Un excelente programa se presentó el viernes 19 de diciembre en el teatro Municipal de Santiago. Obras norteamericanas dieron marco al último concierto de la Temporada 2008, dirigido por el maestro Maximiano Valdés.
Comenzamos escuchando la Primavera Apalache de Aaron Copland ( 1900 - 1990 ). Obra de 1944 ofrece una riqueza sonora y rítmica muy característica del compositor. Las melodías largas, sobre camas armónicas producen climas y ambientes delicados los que son interrumpidos por vigorosos momentos en los que los cambios de tiempo producen aquella irregularidad rítmica que balancea la pieza. La orquesta, y en especial las cuerdas, tuvieron un especial cuidado sonoro. Algunos intrumentinos de maderas, en ocasiones faltos de afinación exacta, se lucieron en sus solos correspondientes. La batuta del maestro Valdés, serena y clara, transmitió aquello en el resultado sonoro final.
Como segunda obra escuchamos el Concierto para Violín de Samuel Barber ( 1910 - 1981 ). Este brillante concierto, escrito en 1939, presenta grandes desafíos técnicos, sonoros y musicales para el solista. El violinista Mark Kapland fue el encargado de dar vida al concierto. El solista es norteamericano, estudió en Juilliard School y toca en un Stradivarius llamado "El marqués". Y se nota desde el comienzo entregando un sonido precioso, lleno de colores y texturas que no compite con la masa orquestal. Destaca en forma notable el manejo del arco en el solista. De una simpleza y suavidad, logró sonidos encantadores sin dejar de lado la expresividad. Con un brillante final - un tercer movimiento lleno de gran virtuosismo y temple - Kapland conquistó al público del Municipal. Luego del concierto ofreció como bis el Capricho 9 de Paganinni.
En la segunda parte, y luego de una breve explicación a cargo del maestro Valdés, escuchamos de Charles Ives ( 1874 - 1954 ) "La pregunta sin respuesta", obra mínima a cargo de las cuerdas, un grupo de flautas y una trompeta solista fuera del escenario. Audaz y compleja, esta obra aborda la gran pregunta de la humanidad sobre la existencia, y presenta tres planos distintos, superpuestos e interrelacionados. El resultado fue muy interesante desde el punto de vista sonoro, y sin duda la explicación anterior a la obra permitió a la audiencia comprenderla y recibirla de mejor forma.
Finalmente escuchamos una suite con las Danzas Sinfónicas de West Side Story de Leonard Bernstain ( 1918 - 1990 ). En una excelente y sólida interpretación, el maestro Valdés logró plasmar la intensidad rítmica y sonora de estas piezas, una suerte de conjunción entre lo docto, popular y el jazz sinfónico que logró entusiasmar al teatro por completo. Se destacaron mucho las secciones de bronces y percusión de la orquesta, con una riqueza sonora y rítmica apropiada a la obra, logrando un resultado del conjunto notable.
De hecho, la repetición del "Mambo" fue el corolario de una noche llena de magia musical.
sábado, 20 de diciembre de 2008
martes, 9 de diciembre de 2008
Red de mentiras
Este film de Ridley Scott es una intrincada trama de agentes de la CIA, terroristas, gobiernos corruptos, etc...
No es fácil seguirla, ni menos entender los contextos políticos, fronterizos e históricos, sin embargo el metraje va dando lentamente las piezas que permiten armar el puzzle correctamente.
Di Caprio ya se destaca como un gran actor desde hace varios flims. Da una vida especial al personaje principal ( Roger ), compleja, arriesgada, llena de recovecos y políticamente incipiente bajo la lupa del ya mayor Ed ( Russell Crowe, muy compuesto y sólido )
Las aventuras, desventuras, complots, acuerdos, promesas se van sucediendo sin pausa. La tecnología no parece ser suficiente para vigilar en todo momento a todos los potenciales terroristas, sin embargo hace su trabajo y está al servicio de la organización.
El honor y la palabra empeñada, algo fundamental en oriente, es desafiada por Roger a cada momento, al punto de poner en riesgo su vida. Sin embargo las mismas lealtades despreciadas son capaces de volver a su lugar situaciones muy complejas.
Excelentes actuaciones, un gran ritmo del metraje, interesantes apuestas de planos, secuencias y mucha realidad en las escenas violentas, dan un marco apropiado a este film que nos sorprende en momentos en que nuevamente los actos de terror están sacudiendo al planeta.
Ficha Técnica
Titulo Original: Body of Lies
Distribuidor: WARNER
Calificación: 14
Duración: 128 Min.
Genero: Acción/Drama/ Thriller
Año: 2008
País: USA
Director: Ridley Scott
Elenco: Leonardo DiCaprio (Roger Ferris), Russell Crowe (Ed Hoffman), Mark Strong (Hani), Golshifteh Farahani (Aisha), Oscar Isaac (Bassam), Ali Suliman (Omar Sadiki).
No es fácil seguirla, ni menos entender los contextos políticos, fronterizos e históricos, sin embargo el metraje va dando lentamente las piezas que permiten armar el puzzle correctamente.
Di Caprio ya se destaca como un gran actor desde hace varios flims. Da una vida especial al personaje principal ( Roger ), compleja, arriesgada, llena de recovecos y políticamente incipiente bajo la lupa del ya mayor Ed ( Russell Crowe, muy compuesto y sólido )
Las aventuras, desventuras, complots, acuerdos, promesas se van sucediendo sin pausa. La tecnología no parece ser suficiente para vigilar en todo momento a todos los potenciales terroristas, sin embargo hace su trabajo y está al servicio de la organización.
El honor y la palabra empeñada, algo fundamental en oriente, es desafiada por Roger a cada momento, al punto de poner en riesgo su vida. Sin embargo las mismas lealtades despreciadas son capaces de volver a su lugar situaciones muy complejas.
Excelentes actuaciones, un gran ritmo del metraje, interesantes apuestas de planos, secuencias y mucha realidad en las escenas violentas, dan un marco apropiado a este film que nos sorprende en momentos en que nuevamente los actos de terror están sacudiendo al planeta.
Ficha Técnica
Titulo Original: Body of Lies
Distribuidor: WARNER
Calificación: 14
Duración: 128 Min.
Genero: Acción/Drama/ Thriller
Año: 2008
País: USA
Director: Ridley Scott
Elenco: Leonardo DiCaprio (Roger Ferris), Russell Crowe (Ed Hoffman), Mark Strong (Hani), Golshifteh Farahani (Aisha), Oscar Isaac (Bassam), Ali Suliman (Omar Sadiki).
Prohibido prohibir
En este excelente film del Chileno radicado en Brasil Jorge Durán, la historia está muy bien contada, es sólida y la creación de los personajes genera una relación muy fluida que permite que la trama fluya sin problemas.
Estamos en presencia de un triángulo especial: Paulo y Leon, entrañables amigos que comparten la vida, junto a sus estudios de medicina y sociología, se ven enfrentados a la irrupción de Leticia, novia de Leon, que produce la tensión entre ambos compañeros. Se desarrollan aquí los valores de la amistad y la lealtad a toda prueba. Aún cuando Paulo se siente más que atraído por Leticia, se mantiene firme en sus convicciones frente a la novia de su amigo. Asimismo, bajo el ojo de la vida cotidiana y a veces rutinaria de los protagonistas, el director nos comienza a mostrar la crudeza de la pobreza, el miedo de las poblaciones y el sin sentido de la vida, siempre con una mirada de esperanza, por muy distante y lejana que parezca.
La película es sencilla y tiene momentos y efectos notables. Parece en instantes algo en tiempo real, tan natural como un noticiario y en otras ocasiones contiene unos diálogos profundos del sentido de la existencia que cuestionan todo orden preestablecido. De final impredecible, el film avanza sin un claro objetivo, se deja llevar y conducir por la vida y ello le da un sello particular. Es una película que se transforma en un bálsamo, no sólo por una potente historia sino por lo lograda de su puesta en escena y actuación.
Ficha Técnica
Titulo Original: Proibido proibir
Distribuidor: ARCADIA
Calificación: TE+7
Duración: 105 Min.
Género: Drama
Año: 2007
País: Brasil/ Chile/ España
Director: Jorge Durán
Elenco: Caio Blat (Paulo), Alexandre Rodrigues (Leon), María Flor (Leticia), Edyr de Castro (Rosalina), Raquel Pedras (Rita), Luciano Vidigal (Mario).
Estamos en presencia de un triángulo especial: Paulo y Leon, entrañables amigos que comparten la vida, junto a sus estudios de medicina y sociología, se ven enfrentados a la irrupción de Leticia, novia de Leon, que produce la tensión entre ambos compañeros. Se desarrollan aquí los valores de la amistad y la lealtad a toda prueba. Aún cuando Paulo se siente más que atraído por Leticia, se mantiene firme en sus convicciones frente a la novia de su amigo. Asimismo, bajo el ojo de la vida cotidiana y a veces rutinaria de los protagonistas, el director nos comienza a mostrar la crudeza de la pobreza, el miedo de las poblaciones y el sin sentido de la vida, siempre con una mirada de esperanza, por muy distante y lejana que parezca.
La película es sencilla y tiene momentos y efectos notables. Parece en instantes algo en tiempo real, tan natural como un noticiario y en otras ocasiones contiene unos diálogos profundos del sentido de la existencia que cuestionan todo orden preestablecido. De final impredecible, el film avanza sin un claro objetivo, se deja llevar y conducir por la vida y ello le da un sello particular. Es una película que se transforma en un bálsamo, no sólo por una potente historia sino por lo lograda de su puesta en escena y actuación.
Ficha Técnica
Titulo Original: Proibido proibir
Distribuidor: ARCADIA
Calificación: TE+7
Duración: 105 Min.
Género: Drama
Año: 2007
País: Brasil/ Chile/ España
Director: Jorge Durán
Elenco: Caio Blat (Paulo), Alexandre Rodrigues (Leon), María Flor (Leticia), Edyr de Castro (Rosalina), Raquel Pedras (Rita), Luciano Vidigal (Mario).
martes, 11 de noviembre de 2008
Shlomo Mintz y la Orquesta de Cámara de Chile
La primera impresión de este concierto la produce la fascinación de escuchar y ver en vivo a un gran violinista que sólo conocía por grabaciones y videos. Las expectativas son altas y la ansiedad por que comience el concierto es mucha.
Shlomo Mintz ingresa al escenario del Teatro Oriente y los aplausos brotan al instante. Su Stradivarius brilla y todo está preparado. La Orquesta de Cámara de Chile, bajo la conducción de su titular - el maestro Juan Pablo Izquierdo -, aguarda expectante.
La primera obra es el Concierto No 3 para Violín y Orquesta de W. A. Mozart. Con un comienzo vibrante, el solista ya entrega lo que será su sello: el dulce sonido de un sólido intérprete y un instrumento excepcional. El enfoque de su sonido y el vibrato apropiado para cada fraseo musical son la constante durante todo el concierto. Las imperfecciones de afinación en maderas y bronces no logran opacar el gran trabajo de la sección de cuerdas que acompaña al maestro en forma y tono notable. Tampoco lo hacen las sutiles diferencias de estilo y de enfoque musical de solista y director en el segundo movimiento, donde la superposición del clasicismo y romanticismo producen algo de confusión en la audiencia. El estilo clásico y puro del solista se impone en el tercer movimiento, lleno de esa juventud espontánea de Mozart, expresada de forma inquieta y magistral en el Rondó.
La ausencia de acústica de la sala es claramente un inconveniente no posible de superar por el solista y la orquesta, obligando al primero a extremar recursos sonoros que en ocasiones le provocaron ahogos de sonido y quiebres, y a la Orquesta en un aumento del volumen del acompañamiento que sin llegar a sobrepasar al solista, pudo ser controlado de mejor manera.
En la segunda parte escuchamos el Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor de L. V. Beethoven. Obra cumbre del repertorio violinístico, enfrenta un desafío no menor de técnica y musicalidad para el solista. La Orquesta tiene un protagonismo mayor, desde la gran introducción, y dialoga con el violín a lo largo de toda la obra. Escuchamos a un solista más suelto, más brillante y relajado, situación que permite que el sonido fluya de mejor manera llenando los espacios sonoros con una calidad excepcional. Notable fue el comienzo del segundo movimiento a cargo de la sección de cuerdas - el grupo musical más sólido y unido de la orquesta - que prepara una alfombra sonora para el lucimiento del sonido agudo y brillante del solista. Una vez más, las imperfecciones de afinación, ritmo y sincronización en los ataques de las maderas y bronces, no logran amenazar el resultado final. El tercer movimiento es interpretado con mucho brío y sirve de gran final a una noche mágica llena de emociones.
Los aplausos largos y generosos coronan una velada especial. No todos los días tenemos la oportunidad de escuchar a violinistas de la talla de Shlomo Mintz, quien respondiendo a las felicitaciones nos regala de Kreisler el Recitativo & Scherzo, obra virtuosa para violín sólo que se transforma en una broma musical maravillosa como encore. La soltura, el sonido pleno, la música y el juego se toman el Teatro Oriente y nos brindan uno de los conciertos más esperados del año 2008.
Shlomo Mintz ingresa al escenario del Teatro Oriente y los aplausos brotan al instante. Su Stradivarius brilla y todo está preparado. La Orquesta de Cámara de Chile, bajo la conducción de su titular - el maestro Juan Pablo Izquierdo -, aguarda expectante.
La primera obra es el Concierto No 3 para Violín y Orquesta de W. A. Mozart. Con un comienzo vibrante, el solista ya entrega lo que será su sello: el dulce sonido de un sólido intérprete y un instrumento excepcional. El enfoque de su sonido y el vibrato apropiado para cada fraseo musical son la constante durante todo el concierto. Las imperfecciones de afinación en maderas y bronces no logran opacar el gran trabajo de la sección de cuerdas que acompaña al maestro en forma y tono notable. Tampoco lo hacen las sutiles diferencias de estilo y de enfoque musical de solista y director en el segundo movimiento, donde la superposición del clasicismo y romanticismo producen algo de confusión en la audiencia. El estilo clásico y puro del solista se impone en el tercer movimiento, lleno de esa juventud espontánea de Mozart, expresada de forma inquieta y magistral en el Rondó.
La ausencia de acústica de la sala es claramente un inconveniente no posible de superar por el solista y la orquesta, obligando al primero a extremar recursos sonoros que en ocasiones le provocaron ahogos de sonido y quiebres, y a la Orquesta en un aumento del volumen del acompañamiento que sin llegar a sobrepasar al solista, pudo ser controlado de mejor manera.
En la segunda parte escuchamos el Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor de L. V. Beethoven. Obra cumbre del repertorio violinístico, enfrenta un desafío no menor de técnica y musicalidad para el solista. La Orquesta tiene un protagonismo mayor, desde la gran introducción, y dialoga con el violín a lo largo de toda la obra. Escuchamos a un solista más suelto, más brillante y relajado, situación que permite que el sonido fluya de mejor manera llenando los espacios sonoros con una calidad excepcional. Notable fue el comienzo del segundo movimiento a cargo de la sección de cuerdas - el grupo musical más sólido y unido de la orquesta - que prepara una alfombra sonora para el lucimiento del sonido agudo y brillante del solista. Una vez más, las imperfecciones de afinación, ritmo y sincronización en los ataques de las maderas y bronces, no logran amenazar el resultado final. El tercer movimiento es interpretado con mucho brío y sirve de gran final a una noche mágica llena de emociones.
Los aplausos largos y generosos coronan una velada especial. No todos los días tenemos la oportunidad de escuchar a violinistas de la talla de Shlomo Mintz, quien respondiendo a las felicitaciones nos regala de Kreisler el Recitativo & Scherzo, obra virtuosa para violín sólo que se transforma en una broma musical maravillosa como encore. La soltura, el sonido pleno, la música y el juego se toman el Teatro Oriente y nos brindan uno de los conciertos más esperados del año 2008.
Quantum of solace
Me encantan las películas de Bond. No puedo perderme ninguna, sobre todo las más recientes. Y esta, por cierto, no ha sido una excepción. Tanta historia de la filmación en Chile, tanto marketing, tantas notas de prensa. Había que verla, como no...
Luego de la ya clásica partida en torno a una persecución, empezamos a ver la mano del director de esta saga. Forster es distinto. Parece sin apuro, filmando momentos de relax que bien podrían ser un vacío al no tener la tensión requerida y casi imperceptible. Forster filma con detalles y en detalle. Las cámaras están siempre en lugares ideales, tomando planos cerrados o abiertos, rostros o grupos, pero siempre consistente. Y no sólo la mano del director se nota, sino también la edición que es realmente notable. El montaje de cada secuencia de acción es deslumbrante y permite con mucha fuerza, introducirse en el mundo Bond sin dificultad.
Vamos ahora a la trama. Esta saga es la continuación natural de la anterior, Casino Royale, que termina con un Bond destruido y traicionado. Esta secuela nos entrega una visión más humana de Bond. Una visión permeada por el ánimo de venganza que le inspira y le hace actuar de manera distinta. La traición se repite, muy cerca del núcleo central de M. Ello gatilla que Bond comience a perseguir al culpable de la muerte de Vesper movido más por el sentimiento que por la instrucción.
Es cierto que este lado de Bond se desapega de todo lo visto anteriormente. Pero esa diferencia bien puede ser un valor agregado si efectivamente desarrolla un estilo de narración más profundo que es justamente lo que el director elude. La simpleza de los diálogos y una seudocomplejidad de las relaciones de los villanos no alcanzan para tener una trama astuta y viva. Lo que si se consigue es seducir desde el lado emocional de Bond y tal vez aquello es el principal franco de críticas de la película.
De la acción presente, nada que decir. Persecuciones en auto, a pié, en avión, corriendo, en todos los escenarios posibles. Un detalle: la música acompaña de forma excelente las secuencias, potenciando muy bien cada momento y relajando cuando debe hacerlo. En estas secuencias, la edición es impecable y merece un reconocimiento adicional.
Sobre los adelantos futuristas, poco y nada. Algunas virtualizaciones, video llamadas, y algo de informática compartida. Se ve que la industria tal vez no financió más auspicios en la cinta.
Para reflexionar dos puntos: en términos de relato, lejos es de los más simples y poco afortunados que hemos visto. Desde el punto de vista de la humanidad, una luz de esperanza en la humanización del personaje. El equilibrio de estas dos áreas será sin duda el desafío de la siguiente entrega.
Ficha Técnica
Titulo Original: Quantum of solace
Distribuidor: ANDES FILMS
Calificación: 14
Duración: 109 Min.
Genero: Thriller/Acción
Año: 2008
País: UK/USA
Director: Marc Forster
Elenco: Daniel Craig (James Bond), Judi Dench (M), Mathieu Almaric (Dominic Greene), Olga Kurylenko (Camilla), Giancarlo Giannini (Mathis), Jeffrey Wright (Felix Leiter), Joaquín Cosio (General Medrano).
Luego de la ya clásica partida en torno a una persecución, empezamos a ver la mano del director de esta saga. Forster es distinto. Parece sin apuro, filmando momentos de relax que bien podrían ser un vacío al no tener la tensión requerida y casi imperceptible. Forster filma con detalles y en detalle. Las cámaras están siempre en lugares ideales, tomando planos cerrados o abiertos, rostros o grupos, pero siempre consistente. Y no sólo la mano del director se nota, sino también la edición que es realmente notable. El montaje de cada secuencia de acción es deslumbrante y permite con mucha fuerza, introducirse en el mundo Bond sin dificultad.
Vamos ahora a la trama. Esta saga es la continuación natural de la anterior, Casino Royale, que termina con un Bond destruido y traicionado. Esta secuela nos entrega una visión más humana de Bond. Una visión permeada por el ánimo de venganza que le inspira y le hace actuar de manera distinta. La traición se repite, muy cerca del núcleo central de M. Ello gatilla que Bond comience a perseguir al culpable de la muerte de Vesper movido más por el sentimiento que por la instrucción.
Es cierto que este lado de Bond se desapega de todo lo visto anteriormente. Pero esa diferencia bien puede ser un valor agregado si efectivamente desarrolla un estilo de narración más profundo que es justamente lo que el director elude. La simpleza de los diálogos y una seudocomplejidad de las relaciones de los villanos no alcanzan para tener una trama astuta y viva. Lo que si se consigue es seducir desde el lado emocional de Bond y tal vez aquello es el principal franco de críticas de la película.
De la acción presente, nada que decir. Persecuciones en auto, a pié, en avión, corriendo, en todos los escenarios posibles. Un detalle: la música acompaña de forma excelente las secuencias, potenciando muy bien cada momento y relajando cuando debe hacerlo. En estas secuencias, la edición es impecable y merece un reconocimiento adicional.
Sobre los adelantos futuristas, poco y nada. Algunas virtualizaciones, video llamadas, y algo de informática compartida. Se ve que la industria tal vez no financió más auspicios en la cinta.
Para reflexionar dos puntos: en términos de relato, lejos es de los más simples y poco afortunados que hemos visto. Desde el punto de vista de la humanidad, una luz de esperanza en la humanización del personaje. El equilibrio de estas dos áreas será sin duda el desafío de la siguiente entrega.
Ficha Técnica
Titulo Original: Quantum of solace
Distribuidor: ANDES FILMS
Calificación: 14
Duración: 109 Min.
Genero: Thriller/Acción
Año: 2008
País: UK/USA
Director: Marc Forster
Elenco: Daniel Craig (James Bond), Judi Dench (M), Mathieu Almaric (Dominic Greene), Olga Kurylenko (Camilla), Giancarlo Giannini (Mathis), Jeffrey Wright (Felix Leiter), Joaquín Cosio (General Medrano).
El Jardinero
Hablar de esta película es hablar de humanidad. De las relaciones humanas y de la mirada de la vida. Es necesario que un pintor cincuentón se retire al campo para que, ante la necesidad de una persona que cuide su jardín, se reencuentre con un ex compañero de colegio que le hace cambiar su mirada y su historia.
Este film es completamente cine europeo, de gran calidad, y basa su contenido en una línea de narración que privilegia el diálogo y el entorno. La calma del retiro, los espacios de conversación, el tiempo del tiempo: tal vez todo aquello que añoramos en las grandes capitales, una vida más humana que se descubre al paso de las horas y los días, donde las urgencias tienen que ver con lo primordial y no con lo circunstancial.
A través de muchas imágenes y largas conversaciones ambos personajes se van comunicando con una profundidad que emociona. A través de los ojos del amigo jardinero se ve otro mundo, un mundo simple y desconocido para el pintor, quien pasa por un vacío creativo importante.
