer a su padre. En Chile, Juan -Juan Pablo Garuti- es un extraño joven que sueña con el espacio exterior y está obsesionado por Paloma, su vecina del almacén.

El relato es débil y las actuaciones poco convincentes. El guión no muestra una unidad clara pese a intentos de conexión de las historias en base a posibles mitos populares de fin del mundo, supuestos seres extraterrestres presentes entre nosotros, amuletos, poco creíbles abducciones y un eclipse que podría provocar un misterioso "encuentro cercano". Bajo tres cielos distintos, el filme transita de una historia a otra como cápsulas independientes, sin un hilo conductor o elementos que de alguna manera las formule en conjunto. Son tres películas en una, que bien podrían no intercalarse y presentarse como unidades temáticas particulares.

La filmación es cansina, sin brillo y bastante plana. El metraje se hace lento -85 extensos minutos- y en definitiva no logra alzar el vuelo. Si bien los estereotipos funcionan -se exageran por cada país y por cada personaje- no aportan con una identidad clara al mensaje de la cinta. "Tercer mundo" tal vez puede tener variadas interpretaciones, como una suerte de escapatoria de la realidad, un juego entre lo rural y lo urbano, o entre la realidad y la fantasía según el autor, sin embargo parece que sólo se queda en una muestra básica de tres culturas diferentes, conectadas solo por un retrato liviano de situaciones comunes, sin mayor desafío ni desarrollo.

Ficha técnica

Titulo Original: Tercer Mundo
Distribuidor: Independiente.
Calificación: 14
Duración: 85 Min.
Género: Comedia-Drama.
Año: 2010
País: Chile.
Sitio Web: www.tercermundolapelicula.com
Elenco: Juan Pablo Garuti, Bibiana Ezurmendia, Luis Sánchez, Carmen Tito, Jorge Larraín, Eleodoro Araya.
Director: César Caro Cruz.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=z5BfN9sr1hk

El concierto VIII de la Temporada 2010 del Teatro Municipal presentó a la Orquesta Filarmónica de Santiago, dirigida por su titular, el maestro Rani Calderon, interpretando tres obras muy distintas. El programa comenzó con el "Andante Apasionato" Opus 2, del compositor chileno Enrique Soro (1884-1954) que fue compuesto a los 17 años, cuando era estudiante en Europa. Lo escribió originalmente para cello y órgano y fue interpretado por él mismo en 1901 en el Conservatorio de Milás. La versión que escuchamos fue correcta y expresiva. Sin embargo careció de mayor intensidad logrando balances sonoros solo en algunos momentos. La conducción del maestro Calderón fue distante, a pesar de tener un dominio cabal de la partitura.

A continuación fue el turno del "Concierto para piano n.º 22", en mi bemol mayor, K. 482, de W. A. Mozart, compuesto en 1785. En esta oportunidad, el maestro Rani Calderón fue solista y a la vez director, mostrando una faceta multidisciplinaria muy interesante. Su versión fue bastante angulada, con un sonido corto, poco amable y algo duro. Se pudieron observar detalles no logrados de fraseo y balance sonoro entre el piano y la orquesta, probablemente debido a poca oportunidad de ensayo. Tocar y dirigir en forma simultánea no es sencillo, lo que tal vez ocasionó algunos grados de desatención de ciertos detalles en variadas secciones de la obra. El solista mostró poca dicción, sobretodo en la mano derecha, junto a un fraseo cortado y a una notoria carencia de mayor volumen y sonoridad del instrumento. La expresividad controlada y limitada del segundo movimiento dio la impresión de una versión sin demasiado compromiso. El Allegro final resultó poco gracioso, distante y sin compromiso emocional. Logramos percibir un pulso inestable y con tendencia al apuro hacia el final de las frases, sobre todo en los pasajes solistas del grupo de maderas. Las cuerdas mostraron a lo largo de la pieza un sonido áspero, algo de falta de vibrato y de conexión sonora. En síntesis, una versión no muy lograda y de la que esperábamos mucho más entrega.

En la segunda parte escuchamos la Cantata "Alexander Nevsky" (Op. 78) de Sergei Prokofiev. Estrenada en Moscú el 17 de mayo de 1939 y dirigida por el mismo autor, es una obra para Mezzo-soprano, coro y orquesta, dividida en siete movimientos. La cantata representó un buen trabajo, bien ensamblado y estudiado por parte de todos los intérpretes conducidos por el maestro Calderón. Excelente estuvo el coro en sus intervenciones y también la solista, Anna Viktorova. Se alcanzaron grandes sonoridades y también hubo espacio para detalles prístinos, con conexiones interesantes en color y textura entre las familias instrumentales. Pequeñas imprecisiones en algunos ataques de bronces y falta de sonido de la cuerda en los tutti no opacaron una sólida versión del maestro Calderón, la que aún cuando el ritmo de la interpretación decayó en intensidad hacia las secciones centrales de la obra, retomó sus bríos para un final brillante.

El maestro Rani Calderón, titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, mostró una batuta templada aunque sin anticipación. Ello pudo provocar cierta vacilación en los comienzos de secciones y un pulso que en general no logró afianzarse completamente a lo largo del concierto. Es extraña la constatación de una distancia emocional entre el gesto técnico de la conducción (movimiento de manos y expresión) respecto a los músicos y al resultado sonoro conseguido, lo que sin duda puede corresponder al estilo o la personalidad del director. Sin embargo muchas veces es esa conexión emocional la que diferencia un concierto correcto de uno excelente.

Ficha técnica

Orquesta Filarmónica de Santiago
Martes 7 de diciembre de 2010

Director: Rani Calderon
Director del Coro: J. Klastornick
Solistas: Rani Calderon y Anna Viktorova

Enrique Soro: Andante Apasionato
W. A. Mozart: Concierto para piano y orquesta N° 22 K. 482
S. Prokofiev: Cantata Alexander Nevski Op. 78
Con la participación del Coro del Teatro Municipal

El último exorcismo

Esta cinta, muy al estilo de “El proyecto de la bruja de Blair” o "Actividad paranormal" , promete más de lo que entrega finalmente. La tensión no sigue un ritmo dramático apropiado y la dirección de la cinta -a cargo de Daniel Stamm- cae en varias lagunas de las que no se repone en ningún momento.

El pastor Cotton Marcus -Patrick Fabian- tiene en la tradición familiar en exorcismos. Sin embargo, duda de este rito y también de su Fe, por lo que se propone filmar un último procedimiento acompañado de un equipo de producción. Para ello viajan hasta la granja de la familia Sweetzer, donde atenderán el caso de Nell -Ashley Bell- una adolescente poseída que pone en jaque todo lo conocido previamente por Marcus.

El filme tiene tan poco de terror como de suspenso. El guión, si bien puede resultar interesante, no es bien llevado a lo largo del metraje y merece más dudas que alabanzas. Me atrevería a decir que ni siquiera cumple los mínimos del género y no satisface la expectación que produce el trailer, que curiosamente está muy bien logrado.

