Este film basado en un escrito de Stephen King y es dirigido por MIkael Hafström.
MIke Enslin (John Cusack), es un escritor cuyo oficio es escribir sobre fantasmas y fenómenos paranormales y desacreditarlos uno por uno. Ello fluye bien hasta que da con un extraño caso de un hotel en New York donde en una habitación, la 1408, han sucedido extrañas situaciones con sus moradores: todos se han suicidado. Mlke ha tenido pérdidas en su vida. Su hija falleció hace poco tiempo y se encuentra separado de su esposa, elementos que resultan clave al comenzar la historia en dicho cuarto de hotel.
La película camina bien la primera mitad del metraje. El suspenso se mantiene y el diálogo de Enslin con el gerente del hotel, Gerard Olin, ( Samuel L. Jackson ) es una joya del género...
Luego, como es de prever, se suceden situaciones extrañas en las que nuestro protagonista lucha solo contra algo totalmente desconocido. Sorprende la habilidad del director y del propio Cusak para sostener durante largos minutos una trama natural de un libro de suspenso con muy pocos elementos. A pesar de ello, la segunda mitad del filme decae en intensidad, la que es nuevamente levantada cerca del final presentando una nueva tensión.
Entretenida y con instantes de suspenso muy bien logrados, este film cumple cabalmente con su género.
Ficha técnica
Título original: 1408
Director: Mikael Hafstrom
Reparto: John Cusack, Samuel L. Jackson, Jasmine Jessica Anthony, Christopher Carey, Mary McCormack
Año: 2007
Nacionalidad: USA
jueves, 27 de diciembre de 2007
miércoles, 19 de diciembre de 2007
Michael Clayton
En esta película el director y guionista Tony Gilroy nos introduce en el oscuro mundo legal e ilegal de los bufetes de abogado. Michael Clayton - un George Clooney sólido, convincente y seguro de su personaje - es un elemento útil del grupo. Siempre llamado para el trabajo sucio, aquel que no deja rastros y donde se limpia todo indicio, Michael comprende que su vida se desarrolla en torno a las situaciones más oscuras de la vida.
Todo esto hasta que su amigo Arthur, importante abogado del estudio, se involucra en un caso muy grande y se da cuenta que su cliente más importante es responsable de una intoxicación masiva por un producto de su propiedad. La personalidad de Arthur va variando y todo el mundo lo empieza a considerar un loco. Michael comienza a entender la situación, a atar cabos sueltos y el film avanza hacia un desarrollo complejo de las historias involucradas.
La presentación de la historia es lineal, salvo por comenzar con un punto avanzado, que retrocede a cuatro días antes. Los elementos son presentados en desorden y contribuyen a que la historia se vaya armando y develando en partes, casi como si el espectador fuera un partner del protagonista.
Las actuaciones destacan de sobremanera: Clooney da vida y acentos perfectos a su personaje; Wilkinson muestra la desesperación y la desconfianza que se genera ante los descubrimientos poco adecuado; Tilda Swinton da vida a Karen, una ejecutiva del más alto nivel cuya función es acallar los problemas de cualquier manera; Sydney Pollack interpreta a uno de los socios dueños del bufete - Marty - muy responsable y sereno ante la adversidad. En general, la película se sostiene en gran parte por la dirección de actores y la construcción de los personajes y sus historias.
Un final muy sensible es el resultado de una trama muy lograda y que a pesar de algunos momentos lentos, se sobrepone, e impone un ritmo que finalmente se agradece.
Ficha Técnica
Titulo original: Michael Clayton
Dirección y guión: Tony Gilroy
País: USA
Año: 2007
Género: Drama/ Thriller
Elenco: George Clooney (Michael Clayton), Tom Wilkinson (Arthur Edens), Tilda Swinton (Karen Crowder), Sydney Pollack (Marty Bach), Michael O’Keefe (Barry Grissom), Robert Prescott (Sr.Verne)
Duración: 119 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: BF distribution
Todo esto hasta que su amigo Arthur, importante abogado del estudio, se involucra en un caso muy grande y se da cuenta que su cliente más importante es responsable de una intoxicación masiva por un producto de su propiedad. La personalidad de Arthur va variando y todo el mundo lo empieza a considerar un loco. Michael comienza a entender la situación, a atar cabos sueltos y el film avanza hacia un desarrollo complejo de las historias involucradas.
La presentación de la historia es lineal, salvo por comenzar con un punto avanzado, que retrocede a cuatro días antes. Los elementos son presentados en desorden y contribuyen a que la historia se vaya armando y develando en partes, casi como si el espectador fuera un partner del protagonista.
Las actuaciones destacan de sobremanera: Clooney da vida y acentos perfectos a su personaje; Wilkinson muestra la desesperación y la desconfianza que se genera ante los descubrimientos poco adecuado; Tilda Swinton da vida a Karen, una ejecutiva del más alto nivel cuya función es acallar los problemas de cualquier manera; Sydney Pollack interpreta a uno de los socios dueños del bufete - Marty - muy responsable y sereno ante la adversidad. En general, la película se sostiene en gran parte por la dirección de actores y la construcción de los personajes y sus historias.
Un final muy sensible es el resultado de una trama muy lograda y que a pesar de algunos momentos lentos, se sobrepone, e impone un ritmo que finalmente se agradece.
Ficha Técnica
Titulo original: Michael Clayton
Dirección y guión: Tony Gilroy
País: USA
Año: 2007
Género: Drama/ Thriller
Elenco: George Clooney (Michael Clayton), Tom Wilkinson (Arthur Edens), Tilda Swinton (Karen Crowder), Sydney Pollack (Marty Bach), Michael O’Keefe (Barry Grissom), Robert Prescott (Sr.Verne)
Duración: 119 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: BF distribution
viernes, 7 de diciembre de 2007
La pasión de Beethoven
Narrar algún episodio de la vida de Beethoven siempre es un desafío, tanto desde el punto de vista de la interpretación del personaje como de la música que debe brotar desde los más íntimo de la realización.
En este caso particular, vemos una película cuidada en la representación de un Beethoven que está en sus últimos años de vida. Uraño y tosco, Ed Harris caracteriza de manera muy creíble algunos rasgos de la personalidad del genio. Sorprende la intervención de una mujer, Anna Holtz ( en una fina representación de Diane Kruger ), quien logra dar la nota relacional y afectiva suficiente para generar el drama que sustenta la historia.
La música es intrínseca al film. La novena sinfonía , a días de su estreno , da el marco de fondo al desarrollo temático de la relación que surge entre el maestro y su aprendiz. En ese sentido, el título original es mucho más claro para definir lo que los comienza a unir: "Copiando a Beethoven", se refiere al oficio de copista de partituras, es decir de quien tenía la labor de pasar en limpio los originales del compositor para que pudiesen ser entregados a los músicos para su interpretación. Sin embargo, junto a ello podemos vislumbrar el otro sentido del "copiando", ya que la discípula efectivamente, y por la relación que se comienza a dar, emprende sus composiciones con una clara influencia del maestro al que admira.