Esta película sólo ratifica una gran lección: la vida nos consume y si no lo vemos a tiempo, postergaremos lo realmente importante en beneficio de nuestras propias - inventadas y autoimpuestas - urgencias.
Ficha técnica
Título original: Dialogue avec mon jardinier
Duración: 109 minutos
Género: Comedia
Protagonistas: Daniel Auteuil, Jean Pierre Darroussin, Fanny Cottençon, Alexia Barlier, Hiam Abbass
Dirección: Jean Becker
Origen: Francia (2006)
Idioma: Francés
Este film es completamente cine europeo, de gran calidad, y basa su contenido en una línea de narración que privilegia el diálogo y el entorno. La calma del retiro, los espacios de conversación, el tiempo del tiempo: tal vez todo aquello que añoramos en las grandes capitales, una vida más humana que se descubre al paso de las horas y los días, donde las urgencias tienen que ver con lo primordial y no con lo circunstancial.
A través de muchas imágenes y largas conversaciones ambos personajes se van comunicando con una profundidad que emociona. A través de los ojos del amigo jardinero se ve otro mundo, un mundo simple y desconocido para el pintor, quien pasa por un vacío creativo importante.
Esta película sólo ratifica una gran lección: la vida nos consume y si no lo vemos a tiempo, postergaremos lo realmente importante en beneficio de nuestras propias - inventadas y autoimpuestas - urgencias.
Ficha técnica
Título original: Dialogue avec mon jardinier
Duración: 109 minutos
Género: Comedia
Protagonistas: Daniel Auteuil, Jean Pierre Darroussin, Fanny Cottençon, Alexia Barlier, Hiam Abbass
Dirección: Jean Becker
Origen: Francia (2006)
Idioma: Francés
lunes, 10 de noviembre de 2008
88 minutos
Uno espera mucho tal vez de Al Pacino. En esta ocasión naturalmente decepciona, no su actuación, sino la película propiamente tal. La idea es buena y la trama interesante, sin embargo no logra el resultado dramático esperado.
El Dr. Gramm, profesor sobresaliente y encantador con sus alumnas, es un siquiatra que ha participado como experto en la condena de un asesino en serie. Sin embargo, estando encarcelado el asesino, ocurren nuevos crímenes similares en todos los detalles. Dos mujeres aparecen muertas y el Dr. recibe una anónima llamada que le señala que le quedan exactamente 88 minutos de vida. Y quedan 88 minutos de película... Comienza el juego, las cartas están sobre la mesa y Jack Gramm comienza a luchar por salvar su vida.
El film es rápido, en tiempo real, lo que se agradece. Sin embargo hay ciertos detalles en la narración que lo hacen algo plano, salvado quizá por la sorpresa que producen los ataques o ciertos personajes enigmáticos que rodean al protagonista. Una película que entretiene prometiendo más de lo que entrega.
Ficha Técnica
Titulo Original: 88 Minutes
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Thriller
Calificación: 14
Duración: 108 Min.
Año: 2007
País: USA
Director: Jon Avnet
Elenco: Al Pacino (Dr. Jack Gramm), Alicia Witt (Kim Cummings), Leelee Sobieski (Lauren Douglas), Amy Brenneman (Shelly Barnes), Benjamin McKenzie (Mike Stemp), Neal McDonough.
El Dr. Gramm, profesor sobresaliente y encantador con sus alumnas, es un siquiatra que ha participado como experto en la condena de un asesino en serie. Sin embargo, estando encarcelado el asesino, ocurren nuevos crímenes similares en todos los detalles. Dos mujeres aparecen muertas y el Dr. recibe una anónima llamada que le señala que le quedan exactamente 88 minutos de vida. Y quedan 88 minutos de película... Comienza el juego, las cartas están sobre la mesa y Jack Gramm comienza a luchar por salvar su vida.
El film es rápido, en tiempo real, lo que se agradece. Sin embargo hay ciertos detalles en la narración que lo hacen algo plano, salvado quizá por la sorpresa que producen los ataques o ciertos personajes enigmáticos que rodean al protagonista. Una película que entretiene prometiendo más de lo que entrega.
Ficha Técnica
Titulo Original: 88 Minutes
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Thriller
Calificación: 14
Duración: 108 Min.
Año: 2007
País: USA
Director: Jon Avnet
Elenco: Al Pacino (Dr. Jack Gramm), Alicia Witt (Kim Cummings), Leelee Sobieski (Lauren Douglas), Amy Brenneman (Shelly Barnes), Benjamin McKenzie (Mike Stemp), Neal McDonough.
domingo, 19 de octubre de 2008
Awake, bajo anestesia
La medicina es una ciencia que siempre puede dar sorpresas. Una de ellas es que la anestesia no siempre surte el efecto esperado en los pacientes, es decir, a pesar de estar sedados mantienen un estado de conciencia que les permite saber lo que sucede a su alrededor y sin embargo no pueden moverse ni hacer nada.
Esta es la base de este film, que muestra a Clay Beresford ( Hayden Christensen ) un joven multimillonario que necesita un transplante de corazón para seguir viviendo. Lo que el no conoce es un ardid que pretende matarlo, de manera encubierta, en dicha operación.
La película gira en torno a la vida de Clay, su historia familiar, el apego a su madre Lilita ( Lena Olin ) y su temor a comprometerse oficialmente con su novia Sam ( Jessica Alba ) Luego, el centro es la operación y la compleja red que gira en torno a ella. El desentrañar el misterio es la parte central y que alcanza su máxima tensión en las soluciones que cada personaje involucrado decide implementar para salir de la situación generada.
Los sentimientos están a flor de piel. La desesperación de su madre Lilita, el temor declarado de Clay a ser operado por cualquier otro médico que no sea su amigo Jack y la presión de su novia Sam al compromiso formal, forman un marco apropiado para un thriller sin mayores pretensiones que cumple con el género.
Ficha Técnica
Titulo Original: Awake
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Thriller
Calificación: 14
Duración: 84 Min.
Año: 2007
País: USA
Director: Joby Harold
Elenco: Hayden Christensen (Clay Beresford), Jessica Alba (Sam Lockwood), Lena Olin (Lilita Beresford), Terrence Howard (Dr. Jack Harper), Sam Robards (Clay Beresford padre).
Esta es la base de este film, que muestra a Clay Beresford ( Hayden Christensen ) un joven multimillonario que necesita un transplante de corazón para seguir viviendo. Lo que el no conoce es un ardid que pretende matarlo, de manera encubierta, en dicha operación.
La película gira en torno a la vida de Clay, su historia familiar, el apego a su madre Lilita ( Lena Olin ) y su temor a comprometerse oficialmente con su novia Sam ( Jessica Alba ) Luego, el centro es la operación y la compleja red que gira en torno a ella. El desentrañar el misterio es la parte central y que alcanza su máxima tensión en las soluciones que cada personaje involucrado decide implementar para salir de la situación generada.
Los sentimientos están a flor de piel. La desesperación de su madre Lilita, el temor declarado de Clay a ser operado por cualquier otro médico que no sea su amigo Jack y la presión de su novia Sam al compromiso formal, forman un marco apropiado para un thriller sin mayores pretensiones que cumple con el género.
Ficha Técnica
Titulo Original: Awake
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Thriller
Calificación: 14
Duración: 84 Min.
Año: 2007
País: USA
Director: Joby Harold
Elenco: Hayden Christensen (Clay Beresford), Jessica Alba (Sam Lockwood), Lena Olin (Lilita Beresford), Terrence Howard (Dr. Jack Harper), Sam Robards (Clay Beresford padre).
Antes que el diablo sepa que está muerto
Este film presenta un drama de proporciones y es sostenido por brillantes actuaciones de sus protagonistas.
Andy Hanson ( Philip Seymour Hoffman, notable y sólido como ya nos tiene acostumbrados ) y su hermano Hank ( Ethan Hawke, también muy sólido en su papel de hermano menor ) están desesperados. Sus situaciones de vida los amenazan y el dinero parece ser la única solución posible.
Andy planea el como conseguirlo y Hank debe ser el ejecutor. Asaltarán la joyería de sus padres, no habrá problemas y el seguro se encargará de todo. Desde esa decisión, toda la historia se desencadena en forma ágil, sin pausa y con un recurso muy interesante: relatar en base a la mirada de cada personaje, volviendo atrás y juntando todo en un punto común en el que confluyan todas las miradas.
Sin duda su director, Sidney Lumet, consigue el efecto esperado: la tensión se mantiene durante todo el metraje, a pesar de saber muchas de las cosas que pasaron o pasarán. Allí recae el mérito del guión, que aún mostrando y descubriendo asuntos trascendentes, permite que el espectador se sienta siempre intrigado a descubrir las motivaciones ocultas y otros detalles y perspectivas de la historia.
Es interesante la construcción de personajes y la dirección de actores. La tensión se vive a cada momento y pasa de un punto alto a otro con mucha fluidez. La solidez actoral de Seymour Hoffman contribuye de manera impecable al relato, sin embargo es acompañado a gran nivel por todos quienes participan del rodaje. El drama se hace vivo y patente en cada gesto, en cada momento, en cada acción, y la desesperación inicial toma una crudeza indescriptible cuando vamos descubriendo el fracaso del plan original y todas las vueltas y vueltas que los hermanos planean para revertir lo irreversible.
Ficha Técnica
Titulo Original: Befote the Devil Knows You`re dead
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: 14 años
Duración: 123 minutos
Género: Thriller /Drama
Año: 2007
País: USA
Director: Sidney Lumet
Elenco: Philip Seymour Hoffman (Andy Hanson), Ethan Hawke (Hank Hanson), Albert Finney (Charles Hanson), Marisa Tomei (Gina Hanson), Amy Ryan (Martha Hanson), Blaine Horton (Justin)
Andy Hanson ( Philip Seymour Hoffman, notable y sólido como ya nos tiene acostumbrados ) y su hermano Hank ( Ethan Hawke, también muy sólido en su papel de hermano menor ) están desesperados. Sus situaciones de vida los amenazan y el dinero parece ser la única solución posible.
Andy planea el como conseguirlo y Hank debe ser el ejecutor. Asaltarán la joyería de sus padres, no habrá problemas y el seguro se encargará de todo. Desde esa decisión, toda la historia se desencadena en forma ágil, sin pausa y con un recurso muy interesante: relatar en base a la mirada de cada personaje, volviendo atrás y juntando todo en un punto común en el que confluyan todas las miradas.
Sin duda su director, Sidney Lumet, consigue el efecto esperado: la tensión se mantiene durante todo el metraje, a pesar de saber muchas de las cosas que pasaron o pasarán. Allí recae el mérito del guión, que aún mostrando y descubriendo asuntos trascendentes, permite que el espectador se sienta siempre intrigado a descubrir las motivaciones ocultas y otros detalles y perspectivas de la historia.
Es interesante la construcción de personajes y la dirección de actores. La tensión se vive a cada momento y pasa de un punto alto a otro con mucha fluidez. La solidez actoral de Seymour Hoffman contribuye de manera impecable al relato, sin embargo es acompañado a gran nivel por todos quienes participan del rodaje. El drama se hace vivo y patente en cada gesto, en cada momento, en cada acción, y la desesperación inicial toma una crudeza indescriptible cuando vamos descubriendo el fracaso del plan original y todas las vueltas y vueltas que los hermanos planean para revertir lo irreversible.
Ficha Técnica
Titulo Original: Befote the Devil Knows You`re dead
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: 14 años
Duración: 123 minutos
Género: Thriller /Drama
Año: 2007
País: USA
Director: Sidney Lumet
Elenco: Philip Seymour Hoffman (Andy Hanson), Ethan Hawke (Hank Hanson), Albert Finney (Charles Hanson), Marisa Tomei (Gina Hanson), Amy Ryan (Martha Hanson), Blaine Horton (Justin)
Secretos
Reconozco que el comentario de Ascanio Cavallo sobre esta película me movió vivamente a ir a verla. La reunión de buenos actores es potente y claramente ello es un piso importante en cualquier desafío de contar una historia. Además, un guión escrito por Raúl Ruiz da mucha confianza en que el relato tendrá una fuerza clara y precisa.
Todo ello ocurre en este film sobre Atalibar ( el "Traidor", como le llaman todos sus amigos de ayer y de hoy ) Su secreto es vital y no deja su conciencia tranquila. Vive desde hace 30 años en París y regresa, como invitado, a raíz de un aniversario muy importante: el recuerdo de la muerte de "la voz del pueblo", un "compañero" asesinado por el régimen militar y que es recordado desde varias perspectivas.
En esta visita a Chile, Atalibar se reencuentra con su pasado, con el que quiere hacer una tregua. Necesita la paz necesaria para seguir su vida. Y acá en Chile, vemos que todo lo que rodea a sus amigos también tiene variados secretos. Podríamos decir que nada es lo que parece y todo está revestido de apariencia. El relato se basa en eso, un doble estandar a todo nivel, sin anestesia y sin cuidado.
Cada personaje es cuidado en extremo. Cada uno es construido formalmente y de manera creíble y cada historia podría ser perfectamente una historia principal. Sin embargo, Valeria Sarmiento, la directora, fluye de una en otra sin pausa y con el hilo conductor que el "traidor" va entregando a la trama.
El film es más intelectual que emocional. Los diálogos son muy medidos y justos y el ritmo es pausado. Me quedo con un sabor de contrastes. El sabor de una expectativa mayor a la que finalmente se cumplió y que sin embargo con el correr de las horas va madurando y se va transformando en algo más que una simple historia de secretos.
Ficha Técnica
Titulo Original: Secretos
Distribuidor: Arcadia
Género: Drama
Calificación: 14 años
Duración: 85 minutos
Año: 2008
País: Chile
Director: Valeria Sarmiento
Elenco: Claudia DiGirolamo, Sergio Hernández, Luis Alarcón, Chamila Rodríguez, Amparo Noguera, Francisco Reyes, Marcelo Alonso
Todo ello ocurre en este film sobre Atalibar ( el "Traidor", como le llaman todos sus amigos de ayer y de hoy ) Su secreto es vital y no deja su conciencia tranquila. Vive desde hace 30 años en París y regresa, como invitado, a raíz de un aniversario muy importante: el recuerdo de la muerte de "la voz del pueblo", un "compañero" asesinado por el régimen militar y que es recordado desde varias perspectivas.
En esta visita a Chile, Atalibar se reencuentra con su pasado, con el que quiere hacer una tregua. Necesita la paz necesaria para seguir su vida. Y acá en Chile, vemos que todo lo que rodea a sus amigos también tiene variados secretos. Podríamos decir que nada es lo que parece y todo está revestido de apariencia. El relato se basa en eso, un doble estandar a todo nivel, sin anestesia y sin cuidado.
Cada personaje es cuidado en extremo. Cada uno es construido formalmente y de manera creíble y cada historia podría ser perfectamente una historia principal. Sin embargo, Valeria Sarmiento, la directora, fluye de una en otra sin pausa y con el hilo conductor que el "traidor" va entregando a la trama.
El film es más intelectual que emocional. Los diálogos son muy medidos y justos y el ritmo es pausado. Me quedo con un sabor de contrastes. El sabor de una expectativa mayor a la que finalmente se cumplió y que sin embargo con el correr de las horas va madurando y se va transformando en algo más que una simple historia de secretos.
Ficha Técnica
Titulo Original: Secretos
Distribuidor: Arcadia
Género: Drama
Calificación: 14 años
Duración: 85 minutos
Año: 2008
País: Chile
Director: Valeria Sarmiento
Elenco: Claudia DiGirolamo, Sergio Hernández, Luis Alarcón, Chamila Rodríguez, Amparo Noguera, Francisco Reyes, Marcelo Alonso
lunes, 13 de octubre de 2008
El regalo
Esta película codirigida por Cristián Galaz y su mujer Andrea Ugalde ( de quien es la idea original ) nos muestra una historia de adultos mayores. En realidad varias historias que convergen en la principal: la viudez y soledad de Francisco ( Nelson Villagra ) y su sin sentido de la vida luego de jubilar de profesor.
La profundidad del drama del protagonista no es ligero y la manera de construir su personaje es acertada. En ello Nelson Villagra es creíble pero algo forzado por momentos. A decir verdad este film está más cerca del drama que de la comedia, a pesar de las jocosas situaciones que se van generando durante el relato.
Por un lado tenemos a estos dos amigos leales a Francisco: Tito ( Julio Jung ) es un vividor y Pacheco ( Jaime Vadell ), es alguien peleado con su pasado y lleno fobias. Por otro lado está Carmen ( Delfina Guzmán, de notable actuación ) que quiere hacer de la vida algo optimista y alegre y Lucy ( la excelente Gloria Münchmeyer ) muy conservadora y llena de trancas. Cierra el círculo Nicolás ( interpretado por un sólido y notable Héctor Nogera ) un gay recientemente despechado.
Tenemos una galería de formas de vida, de diversos personajes y sensibilidades, que permiten un excelente material para profundizar. Sin embargo, el guión es sencillo y liviano. Da la sensación que el adentrarse un poco más en cada personaje incomodara o estuviera fuera de contexto. Aquí se percibe la indefinición del género de la película al rozar levemente tanto el drama como la comedia romántica.
De este grupo de actores se espera mucho y ello es cumplido en la película. Cada uno entrega lo mejor de si y ello se agradece gracias a sus naturales y excelentes actuaciones. No obstante, queda la sensación de que podrían haber dado más todavía si el guión así lo hubiera permitido, en especial con aquellos personajes conflictuados internamente...
La película entretiene y genera discusión lo que es bienvenido. También genera una cierta sensación de liviandad, la que, insistiendo en el concepto, se produce al no entrar en el drama con el fondo que se vislumbra pero al cual no accede.
Ficha Técnica
Título original: El Regalo
Distribuidor: C. GALAZ
Género: Comedia /Romance
Origen: Chile
Año: 2008
Duración: 110 Min.
Censura: TE+7
Director: Cristian Galaz y Andrea Ugalde
Elenco: Nelson Villagra (Francisco), Delfina Guzman (Carmen), Jaime Vadell (Pacheco), Julio Jung (Tito), Héctor Noguera (Nicolás), Gloria Münchmeyer (Lucy).
La profundidad del drama del protagonista no es ligero y la manera de construir su personaje es acertada. En ello Nelson Villagra es creíble pero algo forzado por momentos. A decir verdad este film está más cerca del drama que de la comedia, a pesar de las jocosas situaciones que se van generando durante el relato.
Por un lado tenemos a estos dos amigos leales a Francisco: Tito ( Julio Jung ) es un vividor y Pacheco ( Jaime Vadell ), es alguien peleado con su pasado y lleno fobias. Por otro lado está Carmen ( Delfina Guzmán, de notable actuación ) que quiere hacer de la vida algo optimista y alegre y Lucy ( la excelente Gloria Münchmeyer ) muy conservadora y llena de trancas. Cierra el círculo Nicolás ( interpretado por un sólido y notable Héctor Nogera ) un gay recientemente despechado.
Tenemos una galería de formas de vida, de diversos personajes y sensibilidades, que permiten un excelente material para profundizar. Sin embargo, el guión es sencillo y liviano. Da la sensación que el adentrarse un poco más en cada personaje incomodara o estuviera fuera de contexto. Aquí se percibe la indefinición del género de la película al rozar levemente tanto el drama como la comedia romántica.
De este grupo de actores se espera mucho y ello es cumplido en la película. Cada uno entrega lo mejor de si y ello se agradece gracias a sus naturales y excelentes actuaciones. No obstante, queda la sensación de que podrían haber dado más todavía si el guión así lo hubiera permitido, en especial con aquellos personajes conflictuados internamente...
La película entretiene y genera discusión lo que es bienvenido. También genera una cierta sensación de liviandad, la que, insistiendo en el concepto, se produce al no entrar en el drama con el fondo que se vislumbra pero al cual no accede.
Ficha Técnica
Título original: El Regalo
Distribuidor: C. GALAZ
Género: Comedia /Romance
Origen: Chile
Año: 2008
Duración: 110 Min.
Censura: TE+7
Director: Cristian Galaz y Andrea Ugalde
Elenco: Nelson Villagra (Francisco), Delfina Guzman (Carmen), Jaime Vadell (Pacheco), Julio Jung (Tito), Héctor Noguera (Nicolás), Gloria Münchmeyer (Lucy).
lunes, 6 de octubre de 2008
La desconocida
Giuseppe Tornatore, el gran director de Cinema Paradiso nos entrega un film muy distante de sus trabajos anteriores.
Esta es la historia de Irena ( Xenia Raoopoport ), inmigrante ucraniana en Italia que busca la forma de ganarse la vida de cualquier forma honrada, limpiando pisos o como doméstica de una familia acomodada. Nada sabemos de su pasado, sin embargo en breves y confusos flash back vamos descubriendo los horrores que Irena vivió y de los que consiguió escapar.
Más que un Thriller, esta cinta es un drama. El drama de la soledad, de la búsqueda sin resultado, de una extranjera pobre en un país rico, de una persona que ha sufrido en carne propia el rigor de la humillación y la vejación. Irena ha conseguido sobreponerse, pero aún así el pasado le sigue donde quiera que vaya y en cada una de sus acciones. El espíritu de supervivencia en fuerte en ella. Su personalidad se ha moldeado y deformado por todo aquello que le ha tocado vivir y que podemos ir descubriendo con el correr del metraje.
Podemos observar una humanidad increíble en la relación que Irena desarrolla con Tea, la hija pequeña de la familia Adacher, en donde llega a emplearse como doméstica. Una relación en parte tormentosa, en parte tierna, en parte amorosa, que va generando una cercanía especial entre ambas.
La historia está contada de diferentes formas, lineal con flash back y con cambios de temporalidad que la hacen aún más impredecible. Armar este puzzle se va dando naturalmente, sin anticipar nada, y sólo develando lo necesario para ir entrando en el mundo al que Tornatore nos quiere llevar.
Capítulo aparte es la música del film. Ennio Morricone, una vez más desarrolla una inspirada partitura que no sólo acompaña la película, sino que en secciones toma vida propia. Es difícil separar la imagen de la música, la emoción que ambos elementos provocan en el espectador. A la pluma de Morricone, a su gran capacidad melódica, se suma en esta oportunidad unas imágenes sonoras especiales e intrigantes. Logra crear ambientes de tensión de modo muy particular, y ambientes de tranquilidad de manera muy natural. La canción de cuna, tema central de la película, nos genera esa placidez que siempre quisiéramos encontrar, y tal vez es lo que Irena busca durante toda la historia: ajustar cuentas con su pasado y reencontrarse con ella misma, con su esencia, con su persona más íntima.