Si bien en una mirada puede ser una burla a la Iglesia y a sus procedimientos, finalmente no profundiza más y las líneas se caen por su propio peso. Tal vez confabula en contra una lentitud pasmosa en la presentación de los personajes y una cadencia excesiva en escenas intrascendentes. Además, entrega muy poco valor agregado al filme el formato cámara en mano, que es justamente un recurso que permite la sorpresa, el impacto de algo real -supuestamente- y que puede entregar un aire de realidad a cada serie de tomas. En esta película se desaprovecha, cayendo en algo sin forma y que sin duda deja un sabor a poco al paciente espectador.

Ficha técnica

Titulo Original: The Last Exorcism
Distribuidor: Andes
Calificación: 18
Duración: 90 Min.
Género: Terror
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Patrick Fabian, Ashley Bell, Louis Herthum, Iris Bahr, Caleb Landry Jones, Tony Bentley.
Director: Daniel Stamm

Post mortem

Este tercer largometraje del chileno Pablo Larraín -cuyo paso por el 67 Festival Internacional de Cine de Venecia le valió importantes reconocimientos- nuevamente presenta un lenguaje críptico y una similar estética de filmación a la anterior entrega, "Tony Manero". El filme es una verdadera autopsia de la época vivida en Santiago en torno al 11 de septiembre de 1973. El metraje está seccionado, cortado, como un cadáver esperando el análisis forense para luego ser suturado y rearmado. Asimismo, en la cinta también se debe volver a componer el todo, lo que Larraín deja como tarea para el espectador una vez terminada la cinta.

Mario Cornejo -excelente actuación de Alfredo Castro-, es un solitario funcionario encargado de anotar los detalles de cada procedimiento en la morgue. Está obsesionado con su vecina Nancy -Antonia Zegers-, una bailarina en declive del Bim Bam Bum. Primero la espía en secreto y luego entablan una poco clara y extraña relación. Son almas que comparten una soledad llena de angustia, con una gran necesidad de afecto y que representan una decadencia social e individual propia de la época. El centro del relato es la autopsia del cadáver de Salvador Allende, una secuencia que impacta por su crudeza y desde la que se construye la historia en forma concéntrica.

El soporte dramático del relato una vez más Pablo Larraín se lo entrega al talento de Alfredo Castro, quien dibuja y desarrolla un personaje de una gran complejidad y profundidad. Largas secuencias de cámara inmóvil, ausencia de diálogos, junto a una abundancia de signos, gestos y expresiones, son los recursos con que el director representa los sentimientos y emociones de los protagonistas. El dramático telón de fondo lo entrega la morgue y la llegada masiva de las víctimas del golpe de estado como si fuera una carnicería. Este es el marco constructivo sobre el cual el personaje de Mario impacta con su pasividad asombrosa, donde sin duda oculta la procesión interna que carcome su vida. Castro asume y soporta magistralmente su rol, dando solidez a un film que se transforma en una lograda y efectiva propuesta emocional.

¿Quiénes son realmente estos personajes, qué buscan, qué les mueve en su fuero interno? La interrogante se plantea desde el inicio y es donde "Post mortem" conecta con "Tony Manero". La soledad es una característica común a ambas cintas. Una sociedad dividida, ausente, sin rumbo, casi perdida en el infinito, se suma a lo más íntimo de la personalidad de cada personaje. La inconexión emocional es enorme y la tensión crece en la medida que avanza lentamente el metraje. Incluso, esta falta de conexión es retratada por el director con escenas aparentemente aisladas, fuera de contexto, que no hacen más que reforzar una búsqueda afanosa de identidad, una búsqueda sufriente, desoladora y trágica.

"Post mortem" es una cinta para reflexionar. No podemos verla linealmente sino de manera transversal, lo que obliga al espectador a hacer un esfuerzo e incluso puede provocar algún desagrado en una primera lectura. Sin embargo, la propuesta es concisa y profunda sobre una época dramática de nuestro país y que el cineasta busca representar y responder a través de la intimidad de personajes muy bien interpretados y caracterizados que no están en el centro del golpe militar sino que van por el costado, espectadores y, sin buscarlo, actores de las oscuras consecuencias de la represión.

Ficha técnica

Titulo Original: Post Mortem
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 98 Min.
Género: Drama
Año: 2010
País: Chile.
Elenco: Alfredo Castro, Antonia Zegers, Jaime Vadell
Director: Pablo Larraín

La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

Esta segunda entrega de la trilogía "Millennium" del sueco Stieg Larsson, cuyo título original es "Flickan som lekte med elden" (que traducido directamente es "La niña que jugaba con fuego"), posee una estética similar a su precuela y es una suerte de continuación-explicación de la historia de Lisbeth Salander y que gira en torno a un oscuro y traumático pasado que va explicando rasgos trascendentes de su personalidad.

Ha pasado un año. Lisbeth vive gracias al dinero obtenido de Wennerström y ha regresado a Suecia. Mikael, editor jefe de "Millennium", trabaja junto a un joven periodista en un artículo sobre el comercio sexual. El escenario cambia brutalmente cuando el joven periodista y su novia son asesinados y las pistas señalan a Lisbeth como la autora material del doble homicidio. Mikael no cree en ello y se propone encontrar a Lisbeth antes que nadie. Lisbeth se oculta y comienza a utilizar estrategias para descubrir quien le ha tendido esta trampa. Todos los antecedentes apuntan a su adolescencia, a su custodia y a una venganza de muy larga data. Las piezas del rompecabezas van cayendo lentamente y en conjunto van armando un metraje intenso e intrigante.

"Millennium 2" presenta una sólida construcción dramática de su relato. Está filmada con la pausa necesaria y sin apuro, dando los espacios y tiempos necesarios que requiere la trama. Los elementos se entregan parcelados, como pequeñas pistas para unir cada cabo y cada hilo. Tiene un manejo apropiado del creciente suspenso gracias a la intriga que generan los antiguos y los nuevos personajes, muy bien delineados y caracterizados. Es interesante como surge la exploración de vetas en la historia y como éstas se desarrollan, develando ciertos detalles importantes y dejando otros solamente a la asociación del espectador. Podría entenderse sin ver la primera parte, sin embargo en el marco de la historia ambas tienen una relación indispensable. Nuevamente la actuación creíble y empoderada de Naomi Rapace es excelente interpretando a Lisbeth. Está muy bien secundada por Michael Nyqvist, caracterizando a Mikael Blomkvist, ahora desde un plano un poco más secundario, de soporte emocional y logístico al relato.

El filme tiene un fuerte contenido emocional, donde la venganza cobra un papel muy destacado. La dignidad y abusos de menores es parte del foco central, en una historia que esta vez muta al escándalo del comercio sexual a punto de ser descubierto públicamente por un periodismo investigativo que incluso pone en riesgo a personas al acceder y guardar información vital. Hay una legítima intención de búsqueda de la verdad lo que tensiona una relación de competencia con la policía. El crimen organizado y las mafias salen a la luz, produciéndose una lucha constante junto a una justificación y validación de la violencia a cualquier costo.