Interesante la muestra de los estrenos de las obras: el éxito de la Novena y el fracaso de la Gran Fuga, dan cuenta del blanco y negro presente en la entrega de los artistas. Sin duda, la transgresión musical de Beethoven impacta y genera una nueva manera de componer música, influyendo en todos y cada uno de los períodos y estilos musicales que surgen posteriormente.
Ficha Técnica
Titulo original: Copying Beethoven
Dirección: Agnieszka Holland
País: USA/ Alemania/ Hungría
Año: 2006
Género: Drama/ Romance
Elenco: ED Harris (Ludwig van Beethoven), Diane Kruger (Anna Holtz), Ralph Riach (WEnzel Schlemmer), Hill Stewart (Rudy), Angus Barnett (Krenski), VIktoria Dihen (Magda), Joe Anderson (Karl van Beethoven), Matthew Goode (Martin Bauer)
Guión: Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson
Duración: 106 minutos
Calificación: TE
Distribuidor: Transeuropa
En este caso particular, vemos una película cuidada en la representación de un Beethoven que está en sus últimos años de vida. Uraño y tosco, Ed Harris caracteriza de manera muy creíble algunos rasgos de la personalidad del genio. Sorprende la intervención de una mujer, Anna Holtz ( en una fina representación de Diane Kruger ), quien logra dar la nota relacional y afectiva suficiente para generar el drama que sustenta la historia.
La música es intrínseca al film. La novena sinfonía , a días de su estreno , da el marco de fondo al desarrollo temático de la relación que surge entre el maestro y su aprendiz. En ese sentido, el título original es mucho más claro para definir lo que los comienza a unir: "Copiando a Beethoven", se refiere al oficio de copista de partituras, es decir de quien tenía la labor de pasar en limpio los originales del compositor para que pudiesen ser entregados a los músicos para su interpretación. Sin embargo, junto a ello podemos vislumbrar el otro sentido del "copiando", ya que la discípula efectivamente, y por la relación que se comienza a dar, emprende sus composiciones con una clara influencia del maestro al que admira.
Interesante la muestra de los estrenos de las obras: el éxito de la Novena y el fracaso de la Gran Fuga, dan cuenta del blanco y negro presente en la entrega de los artistas. Sin duda, la transgresión musical de Beethoven impacta y genera una nueva manera de componer música, influyendo en todos y cada uno de los períodos y estilos musicales que surgen posteriormente.
Ficha Técnica
Titulo original: Copying Beethoven
Dirección: Agnieszka Holland
País: USA/ Alemania/ Hungría
Año: 2006
Género: Drama/ Romance
Elenco: ED Harris (Ludwig van Beethoven), Diane Kruger (Anna Holtz), Ralph Riach (WEnzel Schlemmer), Hill Stewart (Rudy), Angus Barnett (Krenski), VIktoria Dihen (Magda), Joe Anderson (Karl van Beethoven), Matthew Goode (Martin Bauer)
Guión: Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson
Duración: 106 minutos
Calificación: TE
Distribuidor: Transeuropa
miércoles, 5 de diciembre de 2007
Teatro: El amante
Esta obra produce variadas sensaciones una vez concluida. Lo primero que asaltan son preguntas... Estamos en presencia de engaños amorosos o desdoblamientos de personalidad? Es real la situación o es un invento de los protagonistas, dentro de su bien sabida rutina?
La acción se desenvuelve en el departamento de Sara ( María Elena Swett ) quien está casada con Ricardo ( Benjamín Vicuña ) y su vida se desenvuelve fija en la rutina de la salida diaria de Ricardo al trabajo. Sin embargo hay un amante que visita la casa cuando Ricardo no está, y esta situación es de conocimiento de él mismo. Esto ya se vislumbra como absurdo, pero da pié a todas las interpretaciones que se pueden tener de la obra.
La actuación de Vicuña es convincente. Muy centrado en el papel, permite conocer al personaje que está detrás e imaginar lo que va sucediendo en su devenir. Por otra parte, María Elena Swett logra momentos muy buenos - en general de desesperación - y que producen buena química con Vicuña.
Esta obra temprana del premio Nobel Harold Pinter nos introduce en un mundo especial: la pareja y su necesidad constante de mantenerse atractivos y queridos entre ambos. La dirección de Mauricio Pesutic vislumbra una puesta en escena cuidada, con mucho simbolismo y una acción continua, del paso del día a la noche y de la noche al día en una secuencia natural, circular y monótona. Con pocos elementos logra el objetivo de situarnos en aquellas cosas esenciales y no distrae de modo alguno la actuación de los protagonistas.
Reseña de la Obra
EL AMANTE de Harold Pinter
Dirección: Mauricio Pesutic
Elenco: Benjamín Vicuña y María Elena Swett
La acción se desenvuelve en el departamento de Sara ( María Elena Swett ) quien está casada con Ricardo ( Benjamín Vicuña ) y su vida se desenvuelve fija en la rutina de la salida diaria de Ricardo al trabajo. Sin embargo hay un amante que visita la casa cuando Ricardo no está, y esta situación es de conocimiento de él mismo. Esto ya se vislumbra como absurdo, pero da pié a todas las interpretaciones que se pueden tener de la obra.
La actuación de Vicuña es convincente. Muy centrado en el papel, permite conocer al personaje que está detrás e imaginar lo que va sucediendo en su devenir. Por otra parte, María Elena Swett logra momentos muy buenos - en general de desesperación - y que producen buena química con Vicuña.
Esta obra temprana del premio Nobel Harold Pinter nos introduce en un mundo especial: la pareja y su necesidad constante de mantenerse atractivos y queridos entre ambos. La dirección de Mauricio Pesutic vislumbra una puesta en escena cuidada, con mucho simbolismo y una acción continua, del paso del día a la noche y de la noche al día en una secuencia natural, circular y monótona. Con pocos elementos logra el objetivo de situarnos en aquellas cosas esenciales y no distrae de modo alguno la actuación de los protagonistas.
Reseña de la Obra
EL AMANTE de Harold Pinter
Dirección: Mauricio Pesutic
Elenco: Benjamín Vicuña y María Elena Swett
La huida
Esta película tiene un gran promedio de disparos y balas por minuto. Al comienzo, una historia que no se comprende - una madre que acaba de dar a luz un bebé y que es seguida por una banda de mafiosos con muy malas intenciones -, desencadena en una persecución en la que la cantidad de plomo y muertos impresiona. Una vez superado ese trance, la película adquiere su forma definitiva, convirtiéndose en una comedia violenta en la que las risas abundan por lo cruel y ridículo de las situaciones.
Clive Owen hace bien su papel de hombre solitario, de un temperamento complicado y no dispuesto a transar en nada sus principios ( si los tiene). Mónica Belluci acompaña bien la situación, como una prostituta que socorre a este bebé perseguido sin razón aparente.
Quien se roba la película es Paul Giamatti, como un mafioso que puede diferenciar el estar ordenando matar y hablar con su esposa que le exige que llegue a casa pronto.