Ficha Técnica
Título original: La Sconosciuta
Distribuidor: IMPACTO CINE
Género: Thriller/ Drama
Origen: Italia/ Francia
Año: 2006
Duración: 114 Min.
Censura: 14
Director: Giuseppe Tornatore
Elenco: Xenia Raoopoport (Irena), Michele Placido (Muffa), Claudia Gerini (Valeria Adacher), Pierfrancesco Favino (Donato Adacher).
Esta es la historia de Irena ( Xenia Raoopoport ), inmigrante ucraniana en Italia que busca la forma de ganarse la vida de cualquier forma honrada, limpiando pisos o como doméstica de una familia acomodada. Nada sabemos de su pasado, sin embargo en breves y confusos flash back vamos descubriendo los horrores que Irena vivió y de los que consiguió escapar.
Más que un Thriller, esta cinta es un drama. El drama de la soledad, de la búsqueda sin resultado, de una extranjera pobre en un país rico, de una persona que ha sufrido en carne propia el rigor de la humillación y la vejación. Irena ha conseguido sobreponerse, pero aún así el pasado le sigue donde quiera que vaya y en cada una de sus acciones. El espíritu de supervivencia en fuerte en ella. Su personalidad se ha moldeado y deformado por todo aquello que le ha tocado vivir y que podemos ir descubriendo con el correr del metraje.
Podemos observar una humanidad increíble en la relación que Irena desarrolla con Tea, la hija pequeña de la familia Adacher, en donde llega a emplearse como doméstica. Una relación en parte tormentosa, en parte tierna, en parte amorosa, que va generando una cercanía especial entre ambas.
La historia está contada de diferentes formas, lineal con flash back y con cambios de temporalidad que la hacen aún más impredecible. Armar este puzzle se va dando naturalmente, sin anticipar nada, y sólo develando lo necesario para ir entrando en el mundo al que Tornatore nos quiere llevar.
Capítulo aparte es la música del film. Ennio Morricone, una vez más desarrolla una inspirada partitura que no sólo acompaña la película, sino que en secciones toma vida propia. Es difícil separar la imagen de la música, la emoción que ambos elementos provocan en el espectador. A la pluma de Morricone, a su gran capacidad melódica, se suma en esta oportunidad unas imágenes sonoras especiales e intrigantes. Logra crear ambientes de tensión de modo muy particular, y ambientes de tranquilidad de manera muy natural. La canción de cuna, tema central de la película, nos genera esa placidez que siempre quisiéramos encontrar, y tal vez es lo que Irena busca durante toda la historia: ajustar cuentas con su pasado y reencontrarse con ella misma, con su esencia, con su persona más íntima.
Ficha Técnica
Título original: La Sconosciuta
Distribuidor: IMPACTO CINE
Género: Thriller/ Drama
Origen: Italia/ Francia
Año: 2006
Duración: 114 Min.
Censura: 14
Director: Giuseppe Tornatore
Elenco: Xenia Raoopoport (Irena), Michele Placido (Muffa), Claudia Gerini (Valeria Adacher), Pierfrancesco Favino (Donato Adacher).
domingo, 5 de octubre de 2008
Taken ( Búsqueda implacable )
Este film corre a 100 kms por hora. De un vértigo pocas veces visto, en 15 minutos de metraje ya están todos los elementos para el juego. Las piezas están dispuestas y los jugadores preparados.
Bryan - un excelente Liam Nesson - es un ex agente de seguridad del gobierno que se siente sólo y ya prácticamente retirado. Debe lidiar con Lenore, su ex mujer, para tener algo de espacio en la vida de su hija Kim ( Maggie Grace ), quien ha planeado un viaje a Paris junto a su amiga Amanda y que él debe autorizar. A pesar de la resistencia inicial de Bryan al viaje, él cede en beneficio de su hija, aunque con muchas dudas y no muy convencido. Y allí comienza la historia, pues ambas chicas al llegar a Paris son secuestradas, poniendo en movimiento este puzzle que Bryan debe resolver en menos de 48 horas.
Esta historia, la de un padre que haría cualquier cosa por su hija en peligro, tiene situaciones muy bien logradas. Es creíble la capacidad del ex agente de buscar soluciones, modos y lugares. La estrategia usada por él es perfectamente posible. Además, podemos agregar un excelente trabajo de edición de las escenas de acción, con peleas y persecuciones automovilísticas muy bien logradas. La cinta no da respiro. Una y otra dificultad es presentada al protagonista como algo tan cotidiano como el tráfico de una autopista saturada.
Al margen de la trama principal, la película también es capaz de mostrar la angustia de un padre que no vive con su hija, que postergó a su familia por su trabajo y que en este momento de la vida, todo aquello le está pasando la cuenta. El deseo de recuperar tiempo perdido es la gran fuerza motora de Bryan en su búsqueda implacable de Kim.
Ficha Técnica
Título original: Taken
Distribuidor: FOX
Género: Thriller/ Acción
Origen: Francia
Año: 2008
Duración: 93 Min.
Censura: 14
Director: Pierre Morel
Elenco: Liam Nesson (Bryan), Maggie Grace (Kim), Famke Janssen (Lenore), Xander Berkeley (Stuart), Katie Cassidy (Amanda), Leland Orser (Sam), Jon Gries (Casey).
Bryan - un excelente Liam Nesson - es un ex agente de seguridad del gobierno que se siente sólo y ya prácticamente retirado. Debe lidiar con Lenore, su ex mujer, para tener algo de espacio en la vida de su hija Kim ( Maggie Grace ), quien ha planeado un viaje a Paris junto a su amiga Amanda y que él debe autorizar. A pesar de la resistencia inicial de Bryan al viaje, él cede en beneficio de su hija, aunque con muchas dudas y no muy convencido. Y allí comienza la historia, pues ambas chicas al llegar a Paris son secuestradas, poniendo en movimiento este puzzle que Bryan debe resolver en menos de 48 horas.
Esta historia, la de un padre que haría cualquier cosa por su hija en peligro, tiene situaciones muy bien logradas. Es creíble la capacidad del ex agente de buscar soluciones, modos y lugares. La estrategia usada por él es perfectamente posible. Además, podemos agregar un excelente trabajo de edición de las escenas de acción, con peleas y persecuciones automovilísticas muy bien logradas. La cinta no da respiro. Una y otra dificultad es presentada al protagonista como algo tan cotidiano como el tráfico de una autopista saturada.
Al margen de la trama principal, la película también es capaz de mostrar la angustia de un padre que no vive con su hija, que postergó a su familia por su trabajo y que en este momento de la vida, todo aquello le está pasando la cuenta. El deseo de recuperar tiempo perdido es la gran fuerza motora de Bryan en su búsqueda implacable de Kim.
Ficha Técnica
Título original: Taken
Distribuidor: FOX
Género: Thriller/ Acción
Origen: Francia
Año: 2008
Duración: 93 Min.
Censura: 14
Director: Pierre Morel
Elenco: Liam Nesson (Bryan), Maggie Grace (Kim), Famke Janssen (Lenore), Xander Berkeley (Stuart), Katie Cassidy (Amanda), Leland Orser (Sam), Jon Gries (Casey).
domingo, 21 de septiembre de 2008
La Niebla
Esta adaptación de la novela de Stephen King responde al género. Lamentablemente mi expectativa era mayor, por lo que me desilusioné en parte.
La historia es simple. Un grupo de personas queda atrapada en un supermercado producto de una niebla espesa que parece tener vida propia pues en ella se esconden misteriosas criaturas que devoran todo a su paso. El relato en ocasiones se hace lento, sin embargo los efectos y golpes de suspenso puestos en los momentos justos producen la recuperación de la atención.
Interesantes dos aspectos: las reacciones de desesperación de un grupo de personas atrapadas, lo que está muy bien descrito y el tema del fanatismo religioso, que trata de buscar explicaciones o causas a lo que sucede.
Un film correcto dentro del género de suspenso, sin embargo no fue de mi gusto. En parte por las expectativas anteriores que tenía y en parte por el ritmo del relato que no logró cautivarme plenamente.
Ficha Técnica
Título original: The Mist
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Terror/ Thriller
Origen: USA
Año: 2007
Duración: 126 Min.
Censura: 14
Director: Frank Darabont
Elenco: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda Dumfries), Toby Jones (Ollie Weeks), William Sadler (Jim).
La historia es simple. Un grupo de personas queda atrapada en un supermercado producto de una niebla espesa que parece tener vida propia pues en ella se esconden misteriosas criaturas que devoran todo a su paso. El relato en ocasiones se hace lento, sin embargo los efectos y golpes de suspenso puestos en los momentos justos producen la recuperación de la atención.
Interesantes dos aspectos: las reacciones de desesperación de un grupo de personas atrapadas, lo que está muy bien descrito y el tema del fanatismo religioso, que trata de buscar explicaciones o causas a lo que sucede.
Un film correcto dentro del género de suspenso, sin embargo no fue de mi gusto. En parte por las expectativas anteriores que tenía y en parte por el ritmo del relato que no logró cautivarme plenamente.
Ficha Técnica
Título original: The Mist
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Terror/ Thriller
Origen: USA
Año: 2007
Duración: 126 Min.
Censura: 14
Director: Frank Darabont
Elenco: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda Dumfries), Toby Jones (Ollie Weeks), William Sadler (Jim).
sábado, 20 de septiembre de 2008
XXY
Las sinopsis de esta película causan una especie de rechazo a priori. Sin embargo, pudiendo salvar aquello y al entrar a verla cambia completamente aquel prejuicio.
Este film de Lucía Puenzo es fuerte. Tanto la temática sobre el hermafroditismo como la relación entre los personajes que se ven enfrentados e involucrados en esta historia hacen que la narración sea difícil de seguir.
Alex - Inés Efron, una actriz muy sólida en emoción, interpretación y construcción de su personaje, es una chica de 15 años que vive con sus padres ( Kraken - Ricardo Darín - y Suli - Valeria Bertuccelli - ) en un lugar oculto del mundo en la costa Uruguaya. Alex tiene un secreto guardado y aquello la hace ser especial, distinta. Sufre por ello, vive en permanente estado de confusión y la relación con sus padres es cercana a cero.
Esta pequeña familia es visitada por otra familia: Ramiro - Germán Palacios -, su esposa Erika - Carolina Pelleritti - y su hijo Álvaro - Martín Piroyanski. Ellos llegan a la casa de Alex sin razón de fondo aparente al comienzo del relato. Claramente la profesión de cirujano de Ramiro se entiende como el punto de inflexión en la situación de confusión que también viven los padres de Alex.
El film es confuso. Hay mucha soledad en todos los personajes. Diría incluso que es una soledad depresiva. Sólo Alex se escapa en algo en ese sentido, ya que sin mayores tapujos y prejuicios comienza a interactuar con Alvaro con preguntas que al comienzo le descolocan pero que luego se vuelven tremendamente atractivas y permiten que sea esa relación la que soporte el peso dramático de la narración.
El deambular de los personajes, la idefinición, la inacción y la búsqueda permanente de un "algo" nada de claro es lo que conlleva la médula del relato. Ello lo hace tenso, impreciso, pero al mismo tiempo interesante desde el punto de vista del descubrimiento y tratamiento de un tema explorado, en este caso, con total crudeza y realismo en la pantalla grande.
La película da para meditar. Permite por momentos involucrarse en los roles que están planteados: padres e hijos. Involucrarse también en las definiciones y exploraciones sexuales de los hijos, los sentimientos producto de aquello y la libertad de acción, además del trascendente rol parental que subyace inherente a todas estas temáticas.
Ficha Técnica
Título original: XXY
Distribuidor: ARCADIA
Género: Drama
Origen: Argentina, Francia, España
Año: 2007
Duración: 91Min.
Censura: 18
Director: Lucía Puenzo
Elenco: Inés Efron (Alex), Ricardo Darín (Kraken), Valeria Bertuccelli (Suli), Martín Piroyansky (Álvaro), Carolina Pelleritti (Erika).
Este film de Lucía Puenzo es fuerte. Tanto la temática sobre el hermafroditismo como la relación entre los personajes que se ven enfrentados e involucrados en esta historia hacen que la narración sea difícil de seguir.
Alex - Inés Efron, una actriz muy sólida en emoción, interpretación y construcción de su personaje, es una chica de 15 años que vive con sus padres ( Kraken - Ricardo Darín - y Suli - Valeria Bertuccelli - ) en un lugar oculto del mundo en la costa Uruguaya. Alex tiene un secreto guardado y aquello la hace ser especial, distinta. Sufre por ello, vive en permanente estado de confusión y la relación con sus padres es cercana a cero.
Esta pequeña familia es visitada por otra familia: Ramiro - Germán Palacios -, su esposa Erika - Carolina Pelleritti - y su hijo Álvaro - Martín Piroyanski. Ellos llegan a la casa de Alex sin razón de fondo aparente al comienzo del relato. Claramente la profesión de cirujano de Ramiro se entiende como el punto de inflexión en la situación de confusión que también viven los padres de Alex.
El film es confuso. Hay mucha soledad en todos los personajes. Diría incluso que es una soledad depresiva. Sólo Alex se escapa en algo en ese sentido, ya que sin mayores tapujos y prejuicios comienza a interactuar con Alvaro con preguntas que al comienzo le descolocan pero que luego se vuelven tremendamente atractivas y permiten que sea esa relación la que soporte el peso dramático de la narración.
El deambular de los personajes, la idefinición, la inacción y la búsqueda permanente de un "algo" nada de claro es lo que conlleva la médula del relato. Ello lo hace tenso, impreciso, pero al mismo tiempo interesante desde el punto de vista del descubrimiento y tratamiento de un tema explorado, en este caso, con total crudeza y realismo en la pantalla grande.
La película da para meditar. Permite por momentos involucrarse en los roles que están planteados: padres e hijos. Involucrarse también en las definiciones y exploraciones sexuales de los hijos, los sentimientos producto de aquello y la libertad de acción, además del trascendente rol parental que subyace inherente a todas estas temáticas.
Ficha Técnica
Título original: XXY
Distribuidor: ARCADIA
Género: Drama
Origen: Argentina, Francia, España
Año: 2007
Duración: 91Min.
Censura: 18
Director: Lucía Puenzo
Elenco: Inés Efron (Alex), Ricardo Darín (Kraken), Valeria Bertuccelli (Suli), Martín Piroyansky (Álvaro), Carolina Pelleritti (Erika).
martes, 9 de septiembre de 2008
Los crímenes de Oxford
Esta nueva entrega del director Alex de la Iglesia se sitúa en Inglaterra. Un estudiante norteamericano - Martin, interpretado por un Elijah Wood despojado ya de su papel de Hobbit - viaja a Oxford a hacer estudios sobre matemáticas inspirado en un renombrado maestro llamado Arthur Sheldon. Martin quiere que Sheldon dirija su tesis y trata de llamar su atención en una clase maestra. Sin embargo, lo que los junta verdaderamente es una serie de asesinatos, aparentemente en cadena serial, y que se proponen - o más bien si imponen - intentar resolver.
Este film, totalmente intelectual, de largos diálogos, de tesis e hipótesis, me hipnotizó desde el comienzo. El relato es ágil y complejo por momentos. De alguna u otra manera nos vemos enfrentados a una clásica lucha de mentes: el discípulo frente al maestro, y como cada uno desde su propia mirada, experticia, juventud, sabiduría, deseos de aprender, van desenvolviéndose en la historia. Se agregan a los dos protagonistas, dos figuras femeninas que se enamoran de Martin: una de ellas es Beth, una cellista que cuida de su madre - Mrs. Eagleton - en la residencia donde Martin ha llegado a vivir y la otra, Lorna, una enfermera que Martin conoce haciendo deportes. Muy interesante resulta la construcción de estos cuatro personajes. Las relaciones que existen entre ellos permiten observar diversos grados de involucramiento, familiar, emocional, sentimental y sexual, que hacen que el film camine permanentemente entre la razón y la emoción.
La filmación del director es notable. Planos largos y cámaras en movimiento siguiendo a los personajes en largas secuencias hablan de una estética muy especial. Es grato seguirlo, y sumado a una banda sonora adecuada, la generación del suspenso es perfectamente logrado.
Podríamos hablar de una película que combina lo racional, lo emocional y un suspenso psicológico que intriga. Además, se aventura a provocar un debate entre la matemática y la filosofía ( la ciencia versus el pensamiento profundo, las certezas versus las incertezas, la verdad versus la falsedad ) que en una narración de este tipo mueve al cuestionamiento al avanzar el metraje y deja la tarea de seguir profundizándolo al concluir.
Ficha Técnica
Título original: The Oxford Murders
Distribuidor: BF Distribution
Género: Thriller
Origen: Francia/ España
Año: 2008
Duración: 107 Min.
Censura: 14
Director: Alex de la Iglesia
Elenco: Elijah Wood (Martin), John Hurt (Arthur Sheldon), Leonor Watling (Lorna), Julie Cox (Beth), Dominique Pinon (Frank), Anna Massey (Mrs. Eagleton), Jim Carter (Inspector Petersen).
Este film, totalmente intelectual, de largos diálogos, de tesis e hipótesis, me hipnotizó desde el comienzo. El relato es ágil y complejo por momentos. De alguna u otra manera nos vemos enfrentados a una clásica lucha de mentes: el discípulo frente al maestro, y como cada uno desde su propia mirada, experticia, juventud, sabiduría, deseos de aprender, van desenvolviéndose en la historia. Se agregan a los dos protagonistas, dos figuras femeninas que se enamoran de Martin: una de ellas es Beth, una cellista que cuida de su madre - Mrs. Eagleton - en la residencia donde Martin ha llegado a vivir y la otra, Lorna, una enfermera que Martin conoce haciendo deportes. Muy interesante resulta la construcción de estos cuatro personajes. Las relaciones que existen entre ellos permiten observar diversos grados de involucramiento, familiar, emocional, sentimental y sexual, que hacen que el film camine permanentemente entre la razón y la emoción.
La filmación del director es notable. Planos largos y cámaras en movimiento siguiendo a los personajes en largas secuencias hablan de una estética muy especial. Es grato seguirlo, y sumado a una banda sonora adecuada, la generación del suspenso es perfectamente logrado.
Podríamos hablar de una película que combina lo racional, lo emocional y un suspenso psicológico que intriga. Además, se aventura a provocar un debate entre la matemática y la filosofía ( la ciencia versus el pensamiento profundo, las certezas versus las incertezas, la verdad versus la falsedad ) que en una narración de este tipo mueve al cuestionamiento al avanzar el metraje y deja la tarea de seguir profundizándolo al concluir.
Ficha Técnica
Título original: The Oxford Murders
Distribuidor: BF Distribution
Género: Thriller
Origen: Francia/ España
Año: 2008
Duración: 107 Min.
Censura: 14
Director: Alex de la Iglesia
Elenco: Elijah Wood (Martin), John Hurt (Arthur Sheldon), Leonor Watling (Lorna), Julie Cox (Beth), Dominique Pinon (Frank), Anna Massey (Mrs. Eagleton), Jim Carter (Inspector Petersen).
domingo, 7 de septiembre de 2008
Tony Manero
La última cinta de Pablo Larraín no me gustó. Hace tiempo que una película no me deja el sabor amargo que esta cinta me produjo. Tal vez no la entendí en profundidad, tal vez no comprendí lo que el autor quería explicitar. Tal vez hay algo escondido que no logro descubrir dada mi novel incursión en este arte. Sin embargo la sensación que me queda es de desagrado. Este comentario difiere de los premios y halagos que la cinta a recogido en muchos lugares, sin embargo, al tratarse de arte, el gusto prima tal vez por sobre la técnica.
Paso a tratar de explicar lo que me sucedió. Primero, siento que es una película gris, algo natural tomando en cuenta la época en que transcurre - el Chile de 1979, en plena dictadura y en el que el sentido de la sociedad ha sido trastocado de manera brutal por los acontecimientos políticos y el clima imperante - pero que no justifica plenamente lo gris de todos los personajes. Gris, incluso inclinándose a negro, en completa contradicción al traje blanco de Tony Manero.
En segundo término me descoloca el que el guión se sostenga sólo en la actuación de Raúl Peralta ( Alfredo Castro ) Reconozco todos y cada uno de los méritos del actor, brillante en su interpretación ya que logra generar un personaje especial, intrigante y lleno de una amargura pocas veces vista en general. Sus actos, sus gestos, sus eternos silencios, sus corridas, su violencia y su frustración, logran el objetivo de impactarme. Sin embargo esta brillante actuación no es la película, no es el "todo". Es necesario más para realmente estar frente a una historia completa y bien narrada.
En tercer término, me parece que la edición carece de unidad. Cortes sin sentido, bruscos y escenas inconclusas, me hacen sentir más inquietud que sorpresa. Me angustia el seguir la historia. Tal vez ese es un objetivo, y si explícitamente es así, está plenamente logrado. Lo que pasa es que aquello no me gusta y me provoca rechazo.
Intentando hacer un análisis algo más intelectual creo que la película presenta un cuadro muy pequeño de la realidad del protagonista. Es cierto que su vida no es mucho más que eso, tal vez su vida es sólo el cuadro de la película que lo obsesiona ( Fiebre de sábado por la noche ) y como Raúl se desdobla para intentar ser Tony. Su vida es ser Tony, vivir como Tony. Ello es sin duda interesante pero la forma como se trata todo ello a mi juicio no genera el efecto esperado. El entorno de Raúl es decadente. El mismo es decadente. No sabe donde va, ha perdido el sentido, el interés. Vive en entorno dañado, donde los papeles se confunden y poco ayudan a centrar el foco en lo que en realidad está sufriendo Raúl. Tal vez otra persona en esas circunstancias habría optado por el suicidio. Raúl no lo hace. Opta por vivir a través de otro, vivir un sueño, vivir dentro de una película, donde todo lo que allí se ve, no está, no existe, no es validado.
Considero que hay escenas de más, que si bien intentan reflejar el entorno del protagonista, nada agregan a la historia. Un sexo apagado, amargo junto a desnudos sin justificación provocan en mi más desconcierto aún. La ausencia de una banda sonora, también hace que la película se sienta en parte vacía. Sólo hay canciones, las canciones de moda y de "Fiebre de sábado" y están al servicio de los bailes solamente. El resto es silencio. Silencio e imágenes, largas secuencias sin diálogos. El mundo interior del protagonista, aparentemente vacío, pero que sin duda es el mundo de una persona que no sabe que hacer con su propia vida.