Ficha técnica

Titulo Original: Flickan som lekte med elden
Distribuidor: Andes
Calificación: Mayores de 18 años
Duración: 129 min
Genero: Thriller - Suspenso
Año: 2009
Pais: Suecia
Elenco: Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Peter Andersson, Johan Kyén

Bajo el mismo techo

Esta cinta es una comedia romántica que, como otras de su género, por instantes roza el drama. Holly Berenson -Katherine Heigl- y Eric Messer -Josh Duhamel- no se pueden ver. Tuvieron una primera cita desastrosa que fue concertada por sus respectivos mejores amigos. Lo único que comparten es su odio mutuo y el amor por su ahijada, Sophie. Un terrible accidente, donde mueren sus padres, deja huérfana a la pequeña, y tanto Holly como Messer han sido designados por sus amigos para la custodia de la menor.

La prueba es mayor: cambiarse a la casa de Sophie, combinar vidas, horarios, intereses por la obligación de cuidar a Sophie; en síntesis, vivir bajo un mismo techo, sin ninguna relación, por un bien mayor. Ella se dedica a una tienda de comida y él es asistente de dirección en una cadena de deportes. No comparten nada y mientras menos se junten es mejor. Sin embargo el hecho de "vivir juntos" va creando algo especial -predecible por cierto- y que tiene más sentido al conocer el título original de la película: " Life as we know it", o sea, "La vida como nosotros la conocemos".

El filme tiene un formato muy claro y adivinable, como de manual de estilo o de libro. Sin embargo está bien logrado, pues la manera de presentar las situaciones, de construir el relato y de darle forma a esta relación diferente entre dos personas está perfectamente construido. Además, hay varias tomas con perspectiva, buenas cámaras que escasean en cintas de este género. El metraje fluye, mezcla muy bien el reposo y la tensión, y las actuaciones son muy espontáneas. Cumple su objetivo de entretener y emocionar, que es algo básico que no siempre se consigue en el cine de la actualidad.

Ficha técnica

Título original: Life as we know it
Origen: Estados Unidos
Elenco: Katherine Heigl, Josh Duhamel, Josh Lucas.
Género: Comedia
Duración: 113 Minutos
Calificación: Mayores de 13 años
Director: Greg Berlanti

Atracción peligrosa

Charlestown es un barrio de Boston que tiene una inusual marca: más de 300 robos al año de bancos y vehículos blindados. Doug MacRay -Ben Affleck- es parte de una banda que ha conseguido sus objetivos siempre en forma limpia, sin embargo en su último trabajo algo sale mal y toman de rehén a Claire -Rebecca Hall- la Gerente del banco asaltado a la que dejan libre posteriormente sin hacerle daño. Doug, sin embargo, quiere asegurarse que Claire no sabe nada que les pueda delatar. Por ello concreta un encuentro casual, dando comienzo a una amistad y luego a un romance inesperado sobre el que comienza a desarrollarse la trama de fondo del filme.

"The Town", su título original basado en el libro "Thieves" de Chuck Hogan, ganador del premio Hammett en el 2005, es mucho más claro y decidor que la traducción -"Atracción peligrosa"- con que ha llegado a nuestras salas. Primero pues hace referencia directa al barrio de Boston. Lo sitúa y describe como lo que es, con mucha violencia, gente conocida, protección entre los delincuentes, corrupción, etc. Pueblo chico, diríamos en Chile. En segundo término, la traducción desfigura el trasfondo de la cinta que tiene que ver con el entorno en el cual una persona ha nacido, sus expectativas, todo lo que lo rodea y que de alguna manera moldea su forma de ser, sus caminos, opciones y su proyecto de vida. Doug está al medio. Es su vida la que se le escapa de las manos y su entorno en que no le deja salir. Esta problemática es el eje del metraje y cuando más aporta es cuando describe la angustiante reflexión, ese tira y afloja interior del protagonista. Hay un deseo de escapar, de salir del círculo, de abandonar lo conocido y cambiar definitivamente. Esta "oportunidad" pasa por el abandono y el desarraigo, dos temáticas que son profundizadas en la cinta, las que se relevan aún más por la fuerte obstinación de su gran amigo Jim/Jem -el excelente Jeremy Renner- que tiene una visión diametralmente opuesta a Doug: Charlestown es su comienzo, su horizonte y su final.

Ben Affleck, en esta su segunda película como director, se encarga de filmar emociones desde muy cerca. Al ser director y protagonista no podemos dejar de asociar la escuela de Clin Eastwood, al que sin duda dedica varios guiños. En ese sentido, la forma de ubicar las cámaras, la reflexividad de los entornos, la caracterización de los personajes, la preocupación por diálogos bien logrados, escenas fuertes, cruda violencia, soledad y un amor imposible, dan a "The Town" una profunda robustez. Incluso cuando el metraje decae en intensidad, Affleck logra una unidad y conducción admirables.

Es tremendamente interesante cómo el director consigue plasmar en la cinta la duda existencial de Doug entre mantenerse anclado a su barrio o despegar en busca de una vida nueva; entre seguir los pasos de un padre preso y acabado (y de una madre que le abandonó) o bien buscar su destino propio, lejos de todo aquello a lo que está acostumbrado. Es finalmente la lucha entre el bien y el mal, entre lo que hacemos y lo que queremos, el derecho a cambiar nuestro destino. Por estas razones "The Town" destaca y se convierte en una sólida cinta, porque muestra humanidad desde la miseria y porque da esperanza en un mundo cada vez más adverso a aceptar que las condiciones y los entornos se pueden cambiar. Solo hay que proponérselo y estar dispuesto a sacrificarse para conseguirlo.

Ficha técnica

Titulo Original: The Town
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 125 Min.
Género: Drama/Thriller
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Ben Affleck, Blake Lively, Chris Cooper
Director: Ben Affleck

Red

Esta nueva cinta del director Robert Schwentke tiene varios elementos que componen una interesante narración. Rápida y directa, sin mayor preámbulo y a los pocos minutos de iniciada, una emboscada imposible le señala al ex agente jubilado de la CIA, Frank Moses, -personaje muy bien construido por Bruce Willies- que su vida ha cambiado totalmente. Sus días de retiro se acabaron ya que "alguien" está muy interesado en matarlo, por lo que debe recurrir a sus amigos para solucionar este "inconveniente problema". Se suma a lo anterior que nuestro protagonista coqueteaba permanentemente al teléfono con la amable telefonista Sarah (Mary-Louise Parker) e inmediatamente Frank ve que también corre peligro mortal y sin anestesia la secuestra.

En 15 minutos ya tenemos la historia en desarrollo pues ya se incorporó el joven agente William Cooper (Karl Urban) con la explícita misión de liquidar a Frank y a su entorno próximo. Desde allí no se detiene más y la investigación de varios hechos-una periodista muerta, una lista de nombres, un antiguo caso en Guatemala- debe dar con la clave para detener una conspiración mayor que está en curso.

Moses no está solo contra el enemigo Reúne un elenco estelar, no solamente por sus competencias profesionales de sus amigos sino también por la excelencia de los actores que los encarnan. Joe Matheson (Morgan Freeman), Marvin Boggs (John Malkovich), Victoria (Helen Mirren) e Iván (Brian Cox), todos retirados y bastante mayores, entregan actuaciones muy sólidas con una sintonía entre la acción y la comedia envidiables.