En síntesis, entretenida, y recomendable. Protegerse debajo del asiento puede ser una buena manera de esquivar los tiroteos incesantes.
Ficha técnica
Titulo Original: Shoot 'Em Up
Género: Thriller Acción
Nacionalidad: USA
Año: 2007
Director: Michael Davis
Guion: Michael Davis
Reparto: Clive Owen, Monica Bellucci, Paul Giamatti, Greg Bryk, Chris Jericho, Stephen McHattie, Jane McLean, Daniel Pilon
Clive Owen hace bien su papel de hombre solitario, de un temperamento complicado y no dispuesto a transar en nada sus principios ( si los tiene). Mónica Belluci acompaña bien la situación, como una prostituta que socorre a este bebé perseguido sin razón aparente.
Quien se roba la película es Paul Giamatti, como un mafioso que puede diferenciar el estar ordenando matar y hablar con su esposa que le exige que llegue a casa pronto.
En síntesis, entretenida, y recomendable. Protegerse debajo del asiento puede ser una buena manera de esquivar los tiroteos incesantes.
Ficha técnica
Titulo Original: Shoot 'Em Up
Género: Thriller Acción
Nacionalidad: USA
Año: 2007
Director: Michael Davis
Guion: Michael Davis
Reparto: Clive Owen, Monica Bellucci, Paul Giamatti, Greg Bryk, Chris Jericho, Stephen McHattie, Jane McLean, Daniel Pilon
jueves, 22 de noviembre de 2007
Leones por corderos
Bajo la dirección de Robert Redford, esta película nos introduce en las más íntimas reflexiones sobre la guerra. No cabe duda que para Estados Unidos el tema bélico marca y a fuego. La historia que tienen respecto a sus exitosas y fallidas intervenciones se puede observar como un hilo conductor de este film.
Con un escenario dividido en tres, observamos unos diálogos excelentes entre el promisorio senador Irving ( un Tom Cruise que convence en su papel ) y la periodista Janine Roth, interpretada por Maryl Streep en una entrega llena de solidez y de caracterización propio de ella. Este encuentro, a petición del Senador, para revelar nuevas estrategias en la guerra de Irak y la permanente lucha contra el terrorismo se desenvuelve en lo que podríamos llamar el gallito entre la política y la prensa. Muy bien logrado, permite captar las ideas que fluyen entre líneas entre ambos personajes, llenos de ironías y de recriminaciones mutuas.
El escenario dos es el frente de batalla. Ya poniendo en práctica la nueva estrategia que simultáneamente va dando a conocer el Senador, vemos a un grupo de soldados que están en primera línea y sufren en carne propia lo terrible del conflicto. Sólo en la tercera parte del metraje podemos ver la relación directa con el escenario 3.
Finalmente el tercer escenario nos muestra a un maestro ( Redford ) y un alumno talentoso pero sin mayores ambiciones ni ganas por estudiar. Esta relación se marca por la historia del profesor, la rebeldía del alumno, y una lucha soterrada de cada uno por identificar sus verdaderas convicciones. la relación entre ambos tiene mucho peso. Hay admiración por parte del alumno al profesor, y desde el profesor vemos una suerte de proyección en los talentos de su alumno.
En síntesis, es una película algo densa, que permite debatir sobre la guerra, su justificación o rechazo y que abre heridas en diferentes personajes de la realidad norteamericana. No se puede estar indiferente ante esto, obliga a tener opinión y da las herramientas para buenas discusiones al respecto.
Ficha Técnica
Titulo original: Lions for lambs
Dirección: Robert Redford
País: USA
Año: 2007
Género: Drama/ Thriller
Elenco: Tom Cruise (Jasper Irving), Meryl Streep (Janine Roth), Robert Redford (Stephen Malley), Michael Peña (Ernest Rodriguez), Andrew Gardfield (Todd Hayes), Derek Luke (Arian Finch)
Guión: Matthew Michael Carnahan
Duración: 92 minutos
Calificación: 14
Distribuidor: Fox
Con un escenario dividido en tres, observamos unos diálogos excelentes entre el promisorio senador Irving ( un Tom Cruise que convence en su papel ) y la periodista Janine Roth, interpretada por Maryl Streep en una entrega llena de solidez y de caracterización propio de ella. Este encuentro, a petición del Senador, para revelar nuevas estrategias en la guerra de Irak y la permanente lucha contra el terrorismo se desenvuelve en lo que podríamos llamar el gallito entre la política y la prensa. Muy bien logrado, permite captar las ideas que fluyen entre líneas entre ambos personajes, llenos de ironías y de recriminaciones mutuas.
El escenario dos es el frente de batalla. Ya poniendo en práctica la nueva estrategia que simultáneamente va dando a conocer el Senador, vemos a un grupo de soldados que están en primera línea y sufren en carne propia lo terrible del conflicto. Sólo en la tercera parte del metraje podemos ver la relación directa con el escenario 3.
Finalmente el tercer escenario nos muestra a un maestro ( Redford ) y un alumno talentoso pero sin mayores ambiciones ni ganas por estudiar. Esta relación se marca por la historia del profesor, la rebeldía del alumno, y una lucha soterrada de cada uno por identificar sus verdaderas convicciones. la relación entre ambos tiene mucho peso. Hay admiración por parte del alumno al profesor, y desde el profesor vemos una suerte de proyección en los talentos de su alumno.
En síntesis, es una película algo densa, que permite debatir sobre la guerra, su justificación o rechazo y que abre heridas en diferentes personajes de la realidad norteamericana. No se puede estar indiferente ante esto, obliga a tener opinión y da las herramientas para buenas discusiones al respecto.
Ficha Técnica
Titulo original: Lions for lambs
Dirección: Robert Redford
País: USA
Año: 2007
Género: Drama/ Thriller
Elenco: Tom Cruise (Jasper Irving), Meryl Streep (Janine Roth), Robert Redford (Stephen Malley), Michael Peña (Ernest Rodriguez), Andrew Gardfield (Todd Hayes), Derek Luke (Arian Finch)
Guión: Matthew Michael Carnahan
Duración: 92 minutos
Calificación: 14
Distribuidor: Fox
miércoles, 14 de noviembre de 2007
El tiempo
Cuando una película es capaz de transmitir las sensaciones tan claramente estamos frente a una ventana de dimensiones inexploradas.
En este caso particular, el director Kim Ki-duk - quien también es autor del guión - nos transporta a un mundo íntimo: la pareja. Allí observamos lo cotidiano, el amor que se tienen y sus conflictos; los temores más profundos y las esperanzas más deseadas. Todo ello en una narración sobresaliente, sin pausas, con actuaciones convincentes y desarrollos dramáticos sólidos.
El fondo del argumento es la rutina. Y el hilo que se desenrrolla es la manera de cambiar dicha rutina. En este caso, la apariencia física es el detonante que permite explorar en un mundo en donde la protagonista - Seh-hee - lo que hace es buscar una nueva identidad, dejando abruptamente a su novio de dos años - Ji Woo - sometiéndose a una cirujía estética que la transforma por completo y cuyo tiempo de recuperación son 6 meses. Ello con el fin de ser una nueva persona para que su novio no se aburra de ella y la siga amando.