Ficha Técnica
Título original: Tony Manero
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Drama/ Thriller
Origen: Chile/ Brasil
Año: 2008
Duración: 98 Min.
Censura: 14
Director: Pablo Larraín
Elenco: Alfredo Castro (Raúl), Amparo Noguera (Cony), Héctor Morales (Goyo), Paola Lattus (Pauli), Elsa Pobrete (Wilma).
Paso a tratar de explicar lo que me sucedió. Primero, siento que es una película gris, algo natural tomando en cuenta la época en que transcurre - el Chile de 1979, en plena dictadura y en el que el sentido de la sociedad ha sido trastocado de manera brutal por los acontecimientos políticos y el clima imperante - pero que no justifica plenamente lo gris de todos los personajes. Gris, incluso inclinándose a negro, en completa contradicción al traje blanco de Tony Manero.
En segundo término me descoloca el que el guión se sostenga sólo en la actuación de Raúl Peralta ( Alfredo Castro ) Reconozco todos y cada uno de los méritos del actor, brillante en su interpretación ya que logra generar un personaje especial, intrigante y lleno de una amargura pocas veces vista en general. Sus actos, sus gestos, sus eternos silencios, sus corridas, su violencia y su frustración, logran el objetivo de impactarme. Sin embargo esta brillante actuación no es la película, no es el "todo". Es necesario más para realmente estar frente a una historia completa y bien narrada.
En tercer término, me parece que la edición carece de unidad. Cortes sin sentido, bruscos y escenas inconclusas, me hacen sentir más inquietud que sorpresa. Me angustia el seguir la historia. Tal vez ese es un objetivo, y si explícitamente es así, está plenamente logrado. Lo que pasa es que aquello no me gusta y me provoca rechazo.
Intentando hacer un análisis algo más intelectual creo que la película presenta un cuadro muy pequeño de la realidad del protagonista. Es cierto que su vida no es mucho más que eso, tal vez su vida es sólo el cuadro de la película que lo obsesiona ( Fiebre de sábado por la noche ) y como Raúl se desdobla para intentar ser Tony. Su vida es ser Tony, vivir como Tony. Ello es sin duda interesante pero la forma como se trata todo ello a mi juicio no genera el efecto esperado. El entorno de Raúl es decadente. El mismo es decadente. No sabe donde va, ha perdido el sentido, el interés. Vive en entorno dañado, donde los papeles se confunden y poco ayudan a centrar el foco en lo que en realidad está sufriendo Raúl. Tal vez otra persona en esas circunstancias habría optado por el suicidio. Raúl no lo hace. Opta por vivir a través de otro, vivir un sueño, vivir dentro de una película, donde todo lo que allí se ve, no está, no existe, no es validado.
Considero que hay escenas de más, que si bien intentan reflejar el entorno del protagonista, nada agregan a la historia. Un sexo apagado, amargo junto a desnudos sin justificación provocan en mi más desconcierto aún. La ausencia de una banda sonora, también hace que la película se sienta en parte vacía. Sólo hay canciones, las canciones de moda y de "Fiebre de sábado" y están al servicio de los bailes solamente. El resto es silencio. Silencio e imágenes, largas secuencias sin diálogos. El mundo interior del protagonista, aparentemente vacío, pero que sin duda es el mundo de una persona que no sabe que hacer con su propia vida.
Ficha Técnica
Título original: Tony Manero
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Drama/ Thriller
Origen: Chile/ Brasil
Año: 2008
Duración: 98 Min.
Censura: 14
Director: Pablo Larraín
Elenco: Alfredo Castro (Raúl), Amparo Noguera (Cony), Héctor Morales (Goyo), Paola Lattus (Pauli), Elsa Pobrete (Wilma).
viernes, 5 de septiembre de 2008
Concierto Alemán Orquesta Filarmónica Santiago
En este nuevo concierto, la Orquesta Filarmónica de Santiago bajo la conducción del maestro Roberto Rizzi-Brignoli abordó un programa compuesto de tres obras muy distintas.
En la primera parte escuchamos la Obertura Coriolano de Beethoven. En esta partitura se mezclan la fuerza y pasión con la dulzura y delicadeza. Podemos pasar de un estado de ánimo a otro en breves lapsos de tiempo. La versión del maestro Rizzi respondió plenamente a la expectativa. Luego de un inicio algo inseguro, tanto en precisión como en sonoridad, la obra consiguió el vuelo necesario, destacando en particular la sonoridad de un Beethoven maduro. Los colores y dinámicas conseguidos fueron muy claros, dando cuenta de un trabajo muy bien hecho, salvo por momentos de imprecisión rítmica atribuibles tal vez a la ausencia de batuta en el estilo del maestro ( dirige solo con sus manos, sin la batuta física, habitual, de los directores de orquesta )
Como segunda obra escuchamos el famoso concierto para piano y orquesta No. 5 de Beethoven, llamado "Emperador". Obra cumbre del repertorio pianístico, representa un desafío importante para solista y orquesta. En esta ocasión, el solista fue Bruno Gelber, destacadísimo artista argentino de técnica precisa y musicalidad encantadora. Desde el comienzo sentimos el ímpetu de su interpretación y ese arrebato que hace del lucimiento del piano, una verdadera estrella. Una excelente interpretación como la del maestro Gelber, junto a la seguridad y prestancia del maestro Rizzi, formaron una dupla que finalmente se convirtió en magia pura: la magia de la música en todo su esplendor. Y un detalle no menor: la sonoridad adoptada por la orquesta estuvo perfecta al acompañamiento del solista y los timbres de cada una de las familias de instrumento se descubrieron muy naturalmente. Los tutti lograron el contrapeso necesario al solista, entregándose muy certeramente al momento de formar la alfombra sonora bajo el piano.
El resultado final fue una ovación de más de 5 minutos que finalmente, a pesar de la insistencia del público, no consiguió un bis del Maestro.
En la segunda parte escuchamos una de las obras cumbres de su género: el Poema Sinfónico "Así habló Zaratustra" de R. Strauss. Con una muy conocida introducción, tan usada y tal vez trillada en múltiples espacios, esta obra da un paso adelante en la complejidad sonora y armónica del período en el que fue compuesta. Los enlaces entre las familias de la orquesta, los instrumentinos solistas, los grandes tutti y los íntimos solos, van dibujando un mapa sonoro que no sólo impacta sino que seduce y encanta. Sólida interpretación, sin duda. Claridad rítmica, volúmenes adecuados, momentos intensos y delicados pianisimos dieron a esta versión una estructura de gran unidad. Destacan todos los solistas, sin excepción, y una conducción armoniosa del maestro Rizzi para lograr un óptimo resultado del conjunto orquestal.
Ficha Técnica
Orquesta Filarmónica de Santiago
Director: Roberto Rizzi-Brignoli
Solista: Bruno Leonardo Gelber
L. V. Beethoven / R. Strauss
L. V. Beethoven:
Obertura Coriolano en do menor Op. 62.
L. V. Beethoven:
Concierto para piano y orquesta Nº 5 en mi bemol mayor Op. 73 “El Emperador”.
R. Strauss:
Así habló Zaratustra, poema sinfónico Op.30.
En la primera parte escuchamos la Obertura Coriolano de Beethoven. En esta partitura se mezclan la fuerza y pasión con la dulzura y delicadeza. Podemos pasar de un estado de ánimo a otro en breves lapsos de tiempo. La versión del maestro Rizzi respondió plenamente a la expectativa. Luego de un inicio algo inseguro, tanto en precisión como en sonoridad, la obra consiguió el vuelo necesario, destacando en particular la sonoridad de un Beethoven maduro. Los colores y dinámicas conseguidos fueron muy claros, dando cuenta de un trabajo muy bien hecho, salvo por momentos de imprecisión rítmica atribuibles tal vez a la ausencia de batuta en el estilo del maestro ( dirige solo con sus manos, sin la batuta física, habitual, de los directores de orquesta )
Como segunda obra escuchamos el famoso concierto para piano y orquesta No. 5 de Beethoven, llamado "Emperador". Obra cumbre del repertorio pianístico, representa un desafío importante para solista y orquesta. En esta ocasión, el solista fue Bruno Gelber, destacadísimo artista argentino de técnica precisa y musicalidad encantadora. Desde el comienzo sentimos el ímpetu de su interpretación y ese arrebato que hace del lucimiento del piano, una verdadera estrella. Una excelente interpretación como la del maestro Gelber, junto a la seguridad y prestancia del maestro Rizzi, formaron una dupla que finalmente se convirtió en magia pura: la magia de la música en todo su esplendor. Y un detalle no menor: la sonoridad adoptada por la orquesta estuvo perfecta al acompañamiento del solista y los timbres de cada una de las familias de instrumento se descubrieron muy naturalmente. Los tutti lograron el contrapeso necesario al solista, entregándose muy certeramente al momento de formar la alfombra sonora bajo el piano.
El resultado final fue una ovación de más de 5 minutos que finalmente, a pesar de la insistencia del público, no consiguió un bis del Maestro.
En la segunda parte escuchamos una de las obras cumbres de su género: el Poema Sinfónico "Así habló Zaratustra" de R. Strauss. Con una muy conocida introducción, tan usada y tal vez trillada en múltiples espacios, esta obra da un paso adelante en la complejidad sonora y armónica del período en el que fue compuesta. Los enlaces entre las familias de la orquesta, los instrumentinos solistas, los grandes tutti y los íntimos solos, van dibujando un mapa sonoro que no sólo impacta sino que seduce y encanta. Sólida interpretación, sin duda. Claridad rítmica, volúmenes adecuados, momentos intensos y delicados pianisimos dieron a esta versión una estructura de gran unidad. Destacan todos los solistas, sin excepción, y una conducción armoniosa del maestro Rizzi para lograr un óptimo resultado del conjunto orquestal.
Ficha Técnica
Orquesta Filarmónica de Santiago
Director: Roberto Rizzi-Brignoli
Solista: Bruno Leonardo Gelber
L. V. Beethoven / R. Strauss
L. V. Beethoven:
Obertura Coriolano en do menor Op. 62.
L. V. Beethoven:
Concierto para piano y orquesta Nº 5 en mi bemol mayor Op. 73 “El Emperador”.
R. Strauss:
Así habló Zaratustra, poema sinfónico Op.30.
miércoles, 3 de septiembre de 2008
El sueño de Cassandra
Woody Allen nos entrega esta nueva película, correspondiendo al nuevo ciclo europeo del autor. La sitúa en Londres, un Londres cosmopolita y minimalista al mismo tiempo.
La historia es llevada por dos hermanos muy distintos. Ian y Terry; el primero con una ambición de ascenso social sin ocultar y el segundo, un humilde mecánico obsesionado por el juego. Sin mayores recursos deciden comprar un Yate y lo bautizan como "Cassandra’s Dream", tal vez representando en un objeto suntuario el sueño de ambos.
La película es rápida. Antes de los 15 minutos ya vemos todo el contenido principal: la diferencia entre los hermanos, sus carencias, sus ambiciones, sus vidas... Y estas vidas darán un giro importante con la llegada del tío Howard, multimillonario y generoso, con el que se sienten comprometidos por la historia familiar anterior. Él les pide un favor muy complejo: sacar de circulación a un ex socio que, de denunciarlo, lo haría ir a la cárcel sin otra alternativa posible.
En ese momento se desata la crisis en el guión. La duda, la moral, la lealtad y la necesidad de dinero, hace que ambos protagonistas luchen por sus opciones. Esa lucha persiste hasta el final. Es tan profunda y tan crítica que modela los actos y los comportamientos de ambos personajes.
Allen filma casi en cámara rápida. No se detiene en detalles y da muchas cosas por entendidas y sabidas. Los personajes, sus parejas y los entornos pasan como paisajes al ir conduciendo a gran velocidad. La familia de ambos hermanos, padres de trabajo y sacrificio, inmigrantes que han logrado sobrevivir, no pueden ser el colchón familiar que soporte la encrucijada en la que se encuentran. Todo sucede rápido, casi sin espacio a la reflexión. La cadena de hechos llevan a otros y a otros, en una espiral que es prácticamente imposible evitar.
El dilema moral, el hecho que el fin justifique o no los medios y la conciencia personal de los protagonistas pasan a ser la carta jugada por Woody Allen en esta cinta. El relato es ágil, pero carente de profundidad en ciertos momentos. Los personajes secundarios pasan como lo que son. Secundan la historia y no se involucran demasiado en la narración y con ello pierden un peso importante que el guión podría entregarles.
A pesar de no estar a la altura de Match Point o Scoop, este film atrae la vista hacia problemáticas distintas en la visión de Allen. Problemáticas personales, cursos de acción y consecuencias, predominan en un relato ágil y ameno que deja interrogantes al final. Siempre se agradece quedar con dudas y con deseos de hablar sobre un film.
Ficha Técnica
Título original: Cassandra’s Dream
Distribuidor: TRANSEUROPA
Género: Drama/ Thriller
Origen: USA/ Inglaterra/Francia
Año: 2007
Duración: 108 Min.
Censura: TE+7
Director: Woody Allen
Elenco: Ewan McGregor (Ian), Colin Farell (Terry), Tom Wilkinson (Howard), Hayley Atwell (Angela), Andrew Howard (Jerry).
La historia es llevada por dos hermanos muy distintos. Ian y Terry; el primero con una ambición de ascenso social sin ocultar y el segundo, un humilde mecánico obsesionado por el juego. Sin mayores recursos deciden comprar un Yate y lo bautizan como "Cassandra’s Dream", tal vez representando en un objeto suntuario el sueño de ambos.
La película es rápida. Antes de los 15 minutos ya vemos todo el contenido principal: la diferencia entre los hermanos, sus carencias, sus ambiciones, sus vidas... Y estas vidas darán un giro importante con la llegada del tío Howard, multimillonario y generoso, con el que se sienten comprometidos por la historia familiar anterior. Él les pide un favor muy complejo: sacar de circulación a un ex socio que, de denunciarlo, lo haría ir a la cárcel sin otra alternativa posible.
En ese momento se desata la crisis en el guión. La duda, la moral, la lealtad y la necesidad de dinero, hace que ambos protagonistas luchen por sus opciones. Esa lucha persiste hasta el final. Es tan profunda y tan crítica que modela los actos y los comportamientos de ambos personajes.
Allen filma casi en cámara rápida. No se detiene en detalles y da muchas cosas por entendidas y sabidas. Los personajes, sus parejas y los entornos pasan como paisajes al ir conduciendo a gran velocidad. La familia de ambos hermanos, padres de trabajo y sacrificio, inmigrantes que han logrado sobrevivir, no pueden ser el colchón familiar que soporte la encrucijada en la que se encuentran. Todo sucede rápido, casi sin espacio a la reflexión. La cadena de hechos llevan a otros y a otros, en una espiral que es prácticamente imposible evitar.
El dilema moral, el hecho que el fin justifique o no los medios y la conciencia personal de los protagonistas pasan a ser la carta jugada por Woody Allen en esta cinta. El relato es ágil, pero carente de profundidad en ciertos momentos. Los personajes secundarios pasan como lo que son. Secundan la historia y no se involucran demasiado en la narración y con ello pierden un peso importante que el guión podría entregarles.
A pesar de no estar a la altura de Match Point o Scoop, este film atrae la vista hacia problemáticas distintas en la visión de Allen. Problemáticas personales, cursos de acción y consecuencias, predominan en un relato ágil y ameno que deja interrogantes al final. Siempre se agradece quedar con dudas y con deseos de hablar sobre un film.
Ficha Técnica
Título original: Cassandra’s Dream
Distribuidor: TRANSEUROPA
Género: Drama/ Thriller
Origen: USA/ Inglaterra/Francia
Año: 2007
Duración: 108 Min.
Censura: TE+7
Director: Woody Allen
Elenco: Ewan McGregor (Ian), Colin Farell (Terry), Tom Wilkinson (Howard), Hayley Atwell (Angela), Andrew Howard (Jerry).
miércoles, 27 de agosto de 2008
Crimen y lujuria
Este film de Ang Lee - ganador del Oscar por "Secreto en la Montaña" es provocador. Y no sólo por el fuerte contenido de violencia y sexo que tiene el guión, sino también por el alto contenido moral que la película y los personajes tienen al desarrollar sus vidas.
La ambientación, en plena Segunda Guerra Mundial, es perfecta desde todo punto de vista. Los japoneses empiezan a invadir China, y Honk Kong es mirada como la ciudad de la salvación. Es en esa ciudad donde la estudiante de teatro, Wong Chia Chi, conoce a Kuang Yu Min y queda seducida por él. Tanto es así que acepta formar parte de una conspiración para asesinar a un importante y misterioso personaje, Sr. Yee - que aparentemente colabora con los japoneses - realizando una actuación en la vida real que le permita introducirse en sus círculos más cercanos. En la primera oportunidad que tiene el grupo para asesinar a Yee, fracasan y tres años después vuelven al ataque pero ahora en Shangai...
La trama avanza y se complica, pero lo realmente importante es lo que va pasando en los personajes con sus sentimientos. Wong Chia Chi, tiene el claro papel de involucrarse como amante de Yee, y en la medida que la historia fluye va adoptando nuevos sentimientos hacia él. Por otra parte Yee, que es siempre un misterio, cambia de actitud por el sólo hecho de estar con esta niña que lo atrae de sobremanera.
La filmación de Lee es pulcra, cuidada: es de excelencia. Desde la primera escena del film - el juego de salón de un grupo de mujeres en torno a una conversación, la que es filmada con una gran cantidad de cámaras y con una edición ágil, limpia y casi vertiginosa, hasta los grandes cuadros que muestran la guerra, el ambiente y el gran temor existente en dicho momento.
La música es un elemento central. Produce emoción, acompaña, genera ambientes. Una partitura de gran factura y elaboración. En síntesis, una película tremendamente interesante, donde la moralidad se juega en cada momento. Contar más detalles es develar el misterio, y finalmente lo que el film trata de lograr es hacernos meditar sobre la cultura oriental, en la que la lealtad es un valor tanto o más importante que el mismo amor, y en donde la traición es la bajeza mayor del ser humano.
Ficha Técnica
Título original: Se, Jie/ Lost, caution
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Drama/ Thriller/ Romance
Origen: USA/China/ Taiwán/ Hong Kong
Año: 2007
Duración: 157 Min.
Censura: 18
Director: Ang Lee
Elenco: Tony Leung (Sr. Yee), Wei Tang (Wong Chia Chi), Lee-Hom Wang (Kuang Yu Min), Joan Chen (Yee Tai Tai), Chih- ying Chu (Lai Shu Jin), Ying- hsien Kao (Huang Lei).
La ambientación, en plena Segunda Guerra Mundial, es perfecta desde todo punto de vista. Los japoneses empiezan a invadir China, y Honk Kong es mirada como la ciudad de la salvación. Es en esa ciudad donde la estudiante de teatro, Wong Chia Chi, conoce a Kuang Yu Min y queda seducida por él. Tanto es así que acepta formar parte de una conspiración para asesinar a un importante y misterioso personaje, Sr. Yee - que aparentemente colabora con los japoneses - realizando una actuación en la vida real que le permita introducirse en sus círculos más cercanos. En la primera oportunidad que tiene el grupo para asesinar a Yee, fracasan y tres años después vuelven al ataque pero ahora en Shangai...
La trama avanza y se complica, pero lo realmente importante es lo que va pasando en los personajes con sus sentimientos. Wong Chia Chi, tiene el claro papel de involucrarse como amante de Yee, y en la medida que la historia fluye va adoptando nuevos sentimientos hacia él. Por otra parte Yee, que es siempre un misterio, cambia de actitud por el sólo hecho de estar con esta niña que lo atrae de sobremanera.
La filmación de Lee es pulcra, cuidada: es de excelencia. Desde la primera escena del film - el juego de salón de un grupo de mujeres en torno a una conversación, la que es filmada con una gran cantidad de cámaras y con una edición ágil, limpia y casi vertiginosa, hasta los grandes cuadros que muestran la guerra, el ambiente y el gran temor existente en dicho momento.
La música es un elemento central. Produce emoción, acompaña, genera ambientes. Una partitura de gran factura y elaboración. En síntesis, una película tremendamente interesante, donde la moralidad se juega en cada momento. Contar más detalles es develar el misterio, y finalmente lo que el film trata de lograr es hacernos meditar sobre la cultura oriental, en la que la lealtad es un valor tanto o más importante que el mismo amor, y en donde la traición es la bajeza mayor del ser humano.
Ficha Técnica
Título original: Se, Jie/ Lost, caution
Distribuidor: BF DISTRIBUTION
Género: Drama/ Thriller/ Romance
Origen: USA/China/ Taiwán/ Hong Kong
Año: 2007
Duración: 157 Min.
Censura: 18
Director: Ang Lee
Elenco: Tony Leung (Sr. Yee), Wei Tang (Wong Chia Chi), Lee-Hom Wang (Kuang Yu Min), Joan Chen (Yee Tai Tai), Chih- ying Chu (Lai Shu Jin), Ying- hsien Kao (Huang Lei).
martes, 19 de agosto de 2008
La Buena Vida
Andrés Wood filma bien, no cabe duda. Hay una naturalidad inherente y visible en cada uno de sus personajes. El relato fluye sin contratiempos y las cámaras, siempre muy bien ubicadas, nos dan una perspectiva abierta de lo que sucede en pantalla.
En esta entrega, podríamos leer de buenas a primeras que estamos en presencia de una película llena de los lugares más comunes del Santiago del Siglo XXI. Transantiago, tacos, esquinas en proceso de demolición y construcción, convivencia de pobreza y riqueza, altos y bajos estratos, etc... Lugares comunes que dejan de serlo cuando se muestran desde los sentimientos de cada uno de los protagonistas de esta gran historia entrelazada.
Teresa (Aline Kupenheim) es una una sicóloga que trabaja con prostitutas en la labor de protegerlas de enfermedades; Edmundo (Roberto Farías) es un peluquero que a los 40 años vive aún con su madre y no define su vida; Mario (Eduardo Paxeco) es un excelente clarinetista que quiere entrar a la Filarmónica, y Patricia (Paula Sotelo) es una madre soltera que sobrevive, enferma, con su hijo pequeño. Las historias se enlazan pero no se relacionan. Cada una sigue su tenor dramático y da paso a la siguiente en un relato que se muestra ágil y comprometido.
El análisis más interesante está, bajo mi punto de vista, en la forma de mostrar los sentimientos de los personajes y sus proyectos de vida.