RED -Retirado Extremadamente Peligroso en Inglés, escrita por Jon y Erich Hoeber como adaptación del cómic de Warren Ellis y Cully Hammer- incursiona en un género de acción-comedia complejo y con mucho que decir. Cada personaje representa un mundo completo donde observamos el envejecimiento -y cómo asumirlo-, la jubilación, la paranoia, el amor, -nuevo, naciente y antiguo de toda la vida-, la amistad, la lealtad, la traición, la protección y la reconciliación después de largo tiempo, entre muchas temáticas. Un gran ritmo durante el metraje corona un relato bien hecho, bien desarrollado, filmado con audaces cámaras y planos, excelente banda sonora y actuaciones que sin duda están dentro de lo mejor del filme. Entretenida y ágil, la película gana su espacio y gusta, por lo que los reconocimientos otorgados por la crítica están muy bien merecidos.

Ficha técnica

Titulo Original: Red
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 111 Min.
Género: Acción
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Helen Mirren, Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman.
Director: Robert Schwentke

Red Social

Me gusta. Comentar. Esta película sobre el comienzo de Facebook es ágil y posee un ritmo vertiginoso. Gracias a una excelente caracterización del protagonista, entrega un perfil logrado de la representación que el director David Fincher quiere mostrar sobre el joven Mark Zuckerberg, muy bien interpretado por Jesse Eisenberg. Cámaras sutiles y rápidas, buena fotografía, una banda sonora de texturas y muchos primeros planos le otorgan al filme una notable solidez.

"Red Social" cuenta la historia del brillante estudiante de Harvard -Zuckerberg-, quien junto a su amigo Eduardo Saverin -Andrew Garfield- conciben una incipiente red social universitaria que luego alcanzaría éxito mundial. Basada en la novela de Ben Mezrich “The Accidental Billionaires: the Founding of Facebook, a Tale of Sex, Money, Genious and Betrayal”, Aaron Sorkin -al mejor estilo conseguido en "The West Wing"- adapta un guión especial con mucho contenido en breves espacios de tiempo. Los diálogos extensos y en ocasiones técnicamente complejos, son la clave de la cinta que junto a historias muy bien contadas, con saltos temporales y en paralelo, componen un relato entretenido de comienzo a fin.

Hechos verdaderos o más bien especulación, para el filme no es lo importante. Tiene todos los ingredientes de una historia de genialidad, creatividad, lealtades puestas a prueba, oportunismo y olfato, debate sobre el derecho de la propiedad intelectual, inteligencia intelectual y carencia de inteligencia emocional, germen y desarrollo de una idea, marketing, amor y soledad.

Zuckerberg como un genio inadaptado socialmente, un "geek" informático, es puesto a prueba permanentemente en sus relaciones. Envidias, luchas de poder y disputas por fama y dinero profundizan el metraje. La presencia -e incidencia final en la empresa- del fundador de Napster, Sean Parker -Justin Timberlake- agrega a la cinta los toques de ambición y sueños sin límites que harán despegar esta red. Los conceptos de originalidad y de exclusividad -representados por los gemelos Winklevoss -excelentemente representados por Armie Hammer en ambos roles- se posicionan como fines en si mismo, en un mundo cada vez más comunicado pero al mismo tiempo cada vez más individual y particular. Valores y antivalores que giran en torno al nacimiento, en 2003, de un fenómeno mundial llamado Facebook y que, se estima, tiene más de 500 millones de usuarios actualmente.

Ficha técnica

Titulo Original: The Social Network
Distribuidor: Andes
Calificación: TE + 7
Duración: 120 Min.
Género: Drama
Año: 2010
País : Estados Unidos.
Elenco: Andrew Garfield, Jesse Eisenberg, Rashida Jones, Brenda Song, Justin Timberlake, Joseph Mazzello.
Guión: Aaron Sorkin
Director: David Fincher

Que pena tu vida

Frío recibimiento de la crítica y salas llenas. El estreno chileno que más espectadores ha llevado en el 2010 es toda una contradicción. Su director, Nicolás López (Promedio Rojo), incursiona esta vez en el género de la comedia romántica con un relato construido sobre tres personajes: Javier -Ariel Levy-, su novia Sofía -Lucy Cominetti- y su gran amiga Ángela -Andrea Velasco-. Javier, el protagonista, queda sin trabajo, pierde a Sofía, deambula por un Santiago bohemio, totalmente perdido, sin saber qué hacer con su vida ni cómo salir del pozo en el que ha entrado.

Teniendo una materia prima interesante y un material apropiado para tratar una problemática sentimental y sociocultural de unos jóvenes cercanos a los 30 años, la cinta abunda en lugares comunes, frases cliché, situaciones predecibles y un "placement" (publicidad en pantalla) que cansa y molesta. Parece una secuencia interminable de cuadros superpuestos, postales que quieren representar sentimientos, formas de ser y estereotipos que realmente no funcionan bien, no son creíbles. Desde ese punto de vista, López ha retrocedido desde su primera película, y lo que era una promesa irreverente se ha transformado en un director prisionero del mercado y de escaso vuelo.

Ahora bien, ¿por qué el éxito de taquilla? Difícil respuesta que deja abierto el debate. La cinta promete, en sus trailers, relaciones 2.0 que usan mucho Fecebook, Twitter y SMS. Se promociona muy bien, mucho más de lo que en verdad entrega en relación a la moda de internet. Además, la historia de un hombre despechado, en búsqueda de si mismo y la trama amorosa en forma de triángulo despierta inquietud. Todos estos elementos sin duda están presentes en la trama, sin embargo tienen un escaso grado de desarrollo que no logra despegar en los 93 minutos del filme.

Hay algunos aciertos -individuales, eso si- como el papel de Claudia Celedón como la mamá de Javier o el de Ramón Llao representando a un ordenado Carabinero, quienes con sus pequeños roles y su excelente actuación dan respiro a un relato muy cansino y totalmente adivinable. López trata de filmar distinto, de apostar con una banda sonora que vaya siguiendo lo que les pasa a sus personajes, sin embargo todo queda en un intento, en una especie de experimento que se mantiene plano. Es complejo trabajar bien el género de la comedia y "Que pena tu vida" no lo consigue. No basta hacer una suma de escenas, editarlas, copiarlas y pegarlas con una cierta unidad. Se requiere ingenio, creatividad y riesgo, que esta vez "pena" por su ausencia.

Ficha técnica

Titulo Original: Que Pena Tu Vida
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 93 Min.
Género: Comedia Romántica
Año: 2010
País: Chile
Elenco: Ariel Levy, Andrea Velasco, Lucy Cominetti, Claudia Celedón, Ramón Llao, Boris Quercia, Marcial Tagle
Director: Nicolás López

El regreso de la nana mágica

Una grata sorpresa fue ver esta segunda película de Nanny McPhee. Sin conocer la primera entrega y sin saber la historia, mis pequeñas informantes -mis dos preciosas hijas- me pusieron al tanto de Nanny y sus maravillosos poderes. El mensaje de las cinco lecciones y la sentencia que "estará cuando la necesiten y no la quieran y se irá cuando la quieran pero no la necesiten", fueron suficientes para disfrutar esta cinta bien dirigida por Susanna White.