Vemos los mayores temores reflejados en esta situación. El temor a dejar de ser amada, dejar de ser atractiva, la lleva a tomar una decisión que cambia su vida por completo. Esto también da cuenta de problemas de autoestima en la protagonista, los que se mezclan creando un cócktel perfecto para tomar decisiones poco sanas. La angustia producida al novio abandonado, el amor real que él conserva por ella a través del tiempo y que no le permite relacionarse con nuevas parejas va dando curso a un desarrollo que toma cuerpo con el reencuentro y por cierto nos sorprende en la segunda mitad del metraje.
Muy bien lograda, con un ritmo preciso es una película muy recomendable y que cuestiona los principios más sensibles de las relaciones de pareja actuales.
Ficha Técnica
Titulo original: Time
Dirección y Guión: Kim Ki-duk
País: Coreal del Sur/ Japón
Año: 2006
Género: Drama
Elenco: Jung-Woo Ha (Ji Woo), JI-Yeon Park (Seh-hee), Jung-min Kim (Cirujano), Yeong- hwa Seo
Calificación: Mayores de 14 años
Duración: 97 minutos
Distribuidor: BF distribution
En este caso particular, el director Kim Ki-duk - quien también es autor del guión - nos transporta a un mundo íntimo: la pareja. Allí observamos lo cotidiano, el amor que se tienen y sus conflictos; los temores más profundos y las esperanzas más deseadas. Todo ello en una narración sobresaliente, sin pausas, con actuaciones convincentes y desarrollos dramáticos sólidos.
El fondo del argumento es la rutina. Y el hilo que se desenrrolla es la manera de cambiar dicha rutina. En este caso, la apariencia física es el detonante que permite explorar en un mundo en donde la protagonista - Seh-hee - lo que hace es buscar una nueva identidad, dejando abruptamente a su novio de dos años - Ji Woo - sometiéndose a una cirujía estética que la transforma por completo y cuyo tiempo de recuperación son 6 meses. Ello con el fin de ser una nueva persona para que su novio no se aburra de ella y la siga amando.
Vemos los mayores temores reflejados en esta situación. El temor a dejar de ser amada, dejar de ser atractiva, la lleva a tomar una decisión que cambia su vida por completo. Esto también da cuenta de problemas de autoestima en la protagonista, los que se mezclan creando un cócktel perfecto para tomar decisiones poco sanas. La angustia producida al novio abandonado, el amor real que él conserva por ella a través del tiempo y que no le permite relacionarse con nuevas parejas va dando curso a un desarrollo que toma cuerpo con el reencuentro y por cierto nos sorprende en la segunda mitad del metraje.
Muy bien lograda, con un ritmo preciso es una película muy recomendable y que cuestiona los principios más sensibles de las relaciones de pareja actuales.
Ficha Técnica
Titulo original: Time
Dirección y Guión: Kim Ki-duk
País: Coreal del Sur/ Japón
Año: 2006
Género: Drama
Elenco: Jung-Woo Ha (Ji Woo), JI-Yeon Park (Seh-hee), Jung-min Kim (Cirujano), Yeong- hwa Seo
Calificación: Mayores de 14 años
Duración: 97 minutos
Distribuidor: BF distribution
miércoles, 24 de octubre de 2007
Condimentos para el amor
Su nombre original - "Dama de las especies" - describe mucho mejor a la protagonista de esta película. Tilo - la bella Aishwayra Rai - es una mujer muy especial, que tiene el don de ayudar a las personas a través de diferentes recetas de especies.
Claro que su vida es muy reglada y ello no le permite salir de su tienda ni tener contactos con otras personas, más que para ayudarles. En su vida aparece de pronto Doug, quien sufre un accidente al frente de la tienda y es curado por Tilo... junto a ello es seducido inmediatamente por los encantos de la mujer, además de alguna ayuda dada en especias.
La película recorre con paso cancino la vida de los dos personajes y el cuestionamiento de la protagonista entre el ceder al amor o dedicarse a su predestinada vida. Valores de lealtad y amistad se van presentando permanentemente, junto a un rescate de tradiciones orientales en un mundo occidental.
Ficha Técnica
Titulo original: Mistress of spice
País: Inglaterra
Año: 2005
Dirección: Paul Mayeda Berges
Género: Comedia romántica
Elenco: Aishwayra Rai (Tilo), Dylan McDermott (Doug), Nitin Ganatra (Haroun), Sonny Gill Dulay (Jagjit), Carolina Chikezie (Myisha), Padma Lakshmi (Geeta), Paul Bhattacharjee (Satish)
Duración: 93 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Andes Films
Claro que su vida es muy reglada y ello no le permite salir de su tienda ni tener contactos con otras personas, más que para ayudarles. En su vida aparece de pronto Doug, quien sufre un accidente al frente de la tienda y es curado por Tilo... junto a ello es seducido inmediatamente por los encantos de la mujer, además de alguna ayuda dada en especias.
La película recorre con paso cancino la vida de los dos personajes y el cuestionamiento de la protagonista entre el ceder al amor o dedicarse a su predestinada vida. Valores de lealtad y amistad se van presentando permanentemente, junto a un rescate de tradiciones orientales en un mundo occidental.
Ficha Técnica
Titulo original: Mistress of spice
País: Inglaterra
Año: 2005
Dirección: Paul Mayeda Berges
Género: Comedia romántica
Elenco: Aishwayra Rai (Tilo), Dylan McDermott (Doug), Nitin Ganatra (Haroun), Sonny Gill Dulay (Jagjit), Carolina Chikezie (Myisha), Padma Lakshmi (Geeta), Paul Bhattacharjee (Satish)
Duración: 93 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Andes Films
Premonicion
Este film nos permite entrar en los mundos desconocidos del tiempo. Uno de nuestros mayores sueños es tal vez saber del futuro y volver al pasado para revertir o cambiar algunas situaciones que hubiésemos querido distintas.
En esta película, Linda Hanson ( una sólida Sandra Bullock ) no entiende mucho lo que sucede una vez que se entera de la muerte de su marido Jim en un accidente automovilístico. Al despertar al día siguiente su marido está vivo y al otro día, muerto nuevamente... Este desface de días y desorden aparente van armando el puzle que linda debe resolver.
Cruzada por problemas familiares y de relaciones de pareja, la protagonista comienza a comprender el valor de la vida y de los momentos que pasan juntos y lucha por no sólo revertir la situación concreta de la muerte sino la situación de vida que en ese momento llevaban.
La película da muchas pistas. El tiempo no se puede cambiar y la historia ya está escrita, por tanto el sentido que cobra la carrera de Linda se vuelve a aquellas cosas más trascendentes de su vida.