Por un lado el embarazo de Paula ( Manuela Martelli ) cambia por completo la apreciación de vida de Teresa, su madre, su relación con el mundo, con su trabajo, con su ex marido Jorge ( Alfredo Castro ), con el mundo que la rodea. La tristeza y soledad que experimenta conmueve, y su impotencia de no saber que hacer la inquieta permanentemente.
Edmundo se debate entre su trabajo de peluquero, sus conquistas esporádicas y su deseo de tener un auto. La contradicción que despierta en él la necesidad de mantener la sepultura de su padre detona sus sentimientos más profundos y le hace replantear su vida completamente.
Mario, un músico de excelente condiciones se frustra al no poder ingresar a la Filarmónica y debe optar por el Orfeón de Carabineros para poder subsistir. Ese fracaso patente, luego de estudios en el extranjero dejados de lado sin razón aparente, le provocan una tristeza y soledad incomprendida, que ni siquiera sus nuevos amigos son capaces de ayudarle a sobrellevar.
Finalmente Patricia, el personaje más profundo, de la pobreza más extrema y de la soledad más intensa, estando enferma grave, no sabe que hacer con su hijo para poder tratarse su mal y deambula para conseguir algo que comer y alimentar a su hijo.
De estas cuatro historias emana una humanidad profunda. Un retrato del Chile medio actual, lleno de cotidianidad y de frustración por caminos a medio seguir o por historias de fracasos importantes.
Un relato conmovedor, fuerte, directo, a veces oscuro, pero lleno de vida y de lucha. Un film del que se desprende la ironía de su título, escrito por Paula, sin saber donde está aquella "Buena Vida"
Ficha Técnica
Título original: La Buena Vida
Distribuidor: Wood
Género: Drama
Origen: Chile
Año: 2007
Duración: 98 Min.
Censura: 14
Director: Andres Wood
Elenco: Alinne Kupenhein, Manuela Martelli, Eduardo Paxeco, Roberto Farias, Manuela Oyarzún, Paula Sotelo, Nestor Corona, Daniel Antivilo, Alfredo Castro.
En esta entrega, podríamos leer de buenas a primeras que estamos en presencia de una película llena de los lugares más comunes del Santiago del Siglo XXI. Transantiago, tacos, esquinas en proceso de demolición y construcción, convivencia de pobreza y riqueza, altos y bajos estratos, etc... Lugares comunes que dejan de serlo cuando se muestran desde los sentimientos de cada uno de los protagonistas de esta gran historia entrelazada.
Teresa (Aline Kupenheim) es una una sicóloga que trabaja con prostitutas en la labor de protegerlas de enfermedades; Edmundo (Roberto Farías) es un peluquero que a los 40 años vive aún con su madre y no define su vida; Mario (Eduardo Paxeco) es un excelente clarinetista que quiere entrar a la Filarmónica, y Patricia (Paula Sotelo) es una madre soltera que sobrevive, enferma, con su hijo pequeño. Las historias se enlazan pero no se relacionan. Cada una sigue su tenor dramático y da paso a la siguiente en un relato que se muestra ágil y comprometido.
El análisis más interesante está, bajo mi punto de vista, en la forma de mostrar los sentimientos de los personajes y sus proyectos de vida.
Por un lado el embarazo de Paula ( Manuela Martelli ) cambia por completo la apreciación de vida de Teresa, su madre, su relación con el mundo, con su trabajo, con su ex marido Jorge ( Alfredo Castro ), con el mundo que la rodea. La tristeza y soledad que experimenta conmueve, y su impotencia de no saber que hacer la inquieta permanentemente.
Edmundo se debate entre su trabajo de peluquero, sus conquistas esporádicas y su deseo de tener un auto. La contradicción que despierta en él la necesidad de mantener la sepultura de su padre detona sus sentimientos más profundos y le hace replantear su vida completamente.
Mario, un músico de excelente condiciones se frustra al no poder ingresar a la Filarmónica y debe optar por el Orfeón de Carabineros para poder subsistir. Ese fracaso patente, luego de estudios en el extranjero dejados de lado sin razón aparente, le provocan una tristeza y soledad incomprendida, que ni siquiera sus nuevos amigos son capaces de ayudarle a sobrellevar.
Finalmente Patricia, el personaje más profundo, de la pobreza más extrema y de la soledad más intensa, estando enferma grave, no sabe que hacer con su hijo para poder tratarse su mal y deambula para conseguir algo que comer y alimentar a su hijo.
De estas cuatro historias emana una humanidad profunda. Un retrato del Chile medio actual, lleno de cotidianidad y de frustración por caminos a medio seguir o por historias de fracasos importantes.
Un relato conmovedor, fuerte, directo, a veces oscuro, pero lleno de vida y de lucha. Un film del que se desprende la ironía de su título, escrito por Paula, sin saber donde está aquella "Buena Vida"
Ficha Técnica
Título original: La Buena Vida
Distribuidor: Wood
Género: Drama
Origen: Chile
Año: 2007
Duración: 98 Min.
Censura: 14
Director: Andres Wood
Elenco: Alinne Kupenhein, Manuela Martelli, Eduardo Paxeco, Roberto Farias, Manuela Oyarzún, Paula Sotelo, Nestor Corona, Daniel Antivilo, Alfredo Castro.
martes, 12 de agosto de 2008
Viaje al centro de la Tierra
Un muy breve comentario sobre esta cinta, cuyo atractivo radica en estar presentada en versión 3D
Con esta tecnología uno vuelve a ser niño, como cuando nos maravillábamos con las postales giradas en las que se visualizaban diferentes perspectivas y profundidad.
Es tanto lo que destacan los efectos, que la película pasa completamente a pérdida, ya que el guión parece hecho a medida de la muestra 3D
La trama es simple, entretenida en oportunidades, lenta y sin argumento en otras, sin embargo la cadena de hechos por los que los protagonistas van pasando parecen más un video juego que una real película.
Así y todo, una buena sala, efectos que producen inquietud y sorpresa y una sensación de volver al pasado bastante notable.
Ficha Técnica
Título original: Journey To The Center Of The Earth
Distribuidor: Warner Bros
Género: Aventuras/ Fantasía
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 95 Min.
Censura: TE
Director: Eric Brevig
Elenco: Brendan Fraser (Trevor Anderson), Josh Hutcherson (Sean Anderson), Anita Briem (Hannah Ásgeirsson), Seth Meyers (Profesor Alan KItzens), Jean Michel Paré (Max Anderson), Jane Wheeler (Elizabeth), Giancarlo Caltabiano (Leonard).
Con esta tecnología uno vuelve a ser niño, como cuando nos maravillábamos con las postales giradas en las que se visualizaban diferentes perspectivas y profundidad.
Es tanto lo que destacan los efectos, que la película pasa completamente a pérdida, ya que el guión parece hecho a medida de la muestra 3D
La trama es simple, entretenida en oportunidades, lenta y sin argumento en otras, sin embargo la cadena de hechos por los que los protagonistas van pasando parecen más un video juego que una real película.
Así y todo, una buena sala, efectos que producen inquietud y sorpresa y una sensación de volver al pasado bastante notable.
Ficha Técnica
Título original: Journey To The Center Of The Earth
Distribuidor: Warner Bros
Género: Aventuras/ Fantasía
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 95 Min.
Censura: TE
Director: Eric Brevig
Elenco: Brendan Fraser (Trevor Anderson), Josh Hutcherson (Sean Anderson), Anita Briem (Hannah Ásgeirsson), Seth Meyers (Profesor Alan KItzens), Jean Michel Paré (Max Anderson), Jane Wheeler (Elizabeth), Giancarlo Caltabiano (Leonard).
domingo, 10 de agosto de 2008
Concierto conjunto Orquesta ODEON y Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil
En el Centro de Extensión de la Pontificia Universidad Católica de Chile, el viernes 8 de agosto se reunieron en un concierto conjunto ambas orquestas.
Abrió el programa la Orquesta Juvenil ODEON dirigida por el Maestro Julio Doggenweiler, ofreciendo Finlandia de Jean Sibelius. En una oscura interpretación, dado el color de los bronces y maderas, la pieza no alcanzó el realce sonoro que se espera.
Acto seguido, la Sinfónica Nacional Juvenil de Chile dirigida por el Maestro José Luis Domínguez ofreció una sólida, preparada y cristalina versión de la Suite "El pájaro de fuego" de Igor Stravinsky. Destacaron de sobremanera los solos instrumentales, una percusión muy adecuada sonoramente y un brillante trabajo de colores de las cuerdas en general.
En la segunda parte, uniéndose ambos conjuntos, nos ofrecieron piezas de Leng, Márquez y Ginastera, rotando en la dirección ambos maestros. La gran sonoridad alcanzada, la alegría de las piezas latinoamericanas y su contagioso ritmo provocaron lo mejor de la noche, que fue retribuido por el público con largos aplausos. Realmente emocionante el plato de fondo, dada la conformación de un gran conjunto que transmitió a cada momento esa magia de la unidad musical extraordinaria.
Abrió el programa la Orquesta Juvenil ODEON dirigida por el Maestro Julio Doggenweiler, ofreciendo Finlandia de Jean Sibelius. En una oscura interpretación, dado el color de los bronces y maderas, la pieza no alcanzó el realce sonoro que se espera.
Acto seguido, la Sinfónica Nacional Juvenil de Chile dirigida por el Maestro José Luis Domínguez ofreció una sólida, preparada y cristalina versión de la Suite "El pájaro de fuego" de Igor Stravinsky. Destacaron de sobremanera los solos instrumentales, una percusión muy adecuada sonoramente y un brillante trabajo de colores de las cuerdas en general.
En la segunda parte, uniéndose ambos conjuntos, nos ofrecieron piezas de Leng, Márquez y Ginastera, rotando en la dirección ambos maestros. La gran sonoridad alcanzada, la alegría de las piezas latinoamericanas y su contagioso ritmo provocaron lo mejor de la noche, que fue retribuido por el público con largos aplausos. Realmente emocionante el plato de fondo, dada la conformación de un gran conjunto que transmitió a cada momento esa magia de la unidad musical extraordinaria.
sábado, 9 de agosto de 2008
Los falsificadores
Esta estupenda película austríaca, refleja la compleja vida de un falsificador judío que es arrestado y obligado a falsificar grandes sumas de dinero para los alemanes en la Segunda Guerra Mundial.
Salomón Sorowitsch lleva una vida fácil, llena de lujos gracias a su "profesión" hasta que llega a manos nazis. Desde ese momento la pesadilla de la guerra y la persecución son su único horizonte hasta que es reclutado para liderar la más grande estafa que se ha conocido en la historia del mundo.
Junto a un grupo de compañeros reclusos, Salomón lucha por su vida resistiendo humillaciones y sacrificando principios importantes. Sin embargo, su lucha interior y su lealtad le permiten colaborar a su manera con la causa anti nazi, corriendo riesgos extremos pero siempre aferrándose a la vida...
Es tal vez esa lucha interna lo que mejor refleja la película. Largas tomas silenciosas, gestos y pensamientos no explícitos dan cuenta del terror, del horror y de lo inimaginable que fue el sufrimiento de quienes padecieron la persecución.
La música acompaña de forma notable. Crudas escenas reafirman el caracter real de la historia, recreada de manera notable por el director Stefan Ruzowitzky, lo que le valió el Oscar de la Academia a la mejor película extranjera 2007.
Ficha Técnica
Título original: Fälscher, Die
Distribuidor: Transeuropa
Género: Drama
Origen: Austria/ Alemania
Año: 2007
Duración: 100 Min.
Censura: TE+7
Director: Stefan Ruzowitzky
Elenco: Karl Marcovics (Salomón Sorowitsch), August Diehl (Adolf Burger), Devid Striesow (Friedrich Herzog), August Zirner (Dr. Klinger), Sebastian Urzendowsky (Kolia Karloff), Andreas Schmidt (Zilinski).
Salomón Sorowitsch lleva una vida fácil, llena de lujos gracias a su "profesión" hasta que llega a manos nazis. Desde ese momento la pesadilla de la guerra y la persecución son su único horizonte hasta que es reclutado para liderar la más grande estafa que se ha conocido en la historia del mundo.
Junto a un grupo de compañeros reclusos, Salomón lucha por su vida resistiendo humillaciones y sacrificando principios importantes. Sin embargo, su lucha interior y su lealtad le permiten colaborar a su manera con la causa anti nazi, corriendo riesgos extremos pero siempre aferrándose a la vida...
Es tal vez esa lucha interna lo que mejor refleja la película. Largas tomas silenciosas, gestos y pensamientos no explícitos dan cuenta del terror, del horror y de lo inimaginable que fue el sufrimiento de quienes padecieron la persecución.
La música acompaña de forma notable. Crudas escenas reafirman el caracter real de la historia, recreada de manera notable por el director Stefan Ruzowitzky, lo que le valió el Oscar de la Academia a la mejor película extranjera 2007.
Ficha Técnica
Título original: Fälscher, Die
Distribuidor: Transeuropa
Género: Drama
Origen: Austria/ Alemania
Año: 2007
Duración: 100 Min.
Censura: TE+7
Director: Stefan Ruzowitzky
Elenco: Karl Marcovics (Salomón Sorowitsch), August Diehl (Adolf Burger), Devid Striesow (Friedrich Herzog), August Zirner (Dr. Klinger), Sebastian Urzendowsky (Kolia Karloff), Andreas Schmidt (Zilinski).
Concierto Orquesta Sinfónica Juvenil de Munich-ODEON
Un Teatro Municipal lleno un domingo por la tarde recibió a la Orquesta Sinfónica Juvenil de Munich. Bajo la dirección del chileno Julio Doggenweiler, la novel orquesta interpretó obras de Beethoven y Tchaikowsky
Lo primero fue el Tercer Concierto para piano en do menor. Como solista actuó Alfredo Perl, gran pianista chileno radicado en Londres. En esta obra destaca por sobre todo el solista. Con una técnica sobresaliente y una musicalidad exquisita, Perl deslumbró al los presentes desde la primera nota. Las sonoridades de sus pianisimos, pefectamente secundados por la orquesta y la solidez interpretativa a lo largo de la obra generaron un aplauso de más de 5 minutos al final. Extrañamos, si, la falta de precisión rítmica, y de ataques simultáneos de la orquesta en lugares complejos. La sensación permanente de ir detrás del solista fue una constante durante los tres movimientos. De regalo, una pieza magistral de Brahms, nos enfatizó el altísimo nivel musical que Alfredo Perl ha alcanzado durante estos años.
En la segunda parte escuchamos la Sinfonía Número 5 de P. I. Tchaikowsky. La versión del maestro Doggenweiler destaca de manera notoria los soli de maderas y bronces, relegando a un plano secundario el trabajo de las cuerdas. En los tutti echamos de menos más volumen orquestal, especialmente cuerdas, para equilibrar la sonoridad de los instrumentos de viento. Las dinámicas logradas, en especial hacia los menores volúmenes permitieron distinguir líneas melódicas claves de la partitura.
Contando todo esto me parece que la versión de la sinfonía resultó algo plana, dejando sin explorar innumerables recursos que ofrece para la interpretación. Los cambios de tiempo y en especial aquellos pasajes de romanticismo intenso, no lograron su objetivo de conmover a la audiencia. Las imprecisiones de ataques y de afinación en ciertos casos, jugaron en contra del resultado musical. De todas maneras, sin perder de vista que se trata de una orquesta juvenil en la que sus integrantes no necesariamente son estudiantes de música o serán músicos profesionales, debemos destacar el alto nivel exhibido.
Gracias al los generosos aplausos de los asistentes, la orquesta incluyó como bis el "Malambo" de A. Ginastera, obra llena de ritmo y generosa en la sonoridad, fue el mejor plato final para coronar una excelente presentación del conjunto germano.
Lo primero fue el Tercer Concierto para piano en do menor. Como solista actuó Alfredo Perl, gran pianista chileno radicado en Londres. En esta obra destaca por sobre todo el solista. Con una técnica sobresaliente y una musicalidad exquisita, Perl deslumbró al los presentes desde la primera nota. Las sonoridades de sus pianisimos, pefectamente secundados por la orquesta y la solidez interpretativa a lo largo de la obra generaron un aplauso de más de 5 minutos al final. Extrañamos, si, la falta de precisión rítmica, y de ataques simultáneos de la orquesta en lugares complejos. La sensación permanente de ir detrás del solista fue una constante durante los tres movimientos. De regalo, una pieza magistral de Brahms, nos enfatizó el altísimo nivel musical que Alfredo Perl ha alcanzado durante estos años.
En la segunda parte escuchamos la Sinfonía Número 5 de P. I. Tchaikowsky. La versión del maestro Doggenweiler destaca de manera notoria los soli de maderas y bronces, relegando a un plano secundario el trabajo de las cuerdas. En los tutti echamos de menos más volumen orquestal, especialmente cuerdas, para equilibrar la sonoridad de los instrumentos de viento. Las dinámicas logradas, en especial hacia los menores volúmenes permitieron distinguir líneas melódicas claves de la partitura.
Contando todo esto me parece que la versión de la sinfonía resultó algo plana, dejando sin explorar innumerables recursos que ofrece para la interpretación. Los cambios de tiempo y en especial aquellos pasajes de romanticismo intenso, no lograron su objetivo de conmover a la audiencia. Las imprecisiones de ataques y de afinación en ciertos casos, jugaron en contra del resultado musical. De todas maneras, sin perder de vista que se trata de una orquesta juvenil en la que sus integrantes no necesariamente son estudiantes de música o serán músicos profesionales, debemos destacar el alto nivel exhibido.
Gracias al los generosos aplausos de los asistentes, la orquesta incluyó como bis el "Malambo" de A. Ginastera, obra llena de ritmo y generosa en la sonoridad, fue el mejor plato final para coronar una excelente presentación del conjunto germano.
Concierto XIV Orquesta Sinfónica de Chile
En primer lugar escuchamos la Sinfonía 1 de Gustavo Becerra. En esta obra llena de colores destaca muy poderosamente el trabajo de las cuerdas. Timbres muy certeros brindan un excelente piso para el desarrollo de los solos instrumentales. Al no ser una obra fácil, dadas las dificultades rítmicas presentadas, podemos observar el buen trabajo de preparación efectuado por el maestro Valdés. Ataques precisos y una lograda línea conductiva dan cuenta de dicho trabajo, logrando una unidad muy interesante.
En segundo lugar escuchamos una Suite del Amor Brujo, de Manuel de Falla. Interesante versión, con un participar aire español dado por la sonoridad y la intensión lograda por la orquesta. Destacan los cambios de tiempo y acentuación, los acelerandos muy precisos y una gama de colores muy bien ejecutados.
En la segunda parte escuchamos la Sinfonía Número 6 de L. V. Beethoven. La "Pastoral" es una de las Sinfonías más llamativas de Beethoven. Podríamos decir que es un primer paso a la música descriptiva y por ello tiene una fluidez especial, tanto en el ritmo cono melódicamente.
En esta versión del maestro Valdés al frente de la Sinfónica de Chile, podemos destacar el logro de una sonoridad amplia, con fuerte base. Tal vez el detalle a analizar es el tempo de la obra. A mi parecer, y tomando en cuenta las siempre pésimas condiciones acústicas del Teatro Baquedano, sentí siempre una clara ansiedad y apuro. Frases sin resolver del todo y la búsqueda de una necesaria calma, tanto en el primer, segundo y quinto movimiento, son elementos importantes que no sentí resueltos en la velada del viernes.
La orquesta, en un excelente nivel, respondió al los requerimientos del maestro. Las maderas se vieron en extremo afiatadas, dejando a los bronces en una situación de desventaja. Cornos y trombones especialmente, dejaban ver una cierta pesadez en sus intervenciones. Las trompetas, en contrario, fueron gran apoyo, livianas y precisas en todo momento. El timbal, certero rítmicamente, mas carente de un mayor comproniso se diluyó en su principal soli del 4 movimiento.
Sólida versión, limpia y emotiva, fue este segundo reencuentro del maestro Valdés con la sinfónica y un público que aplaudió largamente a los intérpretes.
En segundo lugar escuchamos una Suite del Amor Brujo, de Manuel de Falla. Interesante versión, con un participar aire español dado por la sonoridad y la intensión lograda por la orquesta. Destacan los cambios de tiempo y acentuación, los acelerandos muy precisos y una gama de colores muy bien ejecutados.
En la segunda parte escuchamos la Sinfonía Número 6 de L. V. Beethoven. La "Pastoral" es una de las Sinfonías más llamativas de Beethoven. Podríamos decir que es un primer paso a la música descriptiva y por ello tiene una fluidez especial, tanto en el ritmo cono melódicamente.
En esta versión del maestro Valdés al frente de la Sinfónica de Chile, podemos destacar el logro de una sonoridad amplia, con fuerte base. Tal vez el detalle a analizar es el tempo de la obra. A mi parecer, y tomando en cuenta las siempre pésimas condiciones acústicas del Teatro Baquedano, sentí siempre una clara ansiedad y apuro. Frases sin resolver del todo y la búsqueda de una necesaria calma, tanto en el primer, segundo y quinto movimiento, son elementos importantes que no sentí resueltos en la velada del viernes.
La orquesta, en un excelente nivel, respondió al los requerimientos del maestro. Las maderas se vieron en extremo afiatadas, dejando a los bronces en una situación de desventaja. Cornos y trombones especialmente, dejaban ver una cierta pesadez en sus intervenciones. Las trompetas, en contrario, fueron gran apoyo, livianas y precisas en todo momento. El timbal, certero rítmicamente, mas carente de un mayor comproniso se diluyó en su principal soli del 4 movimiento.
Sólida versión, limpia y emotiva, fue este segundo reencuentro del maestro Valdés con la sinfónica y un público que aplaudió largamente a los intérpretes.
jueves, 31 de julio de 2008
X Files 2
Para quienes fuimos seguidores de esta serie en los 90' encontrarnos con esta segunda película es bastante emocionante. El regreso de Mulder y Scully a la pantalla grande trae asociados los recuerdos de una excelente serie de TV y de una historia llena de misterios, conspiraciones y fenómenos paranormales.
En esta cinta nos encontramos ante los dos protagonistas ya maduros, con historias de vida que vamos comprendiendo con el correr de los minutos. Hay sorpresas que no develaremos en este comentario, pero que sin duda para los fanáticos cumplen con el objetivo...
La historia se basa en la desaparición misteriosa de mujeres, sin muchas pistas y sin claridad. Sólo se sabe de un sacerdote con un oscuro pasado de pedofilia que dice ser capaz de ver visiones y de colaborar con las búsquedas. Esta es la base para que el FBI llame a Mulder, ya retirado pero con toda la fama de ser quien podía resolver este tipo de misterios...