Nanny McPhee llega a brindar ayuda a una agobiada madre que cuida de tres hijos -su marido está en la guerra- quienes reciben la visita de dos primos malcriados al extremo. Gracias a la magia y sabiduría de McPhee, comienzan a transformar sus vidas y a asimilar cada una de las lecciones, lo que va quitando uno a uno los defectos físicos de Nanny, que sólo reflejaban el mal comportamiento de los niños. Sin duda hay mucha caricatura en todos los personajes, sin embargo eso ayuda a entenderla muy bien y a comprender de la misma forma lo importante de las enseñanzas de esta particular nana.

Basada en los populares cuentos “La Niñera Matilda”, Emma Thompson -que encarna de manera admirable a McPhee- realiza una adaptación al cine magistral, llena de ejemplos, valores y disciplina. Esta vez las lecciones son no pelear, compartir con agrado, ayudarse mutuamente, ser valientes y tener fe. El asombro de su magia sorprende a los niños desde un comienzo y poco a poco se va ganando el respeto y cariño de toda la familia que ve en ella un modelo a seguir. Una película redonda, clara y que mediante una sana entretención transmite valores esenciales para niños y adultos.

Ficha técnica

Título original: Nanny McPhee and the Big Bang
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 109 Min.
Género: Comedia Familiar, Fantasía.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Emma Thompson, Maggie Gyllenhall, Rhys Ifans, Maggie Smith, Asa Butterfield, Lil Woods, Eros Vlahos
Director: Susanna White

Sangre y amor en París

Originalmente titulada "From Paris with Love", esta cinta del director Pierre Morel presenta una excelente producción, una filmación cuidada y cámaras muy bien colocadas en el seguimiento de la implacable acción. El guión -a cargo de Luc Besson y Adi Hasak- atrapa desde un comienzo. El ritmo es vertiginoso, sin pausa. La sucesión de hechos es constante y los quiebres son frecuentes, aunque la edición del filme puede crear confusión en algunos momentos. La violencia -que es mucha tanto en situaciones como en el promedio de balas disparadas por minuto- es caricaturizada, lo que de alguna manera logra controlarla, haciendo algún guiño a Tarantino, quien es citado también en la forma de usar la banda sonora y algún detalle sobre la comida.

Charlie Wax -John Travolta- es un agente norteamericano que llega a Paris con la misión de desbaratar un plan terrorista. Travolta está realmente excelente, muy cómodo y a sus anchas, recreando un personaje logrado y potenciado; una especie de agente espía con métodos poco normales, un "Jack Bauer" en versión satírica, capaz de matar lo que se mueva alrededor, con un humor especial y una filosofía sobre la vida muy particular. El asistente del embajador -el actor irlandés Jonathan Rhys Meyers encarnando a James Reece- es el compañero de acción de Wax. Su personaje es correcto, bien interpretado, inteligente, profundamente enamorado de su pareja. Está haciendo una carrera oculta de agente secreto y tiene demasiadas dudas éticas sobre su nuevo rol. Es una persona bondadosa -su profundo amor así lo demuestra-, y tal vez algo inocente en estas grandes ligas de conspiraciones e intrigas.

La dupla Travolta-Rhys Meyers tiene química. Explota en situaciones increíbles y ambos funcionan bien; se complementan y no chocan en el protagonismo, aunque Travolta se lleve casi todos los honores. El centro del relato es el complot y el terrorismo proveniente del Medio Oriente, en este caso desde Pakistán. Agentes encubiertos, dobles personalidades, amor, engaño y desengaño son los elementos propuestos a lo largo del metraje, sin embargo el fondo del filme son las personalidades de los protagonistas y sus relaciones, dos opuestos muy fuertes, caminos divergentes que logran sintonía, complemento y complicidad.

La dupla Morel-Besson -también presentes en su trabajo anterior, "Taken", mucho más desarrollada y una de las buenas películas de acción del 2008- entrega una cinta bien hecha, entretenida y rápida, que, gracias a la actuación de Travolta, logra un espacio dentro del género. Toma prestados elementos ya probados por otros directores y agrega una cuota de humor irreverente importante, lo que sin duda le da a "Sangre y amor en París" un interesante valor agregado.

Ficha Técnica

Titulo Original: From Paris with Love
Distribuidor: BFD.
Calificación: 18
Duración: 92 Min.
Género: Thriller.
Año: 2010
País: Francia
Elenco: John Travolta, Jonathan Rhys Meyers, Kasia Smutniak
Director: Pierre Morel

Drama

Esta opera prima del director chileno Matías Lira presenta a tres estudiantes de teatro en pleno proceso de búsqueda de identidad, de definición de personalidades, tránsito en el que experimentan con hechos reales y emociones límites, la influencia de su maestro y la filosofía de autenticidad actoral del francés Antonin Artaud.

"Drama" basa su apuesta en presentar una obra de teatro filmada encerrando el concepto de realidad-actuación donde se confunden los planos, se sobrepasan límites morales y sociales, la abundancia de drogas y sexo es un fin en si mismo, en el que el trío protagónico se entrelaza a niveles obsesivos. Mateo -Eusebio Arenas- tiene una historia familiar compleja de abandono traumático; María, su pareja -Isidora Urrejola- está desorientada, como fuera de su centro y Ángel -Diego Ruiz- es un joven con una confusa tendencia sexual. Los tres parecen dispuestos a todo con tal de mejorar sus actuaciones y a engañarse con sus propios sentimientos en una búsqueda sin fin y tal vez sin retorno.

El relato es fuerte, provocativo y transgresor. Hay oscuridad, violencia, mucha noche y ambientes hostiles para enmarcar historias con desigual grado de desarrollo y profundidad. Los protagonistas se pierden en la medida que el metraje avanza, y los sentidos se nublan. La estética promueve la constante confusión e incluso provoca que algunas escenas puedan ser moralmente cuestionables. Es delicado ver a jóvenes en situaciones de tanto conflicto interno, tan vulnerables externamente y que validan sus actos con una simpleza que preocupa.

Lira propone cámaras y muchas acciones en tiempo real, con un trabajo de seguimiento cercano a los actores, donde el guión se impone a pesar de tener ritmos diferentes y la ausencia de música en momentos clave aumenta la tensión. "Drama" es una propuesta sin ser necesariamente un cine nuevo o diferente; es un experimento medido y mediado, que tal vez se pierde un poco en el camino al, tal vez, querer pretender mucho. Más que una película para mayores, es una cinta que requiere criterio para ser vista, interpretada y evaluada como expresión de arte que es: subjetiva, criticable y discutible, con la presencia de claros elementos para un debate en el que existen posiciones diametralmente opuestas y que llegan a cada espectador de múltiples formas.

Ficha técnica

Titulo Original: Drama
Distribuidor: BFD
Calificación: 18
Duración: 75 Min.
Género: Drama
Año: 2009
País: Chile
Elenco: Eusebio Arenas, Isidora Urrejola y Diego Ruiz. Fernanda Urrejola, Alejandro Goic, Benjamín Vicuña, Eduardo Paxeco, Diego Muñoz, Cristóbal Tapia-Montt, Diego Casanueva, Jaime McManus, Alejandro Trejo.
Director: Matías Lira

Hachiko: siempre a tu lado

Sorprende la simpleza de esta película que se basa en lazos profundos de lealtad, amistad y acompañamiento junto a sólidas relaciones humanas. Un maestro universitario -Richard Gere- encuentra, abandonado, un perro de raza akita con el que desarrolla una mágica conexión. Hay un destino, una elección o una predeterminación en este encuentro, muy marcado por la cultura oriental y por la ternura, el juego y la complicidad que se da entre ambos. La película está basada en una historia real ocurrida en Tokio, Japón, en la década de 1920, y corresponde a un remake de la película de 1987 llamada "Hachikō monogatari"

En el plano afectivo, la familia del profesor -su señora y su hija- conforman un núcleo protector especial. Existe comprensión y un desarrollado grado de comunicación verbal y no verbal -tal vez la clave de la sintonía de Hachi con su amo-, la vida del maestro es ejemplar y responde a una pequeña sociedad protegida, con abundante familiaridad, trato amable, y la importancia de las personas como el centro en todo el relato.