Ficha Técnica
Titulo original: Premonition
Dirección: Mennan Yapo
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller
Elenco: Sandra Bullock (Linda Hanson), Julian McMahon (Jim Hanson), Shyaan McClure (Megan Hanson), Amber Valetta (Claire), Courtney Taylor Burness (Bridgette Hanson), Nia Long (Annie)
Guión: Bill Kelly
Duración: 96 minutos
Calificación: TE +7
Distribuidor: BF Distribution
En esta película, Linda Hanson ( una sólida Sandra Bullock ) no entiende mucho lo que sucede una vez que se entera de la muerte de su marido Jim en un accidente automovilístico. Al despertar al día siguiente su marido está vivo y al otro día, muerto nuevamente... Este desface de días y desorden aparente van armando el puzle que linda debe resolver.
Cruzada por problemas familiares y de relaciones de pareja, la protagonista comienza a comprender el valor de la vida y de los momentos que pasan juntos y lucha por no sólo revertir la situación concreta de la muerte sino la situación de vida que en ese momento llevaban.
La película da muchas pistas. El tiempo no se puede cambiar y la historia ya está escrita, por tanto el sentido que cobra la carrera de Linda se vuelve a aquellas cosas más trascendentes de su vida.
Ficha Técnica
Titulo original: Premonition
Dirección: Mennan Yapo
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller
Elenco: Sandra Bullock (Linda Hanson), Julian McMahon (Jim Hanson), Shyaan McClure (Megan Hanson), Amber Valetta (Claire), Courtney Taylor Burness (Bridgette Hanson), Nia Long (Annie)
Guión: Bill Kelly
Duración: 96 minutos
Calificación: TE +7
Distribuidor: BF Distribution
lunes, 15 de octubre de 2007
Regreso del Todopoderoso
Esta comedia permite pasar un rato divertido. Las genialidades actorales de Evan ( un histriónico Steve Carrell ) y la madurez de Dios ( Morgan Freeman ) dan la pauta para lo que trascurre en el film.
El fondo de la película - los problemas de corrupción en el Congreso y las ganas de un nuevo parlamentario de cambiar el mundo - se diluyen en una sucesión de gags - algunos de ellos muy jocosos - que van dando a la pelicula una cierta uniformidad a la vez que descuidan en algunos pasajes la continuidad de la historia.
El tema del Arca de Noé en pleno siglo XXI es impensado, sin embargo se sostiene gracias a ciertas ideas de comunidad y de familia que resultan transversales al protagonista. Se estereotipan variados personajes, especialmente los asesores del congresista y la prensa, los que de una manera muy sutil acompañan la narración y sirven de nexo entre cada uno de los episodios cómicos presentados.
Ficha Técnica
Titulo original: Evan Almighty
Dirección: Tom Shadyac
País: USA
Año: 2007
Género: Comedia
Elenco: Steve Carell (Evan Baxter), Morgan Freeman (Dios), Lauren Graham (Joan Baxter), John Goodman (Chuck Long), Johnny Simmons (Dylan Baxter), Graham Phillips (Jordan Baxter), Jimmy Bennet (Ryan Baxter), Molly Shannon (Eve Adams)
Guión: Steve Oedekerk
Duración: 90 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: UIP
El fondo de la película - los problemas de corrupción en el Congreso y las ganas de un nuevo parlamentario de cambiar el mundo - se diluyen en una sucesión de gags - algunos de ellos muy jocosos - que van dando a la pelicula una cierta uniformidad a la vez que descuidan en algunos pasajes la continuidad de la historia.
El tema del Arca de Noé en pleno siglo XXI es impensado, sin embargo se sostiene gracias a ciertas ideas de comunidad y de familia que resultan transversales al protagonista. Se estereotipan variados personajes, especialmente los asesores del congresista y la prensa, los que de una manera muy sutil acompañan la narración y sirven de nexo entre cada uno de los episodios cómicos presentados.
Ficha Técnica
Titulo original: Evan Almighty
Dirección: Tom Shadyac
País: USA
Año: 2007
Género: Comedia
Elenco: Steve Carell (Evan Baxter), Morgan Freeman (Dios), Lauren Graham (Joan Baxter), John Goodman (Chuck Long), Johnny Simmons (Dylan Baxter), Graham Phillips (Jordan Baxter), Jimmy Bennet (Ryan Baxter), Molly Shannon (Eve Adams)
Guión: Steve Oedekerk
Duración: 90 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: UIP
Radio Corazon
En la línea de su antecesora, esta película cuenta tres historias cargadas de erotismo y cuyo centro natural es siempre el tema sexual. Basada en el programa de radio "El chacotero sentimental", el film da cuenta de historias que en algún momento salieron al aire en el programa. Al ver el contexto, podemos pensar que algo de invento puede existir, sin embargo el guión se encarga de matizar aquellos puntos que pueden ser algo exagerados.
Con actuaciones dispares, sobresalen los tres protagonistas de la primera historia, una suerte de comedia que encierra un problema muy actual: familias reconstituidas y el despertar a la iniciación sexual. Sorprende el final, inesperado y bien logrado, para soltar la tensión previa en la construcción de la narración.
La segunda historia, la más débil a mi juicio, tiene una lamentable actuación de Manuela ( Juana Viale ) quien al lado de una muy sólida Claudia Di Girólamo, se pierde en la liviandad del personaje y no es capaz de seguir y sustentar la historia. De muy evidente resolución, la historia no alcanza a enganchar y fuera de algunos pasajes de comedia, no denota el drama que significa para las protagonistas.
En la tercera historia descubrimos a una Valeria ( Tamara Acosta ) muy distinta a lo acostumbrado. Bien posicionada de su rol y segura como siempre, da vida a esta "nana" de clase alta que se ve envuelta en un drama familiar producto de la enfermedad terminal de su patrona. Las diferencias sociales y familiares son siempre un buen tema, que bien desarrollado logran su objetivo. En este caso, al faltar el contexto, sólo nos podemos quedar en la intención de la muestra, que no logra profundizar más allá.
Sobre la dirección, claramente se ven algunos detalles: movimientos de cámara sin mucha intención, planos recortados que hacen perder contextos y un superficial desarrollo de los personajes, hacen que esta primera película del Rumpi ( Roberto Artiagoitía ) entretenga, mas sin un fondo mayor, desperdiciando la oportunidad de no sólo mostrar ciertas realidades sino de inclinarse con una mirada más profunda y crítica sobre nuestra actualidad.
Ficha Técnica
Titulo original: Radio Corazón
Dirección: Roberto Artiagoitía
País: Chile
Año: 2007
Género: Comedia/ Drama
Elenco: Daniel Muñoz (Manolo), Manuela Martelli (NIce), Daniel Alcaíno (Darwin), Claudia Di Girolamo (Sandra), Néstor Cantillana (Federico), Juana Viale (Manuela), Amparo Noguera (María Pilar), Tamara Acosta (Valeria), Felipe Braun (Cristian)
Guión: Pablo Illanes y Roberto Artiagoitía
Duración:115 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: BF Distribution
Con actuaciones dispares, sobresalen los tres protagonistas de la primera historia, una suerte de comedia que encierra un problema muy actual: familias reconstituidas y el despertar a la iniciación sexual. Sorprende el final, inesperado y bien logrado, para soltar la tensión previa en la construcción de la narración.