Las actuaciones son convincentes. Al parecer los 10 años de la serie no se olvidan. Asimismo, la dirección de Carter logra crear las atmósferas apropiadas para desarrollar el misterio, la búsqueda y las eternas preguntas sin resolver de la trama. Lo arriesgado de Mulder, lo realista de Scully se contraponen en todo momento, generando la tensión propia y característica de ambas personalidades tan distintas que tienen esa magia común... La música colabora con una gran partitura que entrega la base en la generación de climas y acompaña el desarrollo del metraje.
Ficha Técnica
Título original: THE X-FILES 2
Distribuidor: FOX
Género: Ciencia - Ficción
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 104 Min.
Censura: 14
Director: Chris Carter.
Elenco: David Duchovny, Gillian Anderson, Adam Godley.
En esta cinta nos encontramos ante los dos protagonistas ya maduros, con historias de vida que vamos comprendiendo con el correr de los minutos. Hay sorpresas que no develaremos en este comentario, pero que sin duda para los fanáticos cumplen con el objetivo...
La historia se basa en la desaparición misteriosa de mujeres, sin muchas pistas y sin claridad. Sólo se sabe de un sacerdote con un oscuro pasado de pedofilia que dice ser capaz de ver visiones y de colaborar con las búsquedas. Esta es la base para que el FBI llame a Mulder, ya retirado pero con toda la fama de ser quien podía resolver este tipo de misterios...
Las actuaciones son convincentes. Al parecer los 10 años de la serie no se olvidan. Asimismo, la dirección de Carter logra crear las atmósferas apropiadas para desarrollar el misterio, la búsqueda y las eternas preguntas sin resolver de la trama. Lo arriesgado de Mulder, lo realista de Scully se contraponen en todo momento, generando la tensión propia y característica de ambas personalidades tan distintas que tienen esa magia común... La música colabora con una gran partitura que entrega la base en la generación de climas y acompaña el desarrollo del metraje.
Ficha Técnica
Título original: THE X-FILES 2
Distribuidor: FOX
Género: Ciencia - Ficción
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 104 Min.
Censura: 14
Director: Chris Carter.
Elenco: David Duchovny, Gillian Anderson, Adam Godley.
Concierto XIII Orquesta Sinfónica de Chile
Bajo la conducción del Maestro Maximiano Valdés la Orquesta Sinfónica de Chile interpretó tres obras sinfónicas muy distintas.
En primer término, escuchamos la Suite Pelleas y Melisande de G. Fauré. Luego de un comienzo dubitativo en la sonoridad especialmente de las cuerdas, la pieza comenzó a tomar forma. Los colores de las diferentes secciones comenzaron a dejarse ver, llevando a una conclusión muy armada y tranquila.
Luego, de H. Dutilleux escuchamos "Métaboles". Una obra muy interesante, experimental, con marcadas secciones rítmicas. Una pieza muy bien escrita, que saca partido a las sonoridades instrumentales, con soli variados y tuttis fuertes y claros.
La orquesta respondió muy bien al desafío, demostrando un entusiasmo vital en la interpretación. Especial mención a la sección de percusión, cuyo protagonismo en la obra fue muy preciso, y de un excelente nivel.
En la segunda parte pudimos escuchar la Sinfonía en Re de C. Franck. Esta compleja sinfonía significó un punto de inflexión magnífico de la orquesta. Con una decisión precisa, pudimos percibir un gran ánimo de conjunto. La sonoridad se desarrolló de manera natural y fluida, alcanzando brillantes momentos como el final del primer movimiento. El trabajo del maestro Valdés dio sus frutos en la fluidez musical de las frases cantabiles y en el exacto ritmo del final. La precisión de los ataques en las maderas, junto a una lograda afinación, lograron el clima apropiado en los momentos requeridos. La sección de bronces, brillante en momentos, también se adaptó precisamente a la sonoridad grupal, sin pasar por encima del resto de los instrumentos. Sólo en algunos pasajes se extrañó alcanzar pianisimos más suaves, más de terciopelo, pero tomando en cuenta las malas condiciones acústicas del Teatro, el trabajo efectuado cobra relevancia.
El concierto del viernes 29 de julio fue un grato reencuentro con la Orquesta Sinfónica de Chile. El nivel ha mejorado sustancialmente y se aprecian las ganas de trabajar de cada uno de los músicos. También fue un reencuentro musical exitoso con Chile del Maestro Valdés luego de la compleja situación vivida en la Orquesta Filarmónica de Santiago años atrás...
En primer término, escuchamos la Suite Pelleas y Melisande de G. Fauré. Luego de un comienzo dubitativo en la sonoridad especialmente de las cuerdas, la pieza comenzó a tomar forma. Los colores de las diferentes secciones comenzaron a dejarse ver, llevando a una conclusión muy armada y tranquila.
Luego, de H. Dutilleux escuchamos "Métaboles". Una obra muy interesante, experimental, con marcadas secciones rítmicas. Una pieza muy bien escrita, que saca partido a las sonoridades instrumentales, con soli variados y tuttis fuertes y claros.
La orquesta respondió muy bien al desafío, demostrando un entusiasmo vital en la interpretación. Especial mención a la sección de percusión, cuyo protagonismo en la obra fue muy preciso, y de un excelente nivel.
En la segunda parte pudimos escuchar la Sinfonía en Re de C. Franck. Esta compleja sinfonía significó un punto de inflexión magnífico de la orquesta. Con una decisión precisa, pudimos percibir un gran ánimo de conjunto. La sonoridad se desarrolló de manera natural y fluida, alcanzando brillantes momentos como el final del primer movimiento. El trabajo del maestro Valdés dio sus frutos en la fluidez musical de las frases cantabiles y en el exacto ritmo del final. La precisión de los ataques en las maderas, junto a una lograda afinación, lograron el clima apropiado en los momentos requeridos. La sección de bronces, brillante en momentos, también se adaptó precisamente a la sonoridad grupal, sin pasar por encima del resto de los instrumentos. Sólo en algunos pasajes se extrañó alcanzar pianisimos más suaves, más de terciopelo, pero tomando en cuenta las malas condiciones acústicas del Teatro, el trabajo efectuado cobra relevancia.
El concierto del viernes 29 de julio fue un grato reencuentro con la Orquesta Sinfónica de Chile. El nivel ha mejorado sustancialmente y se aprecian las ganas de trabajar de cada uno de los músicos. También fue un reencuentro musical exitoso con Chile del Maestro Valdés luego de la compleja situación vivida en la Orquesta Filarmónica de Santiago años atrás...
jueves, 24 de julio de 2008
Wall-E
Esta nueva entrega de PIXAR se trata de un producto especial. Tras una inocente y tal vez sencilla trama se esconde un gran fondo. Un manera especial de hacer una gran crítica a nuestro mundo moderno, más allá de los Supersónicos de antaño.
Wall e es un robot. Pero un robot especial, casi humano podríamos decir. Vive de recuerdos y de pequeñas acciones. Lleva 700 años limpiando la tierra, ensuciada a más no poder por los humanos que han abandonado el planeta, haciendo cuadrados de basura que apila sin cesar, en grandes rascacielos desechables.
La vida de Wall e es rutinaria. Siempre lo mismo, el trabajo, su pequeña habitación - garaje, y un gran amigo, una especie de bicho inmortal que lo acompaña a todos lados... única forma de vida que se deja conocer en la tierra en esos momentos.
Todo esto transcurre hasta la llegada de una gran nave espacial desde donde desciende un robot blanco, con forma de huevo que viene a inspeccionar todo y le dispara a todo lo que se mueve. Wall e intenta establecer relación con el robot y finalmente, con acciones totalmente humanas lo logra. El robot es ella, y ella es Eva. Su misión es encontrar signos de vida en el planeta. El descubrimiento de una planta da el vamos al resto de la historia. Eva se congela para resguardar dicho elemento y Wall e trata por todas las formas de que vuelva en si... la protege, la cuida, la espera...
Al recoger a Eva, la nave espacial se lleva también a Wall e en su desesperado intento por retenerla y comienza la segunda parte explicativa del film dentro de un crucero interestelar repleto de humanos-androides, controlados por realidad virtual, sin interacción entre ellos y guiados por un capitán bonachón.
En el fondo, un relato animado sin casi diálogos, una historia en movimiento y un llamado a gritos a cuidar nuestro planeta, nuestra forma de comunicarnos, la invasión de la tecnología. Quiere decirnos tal vez que aún estamos a tiempo para acoger las demandas en ese sentido: no perder lo humano que tenemos en cada pequeña acción lo que un sencillo robot, programado para limpiar nuestra peor parte nos viene a enseñar de la mano de una ternura infinita.
Ficha Técnica
Título original: Wall-E
Distribuidor: Andes Films
Género: Animación/ Aventuras
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 110 Min.
Censura: TE
Director: Andrew Stanton
Wall e es un robot. Pero un robot especial, casi humano podríamos decir. Vive de recuerdos y de pequeñas acciones. Lleva 700 años limpiando la tierra, ensuciada a más no poder por los humanos que han abandonado el planeta, haciendo cuadrados de basura que apila sin cesar, en grandes rascacielos desechables.
La vida de Wall e es rutinaria. Siempre lo mismo, el trabajo, su pequeña habitación - garaje, y un gran amigo, una especie de bicho inmortal que lo acompaña a todos lados... única forma de vida que se deja conocer en la tierra en esos momentos.
Todo esto transcurre hasta la llegada de una gran nave espacial desde donde desciende un robot blanco, con forma de huevo que viene a inspeccionar todo y le dispara a todo lo que se mueve. Wall e intenta establecer relación con el robot y finalmente, con acciones totalmente humanas lo logra. El robot es ella, y ella es Eva. Su misión es encontrar signos de vida en el planeta. El descubrimiento de una planta da el vamos al resto de la historia. Eva se congela para resguardar dicho elemento y Wall e trata por todas las formas de que vuelva en si... la protege, la cuida, la espera...
Al recoger a Eva, la nave espacial se lleva también a Wall e en su desesperado intento por retenerla y comienza la segunda parte explicativa del film dentro de un crucero interestelar repleto de humanos-androides, controlados por realidad virtual, sin interacción entre ellos y guiados por un capitán bonachón.
En el fondo, un relato animado sin casi diálogos, una historia en movimiento y un llamado a gritos a cuidar nuestro planeta, nuestra forma de comunicarnos, la invasión de la tecnología. Quiere decirnos tal vez que aún estamos a tiempo para acoger las demandas en ese sentido: no perder lo humano que tenemos en cada pequeña acción lo que un sencillo robot, programado para limpiar nuestra peor parte nos viene a enseñar de la mano de una ternura infinita.
Ficha Técnica
Título original: Wall-E
Distribuidor: Andes Films
Género: Animación/ Aventuras
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 110 Min.
Censura: TE
Director: Andrew Stanton
Batman: La noche oscura
Sobre este film hay mucho que escribir. Primero que nada se trata de una excelente película del hombre murciélago, con una historia llena de intrigas y con los condimentos propios del desarrollo de ficción presentada en la serie.
Al comenzar a analizar por partes se hace necesario ir deteniéndose en varios temas. El primero, y tal vez más relevante dada la marcada conmoción producida por su prematura muerte, es la actuación de Heath Ledger... Es simplemente magistral. Crea un personaje nunca antes visto en las sagas anteriores, con una personalidad tan propia y marcada que quedará como un gran registro de actuación. Sin más, se roba todo, incluso la película... Profundizando un poco más en el personaje del Guasón, vemos a un hombvre marcado por la vida, por sus padres, con una necesidad de reconocimiento que lo lleva a realizar inteligentes y calculadas acciones para cometer los ilícitos más impensados... Esa cuota de humor negro del Guasón en cada uno de sus actos, la forma de hablar, de gesticular y de comportarse ante la vida nos dan los elementos completos de un gran personaje: malo como el que más, pero un gran personaje.
Por la vereda opuesta está Batman, un sólido Christian Bale . Y es un Batman muy distinto a los anteriores. Los conflictos emocionales y los cuestionamientos propios de la edad enfrentan a Bruce ya Batman en una lucha sin cuartel. Ya no quiere ser el héroe, se siente atado al héroe o bien quiere dejarlo atrás? La vocación de servicio es tal vez mayor pero sin duda se contrapone con la gran oposición de la amada(Rachel Dawes - Maggie Gyllenhaal - y allí se encuentra el conflicto interior. Además, la ciudad Gótica no es la misma. El crimen avanza, las mafias se consolidad, sin embargo un joven procurador, Harvey Dent, interpretado por Aaron Eckhart, se les enfrenta con fuerza y decisión y parece ser que es el relevo que Batman necesita. La policía no puede sola, y la conjunción es cada vez menor. Hay pseudos Batman por doquier y ello va minando la autoestima del héroe y acentuando el conflicto interior.
En estas condiciones es que se da el enfrentamiento del Guasón con Batman... El cuarteto central que incluye también a Harvey y Rachel, es donde se desarrolla la acción principal. Se llega a esto por la campaña de la ciudad en contra de la mafia, que se ve atada de manos y desesperadamente cae en las redes del Guasón para recuperar el dinero y el poder perdido.
El relato, sin embargo, se da tiempo para contarse desde la perspectiva de los personajes. El idealismo de Harvey y su particular forma de cambiar el mundo; el amor confuso de Rachel por Bruce y Harvey; la soledad inmensa del Guasón y su lucha para ser alguien reconocido y la indecisión, confusión y desorientación de Batman. Todo esto confluye de manera magistral en un todo que da vida y ritmo a la película de principio a fin.
La dirección de Christopher Nolan es brillante. Los movimientos de cámara circular en centros de tensión, la secuencia de seguimiento de la acción en movimiento, los primeros planos de los personajes, la construcción de los ambientes, etc... son manejados a la perfección, sólo saltados por algunos saltos de edición que cortan ciertas secuencias en momentos poco afortunados...
La música, encargada a dos monstruos, James Newton Howard y Hans Zimmer permite lo que siempre se busca: provocar, acompañar y crear emociones, tensiones y salidas que enriquecen el relato actoral y visual.
La película es intensa, violenta y ácida en muchos momentos. Escenas de antología es la llegada del Guasón a la fiesta y la intimidación a Rachel y el interrogatorio de Batman al Guasón en la celda de la cárcel.
Momentos muy logrados, tensos y excelentemente resueltos que provocan puntos altos en la trama.
En síntesis podemos hablar de un excelente film. Esperado por muchos, mediáticamente muy difundido por la trágica muerte de Ledger y por cierto por su gran calidad reconocida por la crítica, y muy sólido en la construcción global del cine.
Ficha Técnica
Titulo Original: The Dark Night
Dirección: Christopher Nolan
País: USA
Año: 2008
Género: Acción/ Drama
Elenco: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Heath Ledger (El Guasón), Michael Cane (Alfred), Aaron Eckhart (Harvey Dent/ Dos Caras), Gary Oldman (Comisario Gordon), Maggie Gyllenhaal (Rachel Dawes), Morgan Freeman (Lucius Fox), Cillian Murphy (Dr. Jonathan Crane)
Guión: Christopher Notan y Jonathan Nolan
Duración: 157 Min
Calificación: 14
Distribuidor: Warner
Al comenzar a analizar por partes se hace necesario ir deteniéndose en varios temas. El primero, y tal vez más relevante dada la marcada conmoción producida por su prematura muerte, es la actuación de Heath Ledger... Es simplemente magistral. Crea un personaje nunca antes visto en las sagas anteriores, con una personalidad tan propia y marcada que quedará como un gran registro de actuación. Sin más, se roba todo, incluso la película... Profundizando un poco más en el personaje del Guasón, vemos a un hombvre marcado por la vida, por sus padres, con una necesidad de reconocimiento que lo lleva a realizar inteligentes y calculadas acciones para cometer los ilícitos más impensados... Esa cuota de humor negro del Guasón en cada uno de sus actos, la forma de hablar, de gesticular y de comportarse ante la vida nos dan los elementos completos de un gran personaje: malo como el que más, pero un gran personaje.
Por la vereda opuesta está Batman, un sólido Christian Bale . Y es un Batman muy distinto a los anteriores. Los conflictos emocionales y los cuestionamientos propios de la edad enfrentan a Bruce ya Batman en una lucha sin cuartel. Ya no quiere ser el héroe, se siente atado al héroe o bien quiere dejarlo atrás? La vocación de servicio es tal vez mayor pero sin duda se contrapone con la gran oposición de la amada(Rachel Dawes - Maggie Gyllenhaal - y allí se encuentra el conflicto interior. Además, la ciudad Gótica no es la misma. El crimen avanza, las mafias se consolidad, sin embargo un joven procurador, Harvey Dent, interpretado por Aaron Eckhart, se les enfrenta con fuerza y decisión y parece ser que es el relevo que Batman necesita. La policía no puede sola, y la conjunción es cada vez menor. Hay pseudos Batman por doquier y ello va minando la autoestima del héroe y acentuando el conflicto interior.
En estas condiciones es que se da el enfrentamiento del Guasón con Batman... El cuarteto central que incluye también a Harvey y Rachel, es donde se desarrolla la acción principal. Se llega a esto por la campaña de la ciudad en contra de la mafia, que se ve atada de manos y desesperadamente cae en las redes del Guasón para recuperar el dinero y el poder perdido.
El relato, sin embargo, se da tiempo para contarse desde la perspectiva de los personajes. El idealismo de Harvey y su particular forma de cambiar el mundo; el amor confuso de Rachel por Bruce y Harvey; la soledad inmensa del Guasón y su lucha para ser alguien reconocido y la indecisión, confusión y desorientación de Batman. Todo esto confluye de manera magistral en un todo que da vida y ritmo a la película de principio a fin.
La dirección de Christopher Nolan es brillante. Los movimientos de cámara circular en centros de tensión, la secuencia de seguimiento de la acción en movimiento, los primeros planos de los personajes, la construcción de los ambientes, etc... son manejados a la perfección, sólo saltados por algunos saltos de edición que cortan ciertas secuencias en momentos poco afortunados...
La música, encargada a dos monstruos, James Newton Howard y Hans Zimmer permite lo que siempre se busca: provocar, acompañar y crear emociones, tensiones y salidas que enriquecen el relato actoral y visual.
La película es intensa, violenta y ácida en muchos momentos. Escenas de antología es la llegada del Guasón a la fiesta y la intimidación a Rachel y el interrogatorio de Batman al Guasón en la celda de la cárcel.
Momentos muy logrados, tensos y excelentemente resueltos que provocan puntos altos en la trama.
En síntesis podemos hablar de un excelente film. Esperado por muchos, mediáticamente muy difundido por la trágica muerte de Ledger y por cierto por su gran calidad reconocida por la crítica, y muy sólido en la construcción global del cine.
Ficha Técnica
Titulo Original: The Dark Night
Dirección: Christopher Nolan
País: USA
Año: 2008
Género: Acción/ Drama
Elenco: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Heath Ledger (El Guasón), Michael Cane (Alfred), Aaron Eckhart (Harvey Dent/ Dos Caras), Gary Oldman (Comisario Gordon), Maggie Gyllenhaal (Rachel Dawes), Morgan Freeman (Lucius Fox), Cillian Murphy (Dr. Jonathan Crane)
Guión: Christopher Notan y Jonathan Nolan
Duración: 157 Min
Calificación: 14
Distribuidor: Warner
miércoles, 16 de julio de 2008
Sex and the City
Sin haber visto ningún capítulo de la serie de TV llegué a esta película arrastrado por el ánimo de saber de que se trataba esta historia de cuatro mujeres en Nueva York. Y no me decepcioné. Finalmente es una película o una historia de relaciones humanas, de como nos afectan las cosas, de las influencias que tenemos en los otros y de como el mundo nos influye a nosotros.
Los cuatro personajes femeninos representan cuatro estereotipos claros de mujer: la liberal y amante del sexo Samantha Jones, la maniática y ordenada morena Charlotte York, la trabajólica y rígida colorina Miranda Hobbes y la relatora de la historia, Carrie Bradshaw, que juega un papel de émbolo de personalidades, moviéndose entre ser niña, adulta, pareja y escritora.
La historia es claramente un capítulo extendido de la serie. Se presenta la oportunidad en que Carrie se casará con Mr. Big y todo lo que ello da origen. La suntuosa preparación de la boda, el arrepentimiento de última hora y una serie de historias paralelas, dan a la cinta un movimiento más bien televisivo del tratamiento del relato.
Sin embargo es interesante ver como se van desenvolviendo los estereotipos. Por una parte, Samantha ha decidido sentar cabeza y estar sólo con un hombre. Su sufrimiento por esta causa y su nerviosismo no la dejan ser ella y busca desesperadamente su propia identidad. El cumpleaños número 50 marca dicho reencuentro. Por otra parte Miranda, con un matrimonio rutinario y que se cae a pedazos, al saber del engaño de su esposo, lo rechaza de plano y provoca la separación. La perseverancia y humildad del marido insisten en la situación hasta provocar un punto de inflexión sobre el final. Charlotte, quien aparentemente tiene la vida más normal, un buen matrimonio y un buen marido, se encuentra con la sorpresa de un embarazo que no era posible. De hecho ante muchos intentos habían adoptado a una niñita y este nuevo hijo/a viene a revolucionar el mundo idílico en el que se encontraba. Finalmente, Carrie lucha contra si misma y contra la sociedad por un matrimonio formal luego de 10 años de convivencia puertas afuera o dentro con Big.
Las personalidades adquieren un desarrollo notable, y como se relacionan y comparten es muy interesante. Las amigas son fuente de unidad, comparten todo o casi todo y cuando una está en problemas, todas concurren a ayudar. Los malos entendidos abundan pero la amistad se sobrepone a todo y finalmente se comparte lo más importante: la vida.
Ficha Técnica
Título original: Sex and the City
Distribuidor: Fox
Género: Comedia/ Romance
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 150 Min.
Censura: 14
Director: Michael Patrick King
Elenco: Sarah Jessica Parker (Carrie Bradshaw), Kim Cattrall (Samantha Jones) Kristin Davis (Charlotte York), Cynthia Nixon (Miranda Hobbes), Chris Noth (Mr. Big), Jennifer Hudson (Louise), Candice Bergen (Enid Frick), Willie Garson (Stanford Blatch), Lynn Cohen (Magda)
Los cuatro personajes femeninos representan cuatro estereotipos claros de mujer: la liberal y amante del sexo Samantha Jones, la maniática y ordenada morena Charlotte York, la trabajólica y rígida colorina Miranda Hobbes y la relatora de la historia, Carrie Bradshaw, que juega un papel de émbolo de personalidades, moviéndose entre ser niña, adulta, pareja y escritora.