"Hachiko" es una película que se transforma en una suma de valores, una visión optimista de la vida y un positivismo que conmueve. Valoriza lo sencillo y lo rutinario, lo bello de lo cotidiano, la esperanza y la satisfacción, algo bastante contracorriente en nuestra sociedad actual. Releva, gracias a una preciosa fotografía y a la excelente actuación de Hachi, los mejores valores de la relación de fidelidad entre el perro y su dueño, poniendo el acento en una lealtad y cariño a toda prueba, que es capaz de superar los obstáculos más duros y el implacable paso del tiempo.

Ficha técnica

Titulo Original: Hachiko
Distribuidor: BFD
Calificación: TE
Duración: 94 Min.
Género: Drama, Familiar
Año: 2009
País: Estados Unidos.
Elenco: Richard Gere, Joan Allen, Sarah Roemer, Jason Alexander, Cary-Hiroyuki Tagawa, Erick Avari, Davenia McFadden, Robert Capron.
Director: Lasse Hallström

Agente Salt

Evelyn Salt -Angelina Jolie- es una agente de la CIA que sorpresivamente es delatada por un inmigrante ruso de ser una espía encubierta. Desde ese momento, Salt debe cuidar su vida, escapar de sus propios colegas, encontrar a su marido y desentrañar los sucesos que velozmente suceden, cuyo centro de atención mayor es un ataque terrorista al presidente ruso, en ese momento de visita en Estados Unidos por el funeral del vicepresidente norteamericano.

Este thriller de espionaje actual es una nueva historia basada en las conspiraciones secretas USA-Rusia que vienen desde incluso antes de la Guerra fría. Las  infiltraciones de espías, las traiciones y los planes secretos logran su objetivo: entregan un filme que cumple perfectamente con lo clásico del género. La acción es permanente y no decae a pesar de un ritmo, vertiginoso por cierto, sin grandes matices. Existen numerosos cabos sueltos entregados por el relato y que en la medida que el metraje avanza cobran sentido y explican, en gran parte, el núcleo central del argumento.

Jolie actúa bien, sin exageraciones a pesar del duro papel que debe desempeñar. La acompañan de excelente forma los agentes Ted Winter -Liev Schreiber- y Peabody -Chiwetel Ejiofor- con quienes comparte gran parte de las acciones de la película. El director, Phillip filma muy bien las secuencias de persecuciones, sin grandes efectos especiales lo que le da mayor realismo. El suspenso se mantiene hasta el final, con quiebres y sorpresas, a pesar que el guión anticipa algunas luces sobre el desarrollo de la trama. La banda sonora de James Newton Howard ambienta perfectamente y la fotografía tiene la oscuridad que la historia necesita.

Si bien no es una gran película, está bien producida, entretiene y mantiene la tensión, mostrando una vez más la versatilidad actoral de Jolie, ahora en un papel exigente y fuerte que logra sacar adelante de muy buena forma.

Ficha técnica

Titulo Original: Salt
Distribuidor: Andes
Calificación: 14
Duración: 100 Min.
Género: Acción - Suspenso
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Andre Braugher, Angelina Jolie, Chiwetel Ejiofor, Liev Schreiber
Director: Phillip Noyce

Wall Street: el dinero nunca duerme

Esta película curiosamente no es sobre el dinero. Es sobre cómo se comportan las personas respecto al poder, la ambición, la lealtad, la familia, la honestidad, el engaño y el amor, todo ello gracias a la transversalidad que la codicia por tener más y más dinero provoca en algunas personas. Oliver Stone nos entrega la secuela de la exitosa Wall Street de 1987 donde Michael Douglas ganó un Oscar por su interpretación del carismático Gordon Gekko. Esta vez, Gekko sale libre luego de 8 años de prisión (2001) y la historia se desarrolla en los últimos meses de 2008, período en el que está a punto de desatarse la crisis económica de los bancos de inversión norteamericanos.

Jake Moore -Shia LaBeouf- es un joven agente de bolsa, que trabaja en la empresa "Keller Zabel Investments", dirigida por Louis Zabel -Frank Langella-, mentor de Jake. Su novia Winnie -Carey Mulligan-, es hija de Gordon, no ve hace años a su padre a quien culpa por la muerte de su hermano por sobredosis, dirige un pequeño sitio de internet independiente e impulsa a su novio en su deseo de invertir en energías limpias. Ya se ven los primeros síntomas de la crisis. Hay especulación, extraños rumores y caídas estrepitosas, lo que desencadena una secuencia de hechos que describen muy bien lo sucedido en el descalabro financiero. El tema económico, financiero y de la bolsa está muy bien tratado para no aburrir y poder explicar correctamente el contexto.

Stone pone en la mesa valores y antivalores muy claros. Además, los estereotipos de los personajes ayudan para formarnos criterios sobre sus actuaciones, donde las malas artes, el mundo light compuesto de envoltorios de personalidad con excesivo lujo, contrastan con la inocencia, la honestidad, y la búsqueda de la verdad. Con mentores y aprendices son la lealtad y la venganza los polos en que se mueve esta bien lograda secuela, que enjuicia completamente el sistema capitalista y financiero poniendo el centro en el poder y no en las personas, en las relaciones por conveniencia y por utilidad.

El filme muestra un alucinante New York con preciosas tomas aéreas, cámaras que describen el ir y venir de la ciudad y su motor incansable. Posee un excelente ritmo de filmación, una banda sonora muy ad-hoc junto a variadas actuaciones convincentes, interesantes diálogos y algunas frases claves como la de Gordon Gekko a Bretton James -Josh Brolin-, principal accionista del poderoso banco de inversiones "Churchill Schwartz": "si dejas de decir mentiras de mi, yo dejaré de decir verdades de ti". El guión -gracias a la capacidad de Oliver Stone de contar muy bien la historia- mantiene en permanente tensión al espectador con muchas referencias a la primera cinta pues al parecer hay cosas que nunca cambian: En palabras de Gordon Gekko: "esta vez la codicia no sólo es buena, sino legal".

Ficha técnica

Titulo Original: Wall Street 2
Distribuidor: FOX
Calificación: TE
Duración: 133 Min.
Género: Thriller
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Guión: Allan Loeb, Oliver Stone
Elenco: Michael Douglas, Shia LaBeouf, Josh Brolin, Frank Langella, Carey Mulligan, Eli Wallach, Susan Sarandon
Director: Oliver Stone

Ga'hoole: La leyenda de los guardianes

Soren y Kludd, son dos hermanos muy diferentes. Soren es un soñador, maravillado por las historias contadas por su padre sobre épicas batallas y Kludd solo ansía cazar, volar y ser independiente. La historia de ambos búhos, basada en el relato de la autora norteamericana Kathryn Lasky, es una clásica aventura sobre el bien y el mal. Un descuido de los hermanos los hace caer en las garras de "Los Puros" cuya intención es apoderarse de todo el bosque "Tyto" donde habitan en paz las lechuzas.