La segunda historia, la más débil a mi juicio, tiene una lamentable actuación de Manuela ( Juana Viale ) quien al lado de una muy sólida Claudia Di Girólamo, se pierde en la liviandad del personaje y no es capaz de seguir y sustentar la historia. De muy evidente resolución, la historia no alcanza a enganchar y fuera de algunos pasajes de comedia, no denota el drama que significa para las protagonistas.
En la tercera historia descubrimos a una Valeria ( Tamara Acosta ) muy distinta a lo acostumbrado. Bien posicionada de su rol y segura como siempre, da vida a esta "nana" de clase alta que se ve envuelta en un drama familiar producto de la enfermedad terminal de su patrona. Las diferencias sociales y familiares son siempre un buen tema, que bien desarrollado logran su objetivo. En este caso, al faltar el contexto, sólo nos podemos quedar en la intención de la muestra, que no logra profundizar más allá.
Sobre la dirección, claramente se ven algunos detalles: movimientos de cámara sin mucha intención, planos recortados que hacen perder contextos y un superficial desarrollo de los personajes, hacen que esta primera película del Rumpi ( Roberto Artiagoitía ) entretenga, mas sin un fondo mayor, desperdiciando la oportunidad de no sólo mostrar ciertas realidades sino de inclinarse con una mirada más profunda y crítica sobre nuestra actualidad.
Ficha Técnica
Titulo original: Radio Corazón
Dirección: Roberto Artiagoitía
País: Chile
Año: 2007
Género: Comedia/ Drama
Elenco: Daniel Muñoz (Manolo), Manuela Martelli (NIce), Daniel Alcaíno (Darwin), Claudia Di Girolamo (Sandra), Néstor Cantillana (Federico), Juana Viale (Manuela), Amparo Noguera (María Pilar), Tamara Acosta (Valeria), Felipe Braun (Cristian)
Guión: Pablo Illanes y Roberto Artiagoitía
Duración:115 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: BF Distribution
viernes, 5 de octubre de 2007
Drama/Mex
Difícil hablar de esta película, pues lo básico se centra en el recurso de contar tres historias en torno a un eje que las comunica. Si bien, ya conocemos el recurso, siempre será interesante como se presenta la narración. En este caso, las historias se exponen con diferentes tiempos, cada una en su unidad, para luego dar paso a un desarrollo donde se pueden apreciar las lecturas relacionadas.
Algunos aspectos a destacar son básicamente dos: el uso de una cámara que sigue la acción y que la presenta de maneras diversas ( algo nublada en ocasiones, con mucha tensión y movimientos bruscos en otras, más nítida cuando se observa mayor tranquilidad y mostrando una autovisión del personaje seguido para darnos la idea de ser nosotros mismos quienes estamos allí. El otro aspecto es la música: aquí hay un life motiv - la Sonata Claro de Luna, en muy diferentes versiones - que nos permite introducirnos en los mundos internos y externos de los personajes. El manejo de los planos sonoros, el volumen, el cambio de timbre y otros recursos, nos acompañan para dar a la narración un toque íntimo muy sugerente.
De las historias, claramente hay una central, la de Jaime, quien quiere terminar su vida y no es capaz de dar el último paso. A mi juicio, es la historia eje y la más intensa, con momentos de tensión muy logrados. Tal vez sin muchos antecedentes del por qué Jaime no quiere seguir viviendo, se sostiene por la gran actuación de Fernando Becerril.
Las otras dos historias se pierden un poco en la definición de los personajes y sus respectivos círculos. Confluyen con la central pero sin lograr se parte. Sólo nos otorgan la posibilidad de mirar otra perspectiva y ubicarnos en el tiempo de la acción.
Finalmente puedo decir que Naranjo nos entrega una película que es una muestra sobre las relaciones humanas en sus diferentes grados de intensidad e intimidad: los amantes, la relación de un adulto con una joven, la amistad, la lealtad y el honor.
Ficha Técnica
Titulo original: Dramamex
Dirección y guión: Gerardo Naranjo
País: Mexico
Año: 2006
Género: Drama
Elenco: Fernando Becerril (Jaime), Mariana Moro (Tigrillo), Emilio Valdés (Chano), Diana García (Fernanda), Juan Pablo Castañeda (Gonzalo), Mariana Pérez (Jenny), Héctor Dávila (Caleto), Luis Calvillo (Ceviche), José Calvillo (Ballena)
Duración: 92 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Four Films
Algunos aspectos a destacar son básicamente dos: el uso de una cámara que sigue la acción y que la presenta de maneras diversas ( algo nublada en ocasiones, con mucha tensión y movimientos bruscos en otras, más nítida cuando se observa mayor tranquilidad y mostrando una autovisión del personaje seguido para darnos la idea de ser nosotros mismos quienes estamos allí. El otro aspecto es la música: aquí hay un life motiv - la Sonata Claro de Luna, en muy diferentes versiones - que nos permite introducirnos en los mundos internos y externos de los personajes. El manejo de los planos sonoros, el volumen, el cambio de timbre y otros recursos, nos acompañan para dar a la narración un toque íntimo muy sugerente.
De las historias, claramente hay una central, la de Jaime, quien quiere terminar su vida y no es capaz de dar el último paso. A mi juicio, es la historia eje y la más intensa, con momentos de tensión muy logrados. Tal vez sin muchos antecedentes del por qué Jaime no quiere seguir viviendo, se sostiene por la gran actuación de Fernando Becerril.
Las otras dos historias se pierden un poco en la definición de los personajes y sus respectivos círculos. Confluyen con la central pero sin lograr se parte. Sólo nos otorgan la posibilidad de mirar otra perspectiva y ubicarnos en el tiempo de la acción.
Finalmente puedo decir que Naranjo nos entrega una película que es una muestra sobre las relaciones humanas en sus diferentes grados de intensidad e intimidad: los amantes, la relación de un adulto con una joven, la amistad, la lealtad y el honor.
Ficha Técnica
Titulo original: Dramamex
Dirección y guión: Gerardo Naranjo
País: Mexico
Año: 2006
Género: Drama
Elenco: Fernando Becerril (Jaime), Mariana Moro (Tigrillo), Emilio Valdés (Chano), Diana García (Fernanda), Juan Pablo Castañeda (Gonzalo), Mariana Pérez (Jenny), Héctor Dávila (Caleto), Luis Calvillo (Ceviche), José Calvillo (Ballena)
Duración: 92 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Four Films
viernes, 28 de septiembre de 2007
Malta con huevo
Esta película sorprende. Por un lado nos encontramos ante una excelente actuación de los protagonistas en roles muy creibles que reflejan muy bien las personalidades representadas. Vladimir - un excelente Diego Muñoz - representa al artista, bohemio y vividor. Jorge, en cambio - interpretado por Nicolás Saavedra - es el hombre responsable, ubicado y serio. Son dos viejos conocidos que coinciden en otra etapa de la vida y deciden vivir juntos. Jorge tiene a su polola Rocío, que permite conformar un triángulo amoroso típico. Fedora - una sólida Manuela Martelli - desconcierta pero se integra sin problemas a la secuencia de hechos descritos.