La historia es claramente un capítulo extendido de la serie. Se presenta la oportunidad en que Carrie se casará con Mr. Big y todo lo que ello da origen. La suntuosa preparación de la boda, el arrepentimiento de última hora y una serie de historias paralelas, dan a la cinta un movimiento más bien televisivo del tratamiento del relato.
Sin embargo es interesante ver como se van desenvolviendo los estereotipos. Por una parte, Samantha ha decidido sentar cabeza y estar sólo con un hombre. Su sufrimiento por esta causa y su nerviosismo no la dejan ser ella y busca desesperadamente su propia identidad. El cumpleaños número 50 marca dicho reencuentro. Por otra parte Miranda, con un matrimonio rutinario y que se cae a pedazos, al saber del engaño de su esposo, lo rechaza de plano y provoca la separación. La perseverancia y humildad del marido insisten en la situación hasta provocar un punto de inflexión sobre el final. Charlotte, quien aparentemente tiene la vida más normal, un buen matrimonio y un buen marido, se encuentra con la sorpresa de un embarazo que no era posible. De hecho ante muchos intentos habían adoptado a una niñita y este nuevo hijo/a viene a revolucionar el mundo idílico en el que se encontraba. Finalmente, Carrie lucha contra si misma y contra la sociedad por un matrimonio formal luego de 10 años de convivencia puertas afuera o dentro con Big.
Las personalidades adquieren un desarrollo notable, y como se relacionan y comparten es muy interesante. Las amigas son fuente de unidad, comparten todo o casi todo y cuando una está en problemas, todas concurren a ayudar. Los malos entendidos abundan pero la amistad se sobrepone a todo y finalmente se comparte lo más importante: la vida.
Ficha Técnica
Título original: Sex and the City
Distribuidor: Fox
Género: Comedia/ Romance
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 150 Min.
Censura: 14
Director: Michael Patrick King
Elenco: Sarah Jessica Parker (Carrie Bradshaw), Kim Cattrall (Samantha Jones) Kristin Davis (Charlotte York), Cynthia Nixon (Miranda Hobbes), Chris Noth (Mr. Big), Jennifer Hudson (Louise), Candice Bergen (Enid Frick), Willie Garson (Stanford Blatch), Lynn Cohen (Magda)
Hancock
Esta película de súper héroes se presenta como una parodia sobre el género. Hancock, un poco reconocible Will Smith, es un hombre que tiene súper poderes pero está en franca decadencia. Sus intervenciones en los casos de robos o disturbios dejan una secuela en ocasiones mayor a la resolución del problema y ello tiene a la ciudad muy contrariada sobre su héroe. Más bien, las críticas a su acción son las que ocupan el lugar más importante de los noticieros. Gente común y políticos podría decirse que están contra Hancock.
Así las cosas, la vuelta de tuerca que propone la acción se produce cuando nuestro súper héroe conoce a Ray Embrey al salvarle la vida. Con este encuentro, y con mucha resistencia, Hancock se comienza a dar cuenta de sus verdaderos problemas, de su necesidad de no estar sólo y sentirse discriminado. Este cambio en su personalidad muy lentamente va dando frutos y permite que nuestro personaje recupere, o bien, consiga el lugar que él mismo desea tener en la ciudad. El encuentro con la Sra. de Ray, Mary, agrega una cuota más de imaginación a la historia, y junto con ello un desarrollo emocional intenso sobre los orígenes de esta rara especie y los súper poderes.
La acción es sorprendente y los efectos especiales muy logrados. Los súper poderes del protagonista asustan. Vuela rapidísimo, le rebotan las balas y tiene una fuerza increíble, lo que lo hace realmente invencible. Los daños a la ciudad, edificios y carreteras provocados por el héroe son cuantiosos en cada intervención y esa destrucción está muy bien filmada.
La película, ciertamente muy liviana en su trama, tiene un fondo interesante. Explora la soledad de una persona que se sabe distinta y por ello marginada. Por otra parte, desarrolla la posibilidad de cambio que tienen las personas, no para ser aceptadas por otros, sino para aceptarse a si mismos. Esto impulsado por terceros que suelen ser una especie de personal training emocional, asesores de imagen o de marketing, que trabajando codo a codo y con el ánimo de cambiar al mundo, logran el resultado final. La redención y el encuentro personal salvan a Hancock, y con ello entregan su mensaje final.
Ficha Técnica
Título original: Hancock
Distribuidor: Andes Films
Género: Comedia/ Acción
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 92 Min.
Censura: TE+7
Director: Peter Berg
Elenco: Will Smith (John Hancock), Charlize Theron (Mary Embrey), Jason Bateman (Ray Embrey), Jae Head (Aaron Embrey), Eddie Marsan (Red), David Matthey (Man Mountain); Thomas Lennon (Mike), Maetrix Fitten (Matrix)
Así las cosas, la vuelta de tuerca que propone la acción se produce cuando nuestro súper héroe conoce a Ray Embrey al salvarle la vida. Con este encuentro, y con mucha resistencia, Hancock se comienza a dar cuenta de sus verdaderos problemas, de su necesidad de no estar sólo y sentirse discriminado. Este cambio en su personalidad muy lentamente va dando frutos y permite que nuestro personaje recupere, o bien, consiga el lugar que él mismo desea tener en la ciudad. El encuentro con la Sra. de Ray, Mary, agrega una cuota más de imaginación a la historia, y junto con ello un desarrollo emocional intenso sobre los orígenes de esta rara especie y los súper poderes.
La acción es sorprendente y los efectos especiales muy logrados. Los súper poderes del protagonista asustan. Vuela rapidísimo, le rebotan las balas y tiene una fuerza increíble, lo que lo hace realmente invencible. Los daños a la ciudad, edificios y carreteras provocados por el héroe son cuantiosos en cada intervención y esa destrucción está muy bien filmada.
La película, ciertamente muy liviana en su trama, tiene un fondo interesante. Explora la soledad de una persona que se sabe distinta y por ello marginada. Por otra parte, desarrolla la posibilidad de cambio que tienen las personas, no para ser aceptadas por otros, sino para aceptarse a si mismos. Esto impulsado por terceros que suelen ser una especie de personal training emocional, asesores de imagen o de marketing, que trabajando codo a codo y con el ánimo de cambiar al mundo, logran el resultado final. La redención y el encuentro personal salvan a Hancock, y con ello entregan su mensaje final.
Ficha Técnica
Título original: Hancock
Distribuidor: Andes Films
Género: Comedia/ Acción
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 92 Min.
Censura: TE+7
Director: Peter Berg
Elenco: Will Smith (John Hancock), Charlize Theron (Mary Embrey), Jason Bateman (Ray Embrey), Jae Head (Aaron Embrey), Eddie Marsan (Red), David Matthey (Man Mountain); Thomas Lennon (Mike), Maetrix Fitten (Matrix)
miércoles, 2 de julio de 2008
El fin de los tiempos ( The happening )
Este film, originalmente titulado "The happening" ( el suceso o el incidente ) nos presenta un cine sólido de la mano de su director, M. Night Shyamalan.
Vamos por parte. El comienzo del film tiene una lograda carga inesperada, fuerte y concreta. Algo hace que las personas comiencen a atentar en contra de si mismos. Esta secuencia, demoledora y casi paralizante da comienzo a una serie de cadenas que no tienen claro el punto de destino.
Desde el punto de vista general, podríamos estar en presencia de una película minimalista, es decir, partiendo desde una gran diversidad y amplitud, finalmente se centra en la lucha por sobrevivir de tres personas: Elliot Moore ( Mark Wahlberg ), Alma Moore ( Zooey Deschanel ), y Jess ( Ashlyn Sanchez ). Varios detalles expuestos muestran grandes problemas de fondo. Una crisis social y humana se describe en la reacción de las personas que tratan de salvarse individualmente de la amenaza sin importar a que precio y sin considerar a otros. La individualidad y problemas de la pareja protagonista refleja la crisis matrimonial en torno a la vida, los hijos y las decisiones sobre el futuro de una sociedad que presiona en cada momento por el éxito profesional y personal.
La gran crisis demostrada en el film es la ambiental. Tomando como posible causa del fenómeno a las plantas ( en genérico ) hace una crítica fuerte a la intervención del hombre en la naturaleza y describe la teoría que son las plantas las que se defienden. Al pasar por ideas sobre ataques tóxicos, actos terroristas, etc... esta teoría de la defensa de las plantas cobra vital importancia con el correr del relato. Incluso, al ser analizado el fenómeno por los medios de comunicación masivos se hace alusión al desconocimiento imperante sobre las reacciones o posibles causas y son los científicos los llamados a responder algo sin respuesta. En este caso, los medios no ayudan a la población. Sólo confunden más...
Como un desenlace inesperado se puede rescatar la gran virtud propia de la humanidad: el amor. Aparentemente el suceso finaliza tan de improviso como partió gracias al amor o a la esperanza. Sin embargo no está todo dicho ni arreglado, por tanto es un desafío entregado ex profeso.
Técnicamente el relato es convincente, algo lento sobre el tercer tercio, sin afectar el mensaje que suponemos nos ha querido entregar su director. Las actuaciones, si bien no brillantes, permiten entregarse a la historia ( histeria ) que va provocando con el correr de los minutos. Un manejo de cámaras impecable, con planos de excelencia, es acompañados por una partitura llena de colores y sensaciones, transmitiendo en todo momento una inquietud, una sombre de terror que se plantea al espectador y se resume con una pregunta: que haríamos en un caso similar?
Ficha Técnica
Título original: The Happening
Distribuidor: Fox
Género: Thriller sobrenatural
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 90 Min.
Censura: 14
Director: M. Night Shyamalan
Elenco: Mark Wahlberg (Elliot Moore), Zooey Deschanel (Alma Moore), John Leguizamo (Julian), Ashlyn Sanchez (Jess), Betty BUckely (Mrs. Jones), M. Night Shyamalan (Joey), Spencer Breslin (Josh).
Vamos por parte. El comienzo del film tiene una lograda carga inesperada, fuerte y concreta. Algo hace que las personas comiencen a atentar en contra de si mismos. Esta secuencia, demoledora y casi paralizante da comienzo a una serie de cadenas que no tienen claro el punto de destino.
Desde el punto de vista general, podríamos estar en presencia de una película minimalista, es decir, partiendo desde una gran diversidad y amplitud, finalmente se centra en la lucha por sobrevivir de tres personas: Elliot Moore ( Mark Wahlberg ), Alma Moore ( Zooey Deschanel ), y Jess ( Ashlyn Sanchez ). Varios detalles expuestos muestran grandes problemas de fondo. Una crisis social y humana se describe en la reacción de las personas que tratan de salvarse individualmente de la amenaza sin importar a que precio y sin considerar a otros. La individualidad y problemas de la pareja protagonista refleja la crisis matrimonial en torno a la vida, los hijos y las decisiones sobre el futuro de una sociedad que presiona en cada momento por el éxito profesional y personal.
La gran crisis demostrada en el film es la ambiental. Tomando como posible causa del fenómeno a las plantas ( en genérico ) hace una crítica fuerte a la intervención del hombre en la naturaleza y describe la teoría que son las plantas las que se defienden. Al pasar por ideas sobre ataques tóxicos, actos terroristas, etc... esta teoría de la defensa de las plantas cobra vital importancia con el correr del relato. Incluso, al ser analizado el fenómeno por los medios de comunicación masivos se hace alusión al desconocimiento imperante sobre las reacciones o posibles causas y son los científicos los llamados a responder algo sin respuesta. En este caso, los medios no ayudan a la población. Sólo confunden más...
Como un desenlace inesperado se puede rescatar la gran virtud propia de la humanidad: el amor. Aparentemente el suceso finaliza tan de improviso como partió gracias al amor o a la esperanza. Sin embargo no está todo dicho ni arreglado, por tanto es un desafío entregado ex profeso.
Técnicamente el relato es convincente, algo lento sobre el tercer tercio, sin afectar el mensaje que suponemos nos ha querido entregar su director. Las actuaciones, si bien no brillantes, permiten entregarse a la historia ( histeria ) que va provocando con el correr de los minutos. Un manejo de cámaras impecable, con planos de excelencia, es acompañados por una partitura llena de colores y sensaciones, transmitiendo en todo momento una inquietud, una sombre de terror que se plantea al espectador y se resume con una pregunta: que haríamos en un caso similar?
Ficha Técnica
Título original: The Happening
Distribuidor: Fox
Género: Thriller sobrenatural
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 90 Min.
Censura: 14
Director: M. Night Shyamalan
Elenco: Mark Wahlberg (Elliot Moore), Zooey Deschanel (Alma Moore), John Leguizamo (Julian), Ashlyn Sanchez (Jess), Betty BUckely (Mrs. Jones), M. Night Shyamalan (Joey), Spencer Breslin (Josh).
lunes, 30 de junio de 2008
Súper Agente 86
Esta parodia sobre agentes secretos sin duda llega más a los seguidores de la serie de tv que a un público sin dicha historia.
Aún así se explica y permite disfrutarla como lo que es, una película jocosa sin mayores pretensiones.
La presentación de los personajes y la historia en si fluyen animadamente y los gags funcionan en la medida que avanza el film.
Interesante, algo repetitivo tal vez, la cantidad de citas a la guerra fría - algo lógico de la época de la serie televisiva - y por cierto la superación de dicha era con bromas referidas indudablemente al capitalismo que se ha abierto paso en Rusia.
La secuencia de la trama incluye un fondo especial: el como se va gestando la relación de trabajo entre dos agentes muy distintos, una de campo, del día a día con Anne Hathaway como la Agente 99 y otro de oficina, analítico y apegado a la teoría con Steve Carell interpretando al agente Maxwell Smart. Además de ello se realza la relación afectiva que va naciendo entre una bella y exitosa mujer y un nerd de primera generación.
Los diálogos entre los personajes, disfrazados de banal superficialidad, dan cuenta de esteteotipos de personalidad claves en las relaciones interpersonales. Ejemplo de esto es la caricatura del agente 23 y la de los científicos inventores que trabajan en control que deja de manifiesto está lucha soterrada entre dos mundos tan distintos pero complementarios. Asimismo, esta parodia de los servicios secretos toca también al Presidente de los Estados Unidos, con claras y directas alusiones sobre la capacidad y su real compromiso.
Sin profundizar mayormente, la lealtad, la traición y la confianza, son valores que se rozan tangencialmente, reafirmando la siempre deseable integridad de las personas encargadas de los servicios secretos.
Ficha Técnica
Título original: Get Smart
Distribuidor: Warner Bros
Género: Comedia
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 115 Min.
Censura: TE
Director: Peter Segal
Elenco: Steve Carell (Maxwell Smart), Anne Hathaway (Agente 99), Dwayne Johnson (Agente 23), Alan Arkin (El Jefe), Terence Stamp (Siegfried).
Aún así se explica y permite disfrutarla como lo que es, una película jocosa sin mayores pretensiones.
La presentación de los personajes y la historia en si fluyen animadamente y los gags funcionan en la medida que avanza el film.
Interesante, algo repetitivo tal vez, la cantidad de citas a la guerra fría - algo lógico de la época de la serie televisiva - y por cierto la superación de dicha era con bromas referidas indudablemente al capitalismo que se ha abierto paso en Rusia.
La secuencia de la trama incluye un fondo especial: el como se va gestando la relación de trabajo entre dos agentes muy distintos, una de campo, del día a día con Anne Hathaway como la Agente 99 y otro de oficina, analítico y apegado a la teoría con Steve Carell interpretando al agente Maxwell Smart. Además de ello se realza la relación afectiva que va naciendo entre una bella y exitosa mujer y un nerd de primera generación.
Los diálogos entre los personajes, disfrazados de banal superficialidad, dan cuenta de esteteotipos de personalidad claves en las relaciones interpersonales. Ejemplo de esto es la caricatura del agente 23 y la de los científicos inventores que trabajan en control que deja de manifiesto está lucha soterrada entre dos mundos tan distintos pero complementarios. Asimismo, esta parodia de los servicios secretos toca también al Presidente de los Estados Unidos, con claras y directas alusiones sobre la capacidad y su real compromiso.
Sin profundizar mayormente, la lealtad, la traición y la confianza, son valores que se rozan tangencialmente, reafirmando la siempre deseable integridad de las personas encargadas de los servicios secretos.
Ficha Técnica
Título original: Get Smart
Distribuidor: Warner Bros
Género: Comedia
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 115 Min.
Censura: TE
Director: Peter Segal
Elenco: Steve Carell (Maxwell Smart), Anne Hathaway (Agente 99), Dwayne Johnson (Agente 23), Alan Arkin (El Jefe), Terence Stamp (Siegfried).
lunes, 16 de junio de 2008
21 - Blackjack
21 es una película sobre las habilidades mentales y el juego sumamente interesante. En este caso podemos observar la historia que protagoniza Ben (Jim Sturgess), un joven brillante para los números y de gran habilidad mental, quien se encuentra acosado por la falta de recursos para seguir sus estudios de medicina en Harvard.
Su gran capacidad no le basta para obtener becas y financiar sus estudios a pesar de incluso tener un trabajo part time.
Sin embargo, al estacarse en clase, es invitado a formar parte de un equipo especial que, usando sus capacidades y liderado por su profesor MIcky Rosa (Kevin Spacey), han creado un sistema propio para ganar en el tradicional 21 - Blackjack en casinos de las vegas
La preparación del equipo y su nuevo integrante, la doble vida de Ben - estudiante en la semana y millonario los fines de semana - y la disyuntiva que vive el protagonista al ver dinero fácil comparado con los estudios y un camino arduo, le dan a la trama un fondo importante.
Valores como la amistad y la perseverancia están presentes en los amigos de Ben, típicos greek sesudos y sin demasiado éxito social, quiénes no comprenden que le ha sucedido a su mejor amigo, quien se ha distanciado sin razones claras.
Las lealtades mal entendidas y la ambición detonan en el punto de inflexión del film, lo que permite un desarrollo dramático importante y una solución inesperada de la historia.
Entretenida y dinámica esta película nos muestra un interesante punto de vista en la relación "habilidad - dinero" / " ambición - lealtad".
Ficha Técnica
Título original: 21 Black Jack
Distribuidor: Andes Films
Género: Drama
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 123 Min.
Censura: TE+7
Director: Robert Luketic
Elenco: Kevin Spacey (MIcky Rosa), Jim Sturgess (Ben Campbell), Kate Bosworth (Jill Taylor), Laurence Fishburne (Cole Williams), Liza Lapira (Kanna), Aaron Yoo (Choi).
Su gran capacidad no le basta para obtener becas y financiar sus estudios a pesar de incluso tener un trabajo part time.
Sin embargo, al estacarse en clase, es invitado a formar parte de un equipo especial que, usando sus capacidades y liderado por su profesor MIcky Rosa (Kevin Spacey), han creado un sistema propio para ganar en el tradicional 21 - Blackjack en casinos de las vegas
La preparación del equipo y su nuevo integrante, la doble vida de Ben - estudiante en la semana y millonario los fines de semana - y la disyuntiva que vive el protagonista al ver dinero fácil comparado con los estudios y un camino arduo, le dan a la trama un fondo importante.
Valores como la amistad y la perseverancia están presentes en los amigos de Ben, típicos greek sesudos y sin demasiado éxito social, quiénes no comprenden que le ha sucedido a su mejor amigo, quien se ha distanciado sin razones claras.
Las lealtades mal entendidas y la ambición detonan en el punto de inflexión del film, lo que permite un desarrollo dramático importante y una solución inesperada de la historia.
Entretenida y dinámica esta película nos muestra un interesante punto de vista en la relación "habilidad - dinero" / " ambición - lealtad".
Ficha Técnica
Título original: 21 Black Jack
Distribuidor: Andes Films
Género: Drama
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 123 Min.
Censura: TE+7
Director: Robert Luketic
Elenco: Kevin Spacey (MIcky Rosa), Jim Sturgess (Ben Campbell), Kate Bosworth (Jill Taylor), Laurence Fishburne (Cole Williams), Liza Lapira (Kanna), Aaron Yoo (Choi).
Indiana Jones 4
Indiana Jones vuelve intacto. El coraje y la valentía se mantienen a pesar del paso del tiempo y la edad del protagonista sólo suma experiencia y carisma. En esta entrega, Spielberg se juega por una trama politica intrincada, y por hechos sobrenaturales difíciles de explicar. Es tal vez esta mezcla la que seduce en la narración y linealmente funciona, sobretodo si es la acción la que se espera.
Jones - un Harrison Ford sólido y creíble - se enfrenta a una búsqueda colosal de un supuesto mito, llevado por las investigaciones de un gran amigo y profesor: la calavera de cristal. En esta misión es acompañado por un joven - Shia LaBeouf - que se roba la película y que cobra importancia creciente a lo largo del film como el hijo de Indiana y por la madre del joven.
Los efectos especiales, las escenas de acción y especialmente la música se encuentran muy bien logradas. Si bien la trama de fondo es simple, la película fluye y entretiene, logrando que este esperado regreso supere la prueba del tiempo
Ficha Técnica
Título original: Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull
Distribuidor: United Internatinal Pictures
Género: Aventura
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 130 Min.
Censura: TE
Director: Steven Spielberg
Elenco: Harrison Ford, Shia LaBeouf
Jones - un Harrison Ford sólido y creíble - se enfrenta a una búsqueda colosal de un supuesto mito, llevado por las investigaciones de un gran amigo y profesor: la calavera de cristal. En esta misión es acompañado por un joven - Shia LaBeouf - que se roba la película y que cobra importancia creciente a lo largo del film como el hijo de Indiana y por la madre del joven.
Los efectos especiales, las escenas de acción y especialmente la música se encuentran muy bien logradas. Si bien la trama de fondo es simple, la película fluye y entretiene, logrando que este esperado regreso supere la prueba del tiempo
Ficha Técnica
Título original: Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull
Distribuidor: United Internatinal Pictures
Género: Aventura
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 130 Min.
Censura: TE
Director: Steven Spielberg
Elenco: Harrison Ford, Shia LaBeouf
jueves, 29 de mayo de 2008
El Orfanato
El desarrollo de esta sorprendente película está guiado por una gran metáfora sobre la vida y la muerte. Especialmente, sobre esta última, en la que recae toda la tensión dramática del relato.