Con un comienzo de fábula, de guerras y de héroes, la cinta muestra de inmediato los caminos opuestos de los hermanos: el bueno y el malo en completa contraposición. Juega un papel importante la familia, la protección y el temor de los padres a que los jóvenes estén preparados para enfrentarse al mundo. Vemos cómo los sueños de Soren se contrastan con la ambición de Kludd y cómo la identidad y el sentido de pertenencia son fundamentales en su desarrollo. Hay valores muy profundos -el amor, la solidaridad y la lealtad- que son llevados a ejemplos muy simples, en oposición a la traición, el sometimiento y los abusos que se muestran en la tiranía de "Los Puros"

El filme tiene una notable animación, muy nítida y de gran perfección, llenas de texturas y movimientos. La filmación es precisa y adecuada, con bellas tomas, composiciones, cuadros, paisajes, ambientes, y muchos detalles, aunque hay cierto abuso de la cámara lenta en las crueles peleas. La banda sonora es clásica y está bien compuesta. Las representaciones humanas de cada personaje son muy marcadas y un tanto extremas, llevando a caracterizaciones bastante convencionales. El guión resulta algo simple en el relato, con vacíos de continuidad que en ocasiones afectan el ritmo del metraje.

Llama la atención el exceso de violencia, tanto física como en algunas acciones, lo que la transforma en una película oscura para el público infantil. Esto se mezcla con hermosas metáforas, como el "aprender a volar" y el recuerdo de los héroes de antaño en una suerte de memoria agradecida. Lo importante es tal vez el mensaje final en palabras de Fernanda Paz, mi hija mayor: "los sueños si son posibles de realizar si de verdad se cree en ellos".

Ficha técnica

Titulo Original: Guardians of Ga’Hoole
Distribuidor: Warner
Calificación: TE
Duración: 97 Min.
Género: Familiar / Aventura
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Con las voces de Emily de Ravin, Hugh Jackman y Hugo Weaving
Director: Zach Snyder

Los mejores de Brooklyn

Esta película del director Antoine Fuqua es cruda. Su trama sobre tres policías y varios grupos de delincuentes en la zona más peligrosa de Brooklyn -mostrando un Nueva York complejo y difícil- es una historia de corrupción, de bajos barrios, pandillas y códigos ocultos, donde la droga -su tráfico y consumo- juega un papel muy importante.

Eddie -Richard Gere- está a días del retiro y no quiere más con el departamento de policía. Sal -Ethan Hawke- tiene grandes problemas familiares y ha caído en la corrupción. Tango -Don Cheadle- es un agente encubierto que se ha internado en un poderoso grupo de narcos y debe traicionar a Caz -Wesley Snipes- con quien ha desarrollado una creciente amistad

Este filme muestra con lujo de detalles la corrupción, la droga, la desesperación por la familia, la ambición, la soledad, la falta de afecto, la bondad, la rectitud y la lealtad en varios niveles, entre muchas otras temáticas. Con una filmación oscura, casi sórdida, el filme refleja muy bien el ambiente decadente en que se desarrolla la acción. Cámaras en primera persona son aciertos y conducen las historias. Las actuaciones son convincentes, naturales y no forzadas, el guión está bien llevado y mantiene la tensión permanentemente para presentar estas historias separadas que tienen un punto de inflexión y cruce en el clímax del relato.

Esta cinta deja finalmente un sabor amargo. Cunde la desesperanza, el sin sentido, el vacío interior y la ausencia de un bien mayor. Las historias, profundamente íntimas e individuales, permiten ver una pequeña parte del interior de los protagonistas, sus angustias y decepciones. Hay una búsqueda en Eddie, pero no es clara; Sal ha perdido su foco; y la ambición de Tango no le permite ver el mundo en el que está inserto. Una suma de debilidades, fiel reflejo de una decadencia en constante progreso.

Ficha técnica

Título original: Brooklyn's Finest
Origen: Estados Unidos
Género: Acción
Duración: 130 Minutos
Actores: Richard Gere, Ethan Hawke, Don Cheadle, Wesley Snipes
Fotografía: Patrick Murguia
Guión: Michael Martín
Música: Marcelo Zarvos
Director: Antoine Fuqua

Son como niños

Cinco amigos que comparten haber ganado un campeonato de basquetball en su infancia se reúnen 30 años más tarde para rendir tributo a su entrenador recién fallecido. Los cambios son notorios, físicamente hablando y en sus propias historias de vida. A raíz del funeral, deciden pasar el fin de semana del 4 de julio, junto a sus familias, en una casa del lago que a todos les ha marcado tanto como su "entrenador timbre".

Esta comedia del director Dennis Dugan se presenta bastante inconexa y con muchas situaciones de verdadero ridículo que pueden dar algo de vergüenza ajena. Se aumentan los defectos e imperfecciones de cada uno de los personajes y sus virtudes siempre escasean. Las relaciones mostradas son todas superficiales, llevadas en casos al extremo, con graves problemas de comunicación, envidias, celos y frustración.

La risa es más el resultado de elementos típicos como caídas, golpes y ridiculeces, que de un trabajo desarrollado y de género. Muchas escenas están en la peligrosa frontera de lo chabacano y vulgar, lo que no deja de sorprender, sobre todo en su calificación para todo espectador. Es cierto que entretiene, sin embargo, lo hace a un costo dudoso, incluso jugando con la dignidad de las personas (la nana asiática, por ejemplo) lo que sitúa a "Grown Ups" dentro de las comedias más básicas y simples de esta temporada.

Ficha técnica

Titulo Original: Grown Ups
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 102 Min.
Género: Comedia
Año: 2010
País :Estados unidos
Elenco: Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, Rob Schneider, David Spade, Salma Hayek, Maria BelloMaya Rudolph.
Director: Dennis Dugan

Amor a distancia

Este filme del director Nanette Burstein es una comedia romántica de formato tipo, tediosa a ratos y con un guión bastante predecible. Erin -Drew Barrymore- quiere permanecer en el trabajo donde desarrolla su práctica de periodismo y Garrett -Justin Long- trabaja en un sello de música que promociona artistas. Están en Nueva York, se conocen una noche y comienzan una relación pasajera de seis semanas, al cabo de las cuales Erin deberá volver a casa en San Francisco. Sin embargo, el amor se abre paso y deciden seguir juntos a distancia. En ese escenario, la película presenta la problemática no menor de las relaciones de pareja cuando existe esta separación física por diversas razones.

El egoísmo o renuncia en favor de la pareja, la comodidad versus el riesgo, la búsqueda del espacio propio, la individuación y el éxito personal versus la vida familiar, son algunos de los polos entre los que se mueve este relato. Hay una gran dificultad en lograr una definición para esta nueva relación a distancia. La fidelidad está muy centrada solo en la connotación sexual y existe un temor permanente de cada uno de los protagonistas a ser engañados, en ese plano, por el otro.