La historia es presentada en fragmentos, con cambios temporales que no dejan clara la línea del relato y que sin embargo son adecuados para la comprensión de la trama. Las ópticas que se muestran permiten hacer diferentes lecturas y ello es lo más interesante del film. Fuera de las anécdotas y situaciones muy jocosas, hay un trasfondo muy importante, sobre todo en la definición de las personalidades, que sorprenden al espectador y van descubirendo su mundo interior y sus fines más profundos.
Se pueden observar muy buenas tomas, la música es precisa en acompañar y el relato es consistente en la forma de ser entregado.
Ficha Técnica
Dirección: Cristóbal Valderrama
Origen: Chile
Año: 2007
Elenco: Diego Muñoz (Vladimir), Nicolás Saavedra (Jorge), Manuela Martelli (Fedora), Javiera Díaz de Valdés (Rocío), Aline Kuppenheim (Bárbara)
Guión: Cristóbal Valderrama y Carlos Labbé
Duración: 92
Género: Comedia
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Bazuca
La historia es presentada en fragmentos, con cambios temporales que no dejan clara la línea del relato y que sin embargo son adecuados para la comprensión de la trama. Las ópticas que se muestran permiten hacer diferentes lecturas y ello es lo más interesante del film. Fuera de las anécdotas y situaciones muy jocosas, hay un trasfondo muy importante, sobre todo en la definición de las personalidades, que sorprenden al espectador y van descubirendo su mundo interior y sus fines más profundos.
Se pueden observar muy buenas tomas, la música es precisa en acompañar y el relato es consistente en la forma de ser entregado.
Ficha Técnica
Dirección: Cristóbal Valderrama
Origen: Chile
Año: 2007
Elenco: Diego Muñoz (Vladimir), Nicolás Saavedra (Jorge), Manuela Martelli (Fedora), Javiera Díaz de Valdés (Rocío), Aline Kuppenheim (Bárbara)
Guión: Cristóbal Valderrama y Carlos Labbé
Duración: 92
Género: Comedia
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Bazuca
martes, 25 de septiembre de 2007
El contrato
Morgan Freeman es un actor sólido, sin duda. Él sostiene una trama densa, política, de altas esferas que se inspira en lo más negro de la vida pública.
La narración es lineal, con una presentación de personajes adecuada, que va dando las pistas para comprender la siguiente unión de ellos por una accidental coincidencia ( o fatalidad )
Frank - Freeman - es un asesino contratado para aniquilar a personajes "obstáculos del progreso. Ray y Chris, padre e hijo en dificultades tremendas de comunicación y generación han decidido pasar un campamento juntos. Y el destino los junta y los hace convivir en extremas situaciones, perseguidos por buenos y malos.
Lo mejor de la película no es la acción, sino las relaciones que se crean entre los personajes. Padre e hijo, captor y cautivo, esposo y esposa en problemas, lealtad de amigos y enemigos, diferencias entre la policiía y el FBI, etc... Todo ello muy bien logrado y con pasajes muy claros y precisos.
Este film es interesante de ver, produce expectación y la necesidad de unir cabos sueltos que puedan juntarse para explicarlo todo. Los paisajes son excelentes y la fotografía muy bien lograda.
Ficha Técnica
Titulo original: The contract
Dirección: Bruce Beresford
País: USA
Año: 2006
Género: Thriller
Elenco: Morgan Freeman (Frank Cardin), John Cusack (Ray Keene), Jamie Anderson (Chris Keene), Ned Bellamy (Montgomery), Megan Dodds (Sandra)
Guión: Stephen Katz y John Darrouzet
Duración: 96 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: BF Films
La narración es lineal, con una presentación de personajes adecuada, que va dando las pistas para comprender la siguiente unión de ellos por una accidental coincidencia ( o fatalidad )
Frank - Freeman - es un asesino contratado para aniquilar a personajes "obstáculos del progreso. Ray y Chris, padre e hijo en dificultades tremendas de comunicación y generación han decidido pasar un campamento juntos. Y el destino los junta y los hace convivir en extremas situaciones, perseguidos por buenos y malos.
Lo mejor de la película no es la acción, sino las relaciones que se crean entre los personajes. Padre e hijo, captor y cautivo, esposo y esposa en problemas, lealtad de amigos y enemigos, diferencias entre la policiía y el FBI, etc... Todo ello muy bien logrado y con pasajes muy claros y precisos.
Este film es interesante de ver, produce expectación y la necesidad de unir cabos sueltos que puedan juntarse para explicarlo todo. Los paisajes son excelentes y la fotografía muy bien lograda.
Ficha Técnica
Titulo original: The contract
Dirección: Bruce Beresford
País: USA
Año: 2006
Género: Thriller
Elenco: Morgan Freeman (Frank Cardin), John Cusack (Ray Keene), Jamie Anderson (Chris Keene), Ned Bellamy (Montgomery), Megan Dodds (Sandra)
Guión: Stephen Katz y John Darrouzet
Duración: 96 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: BF Films
La vida de los otros
Este film es de una calidad narrativa excepcional. Situado en la Alemania oriental de Honecker, describe muy crudamente las técnicas de espionaje usadas para controlar la vida de los ciudadanos, especialmente de los no partidarios del régimen.
En este ejemplo, es un dramaturgo y director de teatro ( Georg Dreyman ), y su esposa, una promisoria actriz ( Christa- Maria ), los objetos de este seguimiento extremo de sus vidas.
El encargado de vigilarlos es el Capitán Wiesler, un hombre formado a fuego para las labores militares, solitario y extremadamente leal al orden establecido y a su superior, Grubitz.
En el transcurso de la película, vemos este espionaje rodeado de un sin número de detalles del tiempo y la vida política que se vive. Conversaciones secretas e informales, astucias, chatajes, etc... dan vida a la acción de este matrimonio que es seguida atentamente por HGW 77/x.
Todo sigue hasta un momento clave, que es un corolario de emociones. Un gran amigo de Dryman, Jerska, se suicida... Este, antes de su cumpleaños, le había regalado una pieza para piano llamada "Sonata para un hombre bueno". La interpretación que Dreyman hace de esa pieza marca un antes y un después para Wiesler y su vigilancia...
Se suceden más intrigas y confabulaciones. La empatía del capitán por los vigilados va llevando la trama a pasajes muy emocionantes y audaces, que desembocan en un final muy bien logrado que conmueve y sorprende.
Un punto aparte es la música... es excepcional, adecuada a cada momento y un eje conductor que claramente apoya de manera segura toda la narración.