La historia no es simple. Imágenes de un orfanato dan comienzo a la cinta, y sin más han pasado varios años. Laura - Belén Rueda - vivió en dicho orfanato cuando pequeña, y pasados los años junto a su marido Carlos y su hijo Simón adquieren el edificio para crear una residencia de niños discapacitados.
Es en este momento que conocemos más a Simón. Este niño es especial: también es adoptado al igual que Laura y es portador de VIH. Su soledad le hace jugar con amigos imaginarios que acompañan su vida. Sin embargo, en esta residencia, el grupo de amigos invisibles aumenta y con ello las historias y juegos para Simón.
La figura enigmática de Benigna - Montserrat Carulla - ensombrece más los acontecimientos, los que se desarrollan entre juegos y fenómenos paranormales asociados a vidas pasadas. La desaparición de Simón durante un evento destinado a dar a conocer el proyecto de residencia viene a poner el punto de inflexión, llevando a la desesperación a Laura y Carlos en la búsqueda de su hijo.
Los personajes de Aurora - Geraldine Chaplin - y Balabán - Edgar Vivar - dan un marco misterioso en su ayuda al matrimonio, lo que finalmente lleva a la máxima tensión del film.
Lo más sorprendente es la capacidad del director - Juan Antonio Bayona - de relatar una historia llena de símbolos y metáforas y unirlas en torno a la vida. Sorprende también el uso de cámaras y movimientos que permiten centrarse en los personajes y compartir con ellos sus emociones y sensaciones. Tema aparte es la fotografía, de gran calidad, con parajes hermosos y locaciones muy apropiadas para dar forma a esta excelente película.
-Ficha Técnica
Título original: El Orfanato
Distribuidor: CDI Films
Género: Thriller sobrenatural
Origen: España
Año: 2007
Duración: 105 Min.
Censura: 14
Director: Juan Antonio Bayona
Elenco: Belén Rueda (Laura), Fernando Cayo (Carlos), Roger Príncep (Simón), Geraldine Chaplin (Aurora), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna), Edgar Vivar (Balabán)
La historia no es simple. Imágenes de un orfanato dan comienzo a la cinta, y sin más han pasado varios años. Laura - Belén Rueda - vivió en dicho orfanato cuando pequeña, y pasados los años junto a su marido Carlos y su hijo Simón adquieren el edificio para crear una residencia de niños discapacitados.
Es en este momento que conocemos más a Simón. Este niño es especial: también es adoptado al igual que Laura y es portador de VIH. Su soledad le hace jugar con amigos imaginarios que acompañan su vida. Sin embargo, en esta residencia, el grupo de amigos invisibles aumenta y con ello las historias y juegos para Simón.
La figura enigmática de Benigna - Montserrat Carulla - ensombrece más los acontecimientos, los que se desarrollan entre juegos y fenómenos paranormales asociados a vidas pasadas. La desaparición de Simón durante un evento destinado a dar a conocer el proyecto de residencia viene a poner el punto de inflexión, llevando a la desesperación a Laura y Carlos en la búsqueda de su hijo.
Los personajes de Aurora - Geraldine Chaplin - y Balabán - Edgar Vivar - dan un marco misterioso en su ayuda al matrimonio, lo que finalmente lleva a la máxima tensión del film.
Lo más sorprendente es la capacidad del director - Juan Antonio Bayona - de relatar una historia llena de símbolos y metáforas y unirlas en torno a la vida. Sorprende también el uso de cámaras y movimientos que permiten centrarse en los personajes y compartir con ellos sus emociones y sensaciones. Tema aparte es la fotografía, de gran calidad, con parajes hermosos y locaciones muy apropiadas para dar forma a esta excelente película.
-Ficha Técnica
Título original: El Orfanato
Distribuidor: CDI Films
Género: Thriller sobrenatural
Origen: España
Año: 2007
Duración: 105 Min.
Censura: 14
Director: Juan Antonio Bayona
Elenco: Belén Rueda (Laura), Fernando Cayo (Carlos), Roger Príncep (Simón), Geraldine Chaplin (Aurora), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna), Edgar Vivar (Balabán)
martes, 27 de mayo de 2008
Iron Man
Esta entretenida cinta sobre el famoso "Hombre de Hierro" nos brinda una perspectiva bastante interesante sobre la actividad empresarial, el enriquecimiento y el producto que se elabora para tales fines.
En este caso, Tony Stark - interpretado sin titubeo y magistralmente por Robert Downey Jr -es un empresario que ha heredado el negocio de su padre y a muy temprana edad, con coeficientes cercanos a genio, se ha hecho cargo del mismo: la fabricación de armas de destrucción. Gracias a esta empresa su dinero es cuantioso y no duda en vivir una vida de playboy famoso sin restricciones.
Su conciencia cambia debido a un incidente en Afganistán en donde mostraba sus últimos juguetes. Allí es emboscado, tomado prisionero y obligado a reconstruir uno de sus últimos inventos mortales. Este hecho cambia la vida de Stark. Toma conciencia del valor de la vida - a raíz de su cautiverio y del problema cardiaco que se le ha presentado - y decide dar un giro. Luego de liberarse con gran ingenio inventando una estructura protectora a la vez de ser un arma mortal, Stark es rescatado y devuelto a USA con honores. En sus palabras iniciales decide que no fabricará más armas de guerra.
Junto con ello nacen sus nuevos problemas: su socio en el negocio no está de acuerdo y la soledad de Stark se hace cada vez más latente, teniendo sólo como pilar a su brillante secretaria personal - Virginia Potts, interpretada sólidamente por Gwyneth Paltrow -quien cumple el rol de sostener afectivamente toda la historia.
La disyuntiva a la que el protagonista se ve enfrentado es un mensaje claro y preciso sobre el fin y los medios. Los valores trastocados, el abuso y el comercio de armas - y vidas humanas - son los temas de fondo que se traslucen en la cinta.
La dirección de Jon Favreau es dinámica. El film fluye, tiene momentos de acción muy marcados y bien resueltos y da esas necesarias pausas graciosas que alivianan una historia llena de contrastes.
Palabras aparte para los sueños tecnológicos expuestos en la cinta. Computadores asistentes y que toman decisiones, construcciones robotizadas en base a modelos holográficos y un sin fin de elementos de inteligencia artificial dan la base para una construcción pensada y seria de un prototipo de estructura que perfectamente puede ser realidad en poco tiempo.
Ficha Técnica
Título original: Iron Man
Distribuidor: United International Pictures
Género: Aventuras/ Acción
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 132 Min.
Censura: TE+7
Director: Jon Favreau
Elenco: Robert Downey Jr (Tony Stark/ Iron Man), Gwyneth Paltrow (Virginia Potts), Jeff Bridges (Obadiah Stane/ Iron Monger), Terrence Howard (Jim Rhodes), Samuel L. Jackson (Nick Fury), Leslie Bibb (Christine Everhart).
En este caso, Tony Stark - interpretado sin titubeo y magistralmente por Robert Downey Jr -es un empresario que ha heredado el negocio de su padre y a muy temprana edad, con coeficientes cercanos a genio, se ha hecho cargo del mismo: la fabricación de armas de destrucción. Gracias a esta empresa su dinero es cuantioso y no duda en vivir una vida de playboy famoso sin restricciones.
Su conciencia cambia debido a un incidente en Afganistán en donde mostraba sus últimos juguetes. Allí es emboscado, tomado prisionero y obligado a reconstruir uno de sus últimos inventos mortales. Este hecho cambia la vida de Stark. Toma conciencia del valor de la vida - a raíz de su cautiverio y del problema cardiaco que se le ha presentado - y decide dar un giro. Luego de liberarse con gran ingenio inventando una estructura protectora a la vez de ser un arma mortal, Stark es rescatado y devuelto a USA con honores. En sus palabras iniciales decide que no fabricará más armas de guerra.
Junto con ello nacen sus nuevos problemas: su socio en el negocio no está de acuerdo y la soledad de Stark se hace cada vez más latente, teniendo sólo como pilar a su brillante secretaria personal - Virginia Potts, interpretada sólidamente por Gwyneth Paltrow -quien cumple el rol de sostener afectivamente toda la historia.
La disyuntiva a la que el protagonista se ve enfrentado es un mensaje claro y preciso sobre el fin y los medios. Los valores trastocados, el abuso y el comercio de armas - y vidas humanas - son los temas de fondo que se traslucen en la cinta.
La dirección de Jon Favreau es dinámica. El film fluye, tiene momentos de acción muy marcados y bien resueltos y da esas necesarias pausas graciosas que alivianan una historia llena de contrastes.
Palabras aparte para los sueños tecnológicos expuestos en la cinta. Computadores asistentes y que toman decisiones, construcciones robotizadas en base a modelos holográficos y un sin fin de elementos de inteligencia artificial dan la base para una construcción pensada y seria de un prototipo de estructura que perfectamente puede ser realidad en poco tiempo.
Ficha Técnica
Título original: Iron Man
Distribuidor: United International Pictures
Género: Aventuras/ Acción
Origen: USA
Año: 2008
Duración: 132 Min.
Censura: TE+7
Director: Jon Favreau
Elenco: Robert Downey Jr (Tony Stark/ Iron Man), Gwyneth Paltrow (Virginia Potts), Jeff Bridges (Obadiah Stane/ Iron Monger), Terrence Howard (Jim Rhodes), Samuel L. Jackson (Nick Fury), Leslie Bibb (Christine Everhart).
jueves, 15 de mayo de 2008
Juego de poder
Esta película es una muy buena síntesis de la década de los 80 en aquella lucha anticomunista llevada a cabo por EEUU. Titulada originalmente como la Guerra de Charlie, la historia es contada a través de Charlie Wilson ( un excelente y sólido Tom Hanks ), congresista norteamericano que, al margen de su vida llena de lujos y excesos, toma para si una causa impulsada por una acaudalada texana llamada Joanne Herring ( Julia Roberts en un papel lleno de misterio y encanto ) Esto no es más que liquidar a los rusos, invasores del pueblo de Afganistán, con todas las posibilidades económicas que entregaba EEUU para la Guerra Fría. El aumento progresivo de los presupuestos de apoyo ( de cinco millones a mil millones de dólares ), los acuerdos políticos cruzados para aprobar dichos aumentos y los distractores para no declarar abierta y públicamente el apoyo al pueblo afgano invadido, son elementos centrales de esta particular guerra.
La presencia de Gust Avrakotos - Philip Seymour Hoffman excepcional - un agente clandestino reclutado para esta causa, introduce la cuota de balance en el trío formado con Hanks y Roberts. Dosis de humor, entregadas desde un personaje simple pero sin embargo fiel retrato del agente encubierto que hace el trabajo sucio mientras los responsables viven en reuniones sociales y encuentros políticos.
El metraje hacia su centro decae en intensidad y en ritmo. Mike Nichols, el director, introduce imágenes de la época, dando un tinte de realidad al film. Sin duda la gran actuación de Tom Hanks, Philip Seymour Hoffman y Julia Roberts sostienen la cinta. Hay química, entendimientos gestuales y una base sólida, lo que permite reflejar ciertamente la vida de esos años.
En resumen una excelente película histórica y política. Señalados como hechos reales, la historia de Charlie cambió al mundo y quizá efectivamente derribó al comunismo soviético desde su posición de diputado estadounidense
Ficha Técnica
Título original: Charlie Wilson’s War
Distribuidor: United International Pictures
Género: Drama
Origen: USA
Año: 2007
Duración: 102 Min.
Censura: 14
Director: Mike Nichols
Elenco: Tom Hanks (Charlie Wilson), Julia Roberts (Joanne Herring), Philip Seymour Hoffman (Gust Avrakotos), Amy Adams (Bonnie Bach), Emily Blunt (Jane Liddle), Brian Markinson (Paul Brown).
La presencia de Gust Avrakotos - Philip Seymour Hoffman excepcional - un agente clandestino reclutado para esta causa, introduce la cuota de balance en el trío formado con Hanks y Roberts. Dosis de humor, entregadas desde un personaje simple pero sin embargo fiel retrato del agente encubierto que hace el trabajo sucio mientras los responsables viven en reuniones sociales y encuentros políticos.
El metraje hacia su centro decae en intensidad y en ritmo. Mike Nichols, el director, introduce imágenes de la época, dando un tinte de realidad al film. Sin duda la gran actuación de Tom Hanks, Philip Seymour Hoffman y Julia Roberts sostienen la cinta. Hay química, entendimientos gestuales y una base sólida, lo que permite reflejar ciertamente la vida de esos años.
En resumen una excelente película histórica y política. Señalados como hechos reales, la historia de Charlie cambió al mundo y quizá efectivamente derribó al comunismo soviético desde su posición de diputado estadounidense
Ficha Técnica
Título original: Charlie Wilson’s War
Distribuidor: United International Pictures
Género: Drama
Origen: USA
Año: 2007
Duración: 102 Min.
Censura: 14
Director: Mike Nichols
Elenco: Tom Hanks (Charlie Wilson), Julia Roberts (Joanne Herring), Philip Seymour Hoffman (Gust Avrakotos), Amy Adams (Bonnie Bach), Emily Blunt (Jane Liddle), Brian Markinson (Paul Brown).
viernes, 25 de abril de 2008
Quinto Concierto Orquesta Filarmónica de Santiago
Este Festival Latinoamericano estuvo integrado por obras del chileno Alfonso Leng, del argentino Alberto Ginastera y del brasilero Heitor Villalobos. La orquesta Filarmonica de Santiago estuvo bajo la batuta de la directora uruguaya-israelí Gisèle Ben-Dor.
Escuchamos en primer lugar el denominado Comentario sinfónico al poema de Pedro Prado, La muerte de Alsino, de Alfonso Leng. Con un tratamiento cuidado y característico de la paleta orquestal, Leng incorpora en esta obra una mayor densidad armónica y de color logrando pasajes muy descriptivos, alusivos al poema. La orquesta, sin brillar, dio cuenta de la partitura correctamente, impulsada por una batuta amable cuyo enfoque principal se sostenía en en legato de cada frase y en la superposicion de cantos y contracantos.
Como segunda obra se interpreto el concierto para arpa y orquesta de Alberto Ginastera. El solista en esta ocasión fue Edik Groenestein-Hendriks. De gran dominio técnico y suave sonido, el solista condujo el diálogo con la orquesta de forma brillante, logrando efectos y colores interesantes, particularmente en el segundo movimiento. La precision rítmica en la orquesta fue un tema sensible. Ataques y fraseos disímiles provocaron alguna descompensacion en algunos pasajes, lo que si bien no opacan el resultado final, no ayudan a una natural fluidez de la obra, ya compleja en su escritura rítmica y armónica. El merecido aplauso final coronó el trabajo de solista y directora y obligó a dos "encores" solos de arpa: Cancion de la noche y Claro de luna, en las que Groenestein-Hendriks pudo mostrar su veta romántica plenamente convincente.
En la segunda parte presenciamos la interpretación de la Bachiana Brasilena No 5 de Heitor Villalobos. Pieza clásica ya, compuesta para soprano y ocho violoncellos, implica un desafío importante en la amalgama sonora. Cada intérprete es tanto solista como parte del conjunto, en una serie de cantos, bases rítmicas, cambios armónicos e imitaciones que dan a la pieza un color particular inigualable. Extrañamos una sincronía mejor entre los cellos, que pudiera dar una base mejor a la excelente interpretación vocal de la soprano Patricia Cifuentes, quien pudo conseguir preciosos momentos llenos de vitalidad y otros llevados al mas íntimo de los planos, con una soltura y gracia de calidad. En cuanto al grupo de cellos, echamos de menos un trabajo mas dedicado a la suma sonora, más que a la individualidad, un sonido más grupal y parejo, entrelazado y con un color similar.
Para finalizar el concierto escuchamos una suite del Ballet Estancias, de Alberto Ginastera. Brillantes piezas componen está selección de concierto, qué vinieron a brindar el broche de oro al cierre de la velada. La cantidad de instrumentos en escena, sumado a ritmos explosivos y una nutrida temática entregada a la sección de metales asegura una recepción incondicional del público. Sin embargo al escuchar con atención pudimos percatarnos de imprecisiones rítmicas importantes y de una cierta repetición de secuencias en las que podríamos haber observado algún giro interesante. La maestra Ben-Dor consiguió gran parte de su objetivo. Las danzas brillaron y el público correspondió con brío la entrega, a pesar de echar de menos un trabajo más fino en el armado general.
Escuchamos en primer lugar el denominado Comentario sinfónico al poema de Pedro Prado, La muerte de Alsino, de Alfonso Leng. Con un tratamiento cuidado y característico de la paleta orquestal, Leng incorpora en esta obra una mayor densidad armónica y de color logrando pasajes muy descriptivos, alusivos al poema. La orquesta, sin brillar, dio cuenta de la partitura correctamente, impulsada por una batuta amable cuyo enfoque principal se sostenía en en legato de cada frase y en la superposicion de cantos y contracantos.
Como segunda obra se interpreto el concierto para arpa y orquesta de Alberto Ginastera. El solista en esta ocasión fue Edik Groenestein-Hendriks. De gran dominio técnico y suave sonido, el solista condujo el diálogo con la orquesta de forma brillante, logrando efectos y colores interesantes, particularmente en el segundo movimiento. La precision rítmica en la orquesta fue un tema sensible. Ataques y fraseos disímiles provocaron alguna descompensacion en algunos pasajes, lo que si bien no opacan el resultado final, no ayudan a una natural fluidez de la obra, ya compleja en su escritura rítmica y armónica. El merecido aplauso final coronó el trabajo de solista y directora y obligó a dos "encores" solos de arpa: Cancion de la noche y Claro de luna, en las que Groenestein-Hendriks pudo mostrar su veta romántica plenamente convincente.
En la segunda parte presenciamos la interpretación de la Bachiana Brasilena No 5 de Heitor Villalobos. Pieza clásica ya, compuesta para soprano y ocho violoncellos, implica un desafío importante en la amalgama sonora. Cada intérprete es tanto solista como parte del conjunto, en una serie de cantos, bases rítmicas, cambios armónicos e imitaciones que dan a la pieza un color particular inigualable. Extrañamos una sincronía mejor entre los cellos, que pudiera dar una base mejor a la excelente interpretación vocal de la soprano Patricia Cifuentes, quien pudo conseguir preciosos momentos llenos de vitalidad y otros llevados al mas íntimo de los planos, con una soltura y gracia de calidad. En cuanto al grupo de cellos, echamos de menos un trabajo mas dedicado a la suma sonora, más que a la individualidad, un sonido más grupal y parejo, entrelazado y con un color similar.
Para finalizar el concierto escuchamos una suite del Ballet Estancias, de Alberto Ginastera. Brillantes piezas componen está selección de concierto, qué vinieron a brindar el broche de oro al cierre de la velada. La cantidad de instrumentos en escena, sumado a ritmos explosivos y una nutrida temática entregada a la sección de metales asegura una recepción incondicional del público. Sin embargo al escuchar con atención pudimos percatarnos de imprecisiones rítmicas importantes y de una cierta repetición de secuencias en las que podríamos haber observado algún giro interesante. La maestra Ben-Dor consiguió gran parte de su objetivo. Las danzas brillaron y el público correspondió con brío la entrega, a pesar de echar de menos un trabajo más fino en el armado general.
martes, 22 de abril de 2008
Les Luthiers: Los premios Mastropiero
Ver a Les Luthiers es un privilegio en cualquier ocasión. Esta vez el escenario fue el Arena Santiago y el espectáculo "Los Premios Mastropiero".
Desde antes se comienza a vivir el show. Uno debe prepararse a disfrutar al menos dos horas de un espectáculo único, lleno de relatos, situaciones y ambientes que sólo este grupo puede lograr. El comienzo no fue fácil. Un problema de audio hizo que varias personas de la galería lo señalaran con gritos, provocando la inmediata reacción de los artistas, quienes en un acto de coraje escénico decidieron acoger la demanda suspendiendo por unos minutos el espectáculo de forma tal de arreglar lo necesario. Agradable lugar para el público resulta ser el Arena Santiago, sin embargo provoca grandes problemas de producción y de audio ( rebotes, distancias y ángulos ) para cualquier espectáculo algo más íntimo que un concierto de rock.
Ya de regreso, retomar el hilo no fue fácil, pero la experiencia y carrete se notan. Pasaron los minutos y la atmósfera ya era la adecuada para cada una de las obras que se iban desarrollando. Que decir del manejo del escenario, de los gestos sutiles percibidos en las pantallas gigantes, del manejo del idioma y de todos los recursos apelados por los maestros con el objetivo de no dejar pausa a carcajada tras carcajada.
Sin duda de los más hilarante de la noche es la introducción de "Juana Isabel", ese dúo mágico de Daniel y Marcos sobre "Ester Psícore" donde hasta nuestra Estación Mapocho salió al ruedo, como una forma de situar el show en Chile.
Brillante a más no poder, el final fuera de programa con una clásica demostración musical de las capacidades del grupo, deja al público satisfecho de presenciar un espectáculo de una calidad inigualable.
Desde antes se comienza a vivir el show. Uno debe prepararse a disfrutar al menos dos horas de un espectáculo único, lleno de relatos, situaciones y ambientes que sólo este grupo puede lograr. El comienzo no fue fácil. Un problema de audio hizo que varias personas de la galería lo señalaran con gritos, provocando la inmediata reacción de los artistas, quienes en un acto de coraje escénico decidieron acoger la demanda suspendiendo por unos minutos el espectáculo de forma tal de arreglar lo necesario. Agradable lugar para el público resulta ser el Arena Santiago, sin embargo provoca grandes problemas de producción y de audio ( rebotes, distancias y ángulos ) para cualquier espectáculo algo más íntimo que un concierto de rock.
Ya de regreso, retomar el hilo no fue fácil, pero la experiencia y carrete se notan. Pasaron los minutos y la atmósfera ya era la adecuada para cada una de las obras que se iban desarrollando. Que decir del manejo del escenario, de los gestos sutiles percibidos en las pantallas gigantes, del manejo del idioma y de todos los recursos apelados por los maestros con el objetivo de no dejar pausa a carcajada tras carcajada.
Sin duda de los más hilarante de la noche es la introducción de "Juana Isabel", ese dúo mágico de Daniel y Marcos sobre "Ester Psícore" donde hasta nuestra Estación Mapocho salió al ruedo, como una forma de situar el show en Chile.
Brillante a más no poder, el final fuera de programa con una clásica demostración musical de las capacidades del grupo, deja al público satisfecho de presenciar un espectáculo de una calidad inigualable.
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