Las vidas compartidas de Garrett y su buen amigo Dan -y en ocasiones con su otro amigo Box- en el departamento común de Nueva York, es un importante punto de encuentro, una pequeña comunidad que han formado estos inseparables compañeros. Del mismo modo la vida familiar integrada de Erin con su hermana Corinne y su familia en San Francisco, habla de otro entorno comunitario muy fuerte. Acá llama la atención la comparación del romance pasajero con el matrimonio, ya que este último es presentado como un martirio, con cierta amargura, frustración y envidia, en tanto el primero es mostrado como el ideal de los ideales. Diversos problemas actuales de las relaciones de pareja y de las relaciones interpersonales son solo esbozados en el metraje, sin ser resueltos o sugerir una posición clara, como instalando temas sin jugarse por su desarrollo.

Los protagonistas no logran una química mayor, y resultan algo forzados, ya que Erin y Garrett poseen entornos personales sin mayor desarrollo ni profundidad. Varios gags jocosos, otras situaciones cómicas y algunos atisbos de reflexión que se quedan en el plano superficial, caracterizan este relato, que sin duda tiene una raíz completamente local (muy Estadounidense por cierto) lo que finalmente no le entrega un brillo mayor.

Ficha técnica

Titulo Original: Going the Distance
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 102 Min.
Género: Comedia / Romance.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Drew Barrymore, Justin Long, Christina Applegate
Director: Nanette Burstein

Regreso a la Mansión Brideshead

Esta cinta inglesa del director Julian Jarrold relata la vida de Charles Ryder (Mathew Goode), un joven de clase media que ha llegado a estudiar Historia a la Universidad de Oxford, y su relación con la aristocrática familia Marchmain producto de la particular amistad desarrollada con los hermanos Sebastián (Ben Whishaw) y Julia (Hayley Atwell). El filme es un reflejo de la vida en la Inglaterra del período entre guerras, donde la sociedad en declive se ve claramente separada en clases sociales, religiones, oportunidades y la incómoda llegada de la modernidad.

Basada en el libro de Arthur Evelyn Waugh, “Brideshead Revisited”, escrito en 1945 y hecho miniserie por la BBC en 1981, el relato tiene la mansión Brideshead -Castle Howard de Coneysthorpe, North Yorkshire- como telón de fondo, ubicado en una preciosa campiña inglesa perfectamente decorada por la dirección de arte, y respaldada por una hermosa fotografía, excelente ambientación, preciosa música y certera producción.

Sólidas actuaciones junto a personajes profundos y bien delineados, dan curso a una compleja historia de vida, de ambición y de frustración, contada con calma, respetando los tiempos y espacios reflexivos de cada temporalidad, lo que entrega el espacio suficiente para el desarrollo de cada protagonista. El amor, motor central del filme, es tratado a la manera romántica por excelencia: todos amores imposibles por diversas causas como la amistad, el engaño, la homosexualidad no compartida, una profunda religiosidad familiar y una rigurosidad moral que aún predomina fuertemente en la sociedad retratada.

Motivaciones, aspiraciones, el creciente doble estándar social, las diferencias culturales británico-italiana (Venecia es mostrada desde su interior, como ícono del libre romance en contraposición a la estructurada vida inglesa) enmarcan relaciones profundas y grandes cambios sociales, donde la religión católica se enfrenta al creciente ateísmo y agnosticismo, y el poder femenino, matriarcal -brillantemente representado por Lady Marchmain (Emma Thompson)- es tal vez lo único que va quedando de las viejas estructuras que ya se van cayendo a pedazos.

La cinta explora también con éxito las relaciones padre-hijo, aquellas marcas que Charles ha heredado de su rígido padre y que inciden en sus opciones de vida, variando su inicial vocación profesional de historiador al desarrollo artístico a través de la pintura. La culpa, declaración inicial del protagonista, nos revela como la opresión y los moldes imperantes son capaces de delinear la vida entera de Charles Ryder, quien no logra equilibrar su rumbo y sus sentimientos en un claro proyecto de vida, y en donde, al parecer, su única constante es la cautivadora, seductora y revisitada Mansión Brideshead.

Ficha técnica

Título Original: Brideshead Revisited
Género: Drama
Elenco: Mathew Goode (Charles Ryder); Ben Whishaw (Sebastian Flyte); Hayley Atwell (Julia Flyte); Emma Thompson (Lady Marchmain); Michael Gambon (Lord Marchmain)
Director: Julian Jarrold
Año: 2008
País: Inglaterra

Mandril

Esta es la tercera producción de la dupla Ernesto Díaz y Marko Zaror que ya vimos en Kiltro y Mirageman, ambas películas con el atractivo de las artes marciales en coreografías muy logradas. Esta vez, la historia se centra en Antonio -Marco Zaror-, un asesino a sueldo apodado "Mandril" cuyos padres fueron asesinados cuando era muy niño.

Sin duda, de los tres trabajos Díaz-Zaror este es el más débil, pues presenta una historia poco explotada y sin mayor contexto, donde el dramático pasado deriva en la obsesión del protagonista. Su orfandad -más bien la causa de ella- le lleva a buscar incansablemente -y sin un destino aparente- aquella venganza del hecho que marcó su vida. Este es un mecanismo de defensa, sin duda, pues en la relación con su tío Chone - Alejandro Castillo- hay mucho afecto padre-hijo y protección, lo que no basta, por cierto, en la formación adolescente de Antonio que se ve influenciada por un agente de ficción llamado John Colt -la secuencia de promoción intercalada es hilarante y satírica- lo que hace mucha similitud con las evocaciones al 007 y muchos otros agentes sucedáneos.

El metraje cambia de giro cuando Antonio conoce a la bella Dominik -Celine Reymond- pues el componente amoroso es aquello que realmente cala profundo en la personalidad de hierro de Mandril. Cuando se mezcla negocio y amor, la resolución no siempre es del todo limpia y en este caso agrega una complicación mayor, pues el padre de Dominik es aquel mafioso que tanto ha buscado el protagonista.

Actuaciones poco convincentes -salvo Castillo y Luis Alarcón en un breve y significativo papel-, personajes de caricatura, ausencia de emociones reales, un ritmo cansino por varios pasajes y una filmación oscura, configuran un relato muy simple, donde las peleas no bastan para sostener un guión que cae en lagunas constantemente. Las coreografías marciales son logradas -y se agrega ahora el fuego cruzado-, salvo tal vez un abuso de la marcada cámara lenta. El aporte musical es bajo, salvo la canción sobre la que intenta girar emocionalmente la película, por lo que "Mandril" se acerca más a un buen intento, con un contenido que aspiraba a un mejor desarrollo, que en realidad ha quedado corto y en deuda para las expectativas generadas.

Ficha técnica

Titulo Original: Mandrill
Distribuidor: Andes
Calificación: TE+7
Duración: 88 Min.
Género: Acción, Romance
Año: 2009
País: Chile y Peru
Elenco: Marko Zaror, Celine Reymond, Alejandro Castillo, Luis Alarcón, Augusto Schuster, Maria Jose Prieto, Catalina Olcay.
Director: Ernesto Diaz Espinoza