Ficha Técnica
Titulo Original: Das leben der anderen
Dirección y guión: Florian Henckel von Donnersmarck
Origen: Alemania
Año: 2006
Elenco: Ulrich Mühe (Capitan Gerd Wiesler), Martina Gedeck (Christa- Maria Sieland), Sebastián Koch (Georg Dreyman), Ulrich Tukur (Antón Grubitz), Thomas Thieme (Ministro Bruno Hempf)
Duración: 138 minutos
Género: Drama
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: MC Films
En este ejemplo, es un dramaturgo y director de teatro ( Georg Dreyman ), y su esposa, una promisoria actriz ( Christa- Maria ), los objetos de este seguimiento extremo de sus vidas.
El encargado de vigilarlos es el Capitán Wiesler, un hombre formado a fuego para las labores militares, solitario y extremadamente leal al orden establecido y a su superior, Grubitz.
En el transcurso de la película, vemos este espionaje rodeado de un sin número de detalles del tiempo y la vida política que se vive. Conversaciones secretas e informales, astucias, chatajes, etc... dan vida a la acción de este matrimonio que es seguida atentamente por HGW 77/x.
Todo sigue hasta un momento clave, que es un corolario de emociones. Un gran amigo de Dryman, Jerska, se suicida... Este, antes de su cumpleaños, le había regalado una pieza para piano llamada "Sonata para un hombre bueno". La interpretación que Dreyman hace de esa pieza marca un antes y un después para Wiesler y su vigilancia...
Se suceden más intrigas y confabulaciones. La empatía del capitán por los vigilados va llevando la trama a pasajes muy emocionantes y audaces, que desembocan en un final muy bien logrado que conmueve y sorprende.
Un punto aparte es la música... es excepcional, adecuada a cada momento y un eje conductor que claramente apoya de manera segura toda la narración.
Ficha Técnica
Titulo Original: Das leben der anderen
Dirección y guión: Florian Henckel von Donnersmarck
Origen: Alemania
Año: 2006
Elenco: Ulrich Mühe (Capitan Gerd Wiesler), Martina Gedeck (Christa- Maria Sieland), Sebastián Koch (Georg Dreyman), Ulrich Tukur (Antón Grubitz), Thomas Thieme (Ministro Bruno Hempf)
Duración: 138 minutos
Género: Drama
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: MC Films
Crimen perfecto
Esta película, cuyo título original es "Fractura", resulta ser un excelente thriller donde las consideraciones intelectuales juegan un papel preponderante.
Ted - un brillante Hopkins, que recuerda a Hannibal, sin duda - asesina a su mujer a sangre fría, impulsado por la infidelidad de ella comprobada minutos antes. Al llegar la policía confiesa su crimen. Todo claro y sin más, un crimen prácticamente resuelto.
El caso lo toma Willy - un excelente Ryan Gosling - un abogado joven, talentosísimo, cuya mirada y ambición van mucho más allá del puesto que ocupa en dicho momento.
De ahí en más, la película trancurre entre tribunales, buffetes, fiestas, allanamientos y unos diálogos entre ambos personajes que son de antología. De hecho, estos diálogos son los que dan el título original en inglés y dan la clave de la resolución misma del film.
Con una disposición de cámaras muy certera y una caracterización de personajes adecuada, estamos en presencia de una narración de excelente factura, inteligente y seductora.
Ficha Técnica
Titulo Original: Fracture
Dirección: Gregory Hoblit
Origen: USA
Año: 2007
Elenco: Anthony Hopkins (Ted Crawford), Ryan Gosling (Willy Beachum), Rosamund Pike (Nikki Gardner), Embeth Davidtz (Jennifer Crawford), David Strathairn (Joe Lobruto)
Guión: Daniel Pyne y Glenn Gers
Duración: 112
Género: Thriller
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Warner
Ted - un brillante Hopkins, que recuerda a Hannibal, sin duda - asesina a su mujer a sangre fría, impulsado por la infidelidad de ella comprobada minutos antes. Al llegar la policía confiesa su crimen. Todo claro y sin más, un crimen prácticamente resuelto.
El caso lo toma Willy - un excelente Ryan Gosling - un abogado joven, talentosísimo, cuya mirada y ambición van mucho más allá del puesto que ocupa en dicho momento.
De ahí en más, la película trancurre entre tribunales, buffetes, fiestas, allanamientos y unos diálogos entre ambos personajes que son de antología. De hecho, estos diálogos son los que dan el título original en inglés y dan la clave de la resolución misma del film.
Con una disposición de cámaras muy certera y una caracterización de personajes adecuada, estamos en presencia de una narración de excelente factura, inteligente y seductora.
Ficha Técnica
Titulo Original: Fracture
Dirección: Gregory Hoblit
Origen: USA
Año: 2007
Elenco: Anthony Hopkins (Ted Crawford), Ryan Gosling (Willy Beachum), Rosamund Pike (Nikki Gardner), Embeth Davidtz (Jennifer Crawford), David Strathairn (Joe Lobruto)
Guión: Daniel Pyne y Glenn Gers
Duración: 112
Género: Thriller
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Warner
viernes, 7 de septiembre de 2007
Seduciendo a un extraño
Su título original es "Perfecto Extraño" y tampoco dice mucho sobre la película. Esta historia podría resumirse como la historia de una mujer: la reportera, la investigadora... ; Rowena, a fin de cuentas.
Con una trama que va tomando cuerpo muy lentamente, el film va descubriendo diferentes facetas de los personajes. Bruce Willis ( interpretando al exitoso publicista Harrison Hill ) hace un papel muy distinto a sus papeles acostumbrados, que si bien no logra entrar en profundidad, al menos acierta en varias situaciones como la fiesta de gala de su agencia en el lanzamiento de una nueva colección de Victoria´s. Halle Berry, interpretando a Romina tiene muchas facetas interesantes, sin embargo abusa de primeros planos y escenas de muy poco ritmo que desean transmitir profundidad al personaje principal pero no lo desarrollan completamente.
Lo que llama la atención de esta película es que el último cuarto se desarrolla vertiginosamente. Mucha trama, mucha información en muy poco tiempo. Como para no digerirla completamente, tomando en cuenta el ritmo impuesto en un comienzo. Esto provoca un descontrapeso importante y deja una sensación de vacío y el deseo de un mejor epílogo.
Ficha Técnica
Titulo Original: Perfect Stranger
Dirección: James Foley
Origen: USA
Año: 2007
Elenco: Halle Berry (Rowena Price), Bruce Willis (Harrison Hill), Giovanni Ribisi (Miles Haley), Gary Dourdan (Cameron), Richard Portnow (Narron)
Duración: 109 minutos
Género: Thriller
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Andes Films
Con una trama que va tomando cuerpo muy lentamente, el film va descubriendo diferentes facetas de los personajes. Bruce Willis ( interpretando al exitoso publicista Harrison Hill ) hace un papel muy distinto a sus papeles acostumbrados, que si bien no logra entrar en profundidad, al menos acierta en varias situaciones como la fiesta de gala de su agencia en el lanzamiento de una nueva colección de Victoria´s. Halle Berry, interpretando a Romina tiene muchas facetas interesantes, sin embargo abusa de primeros planos y escenas de muy poco ritmo que desean transmitir profundidad al personaje principal pero no lo desarrollan completamente.
Lo que llama la atención de esta película es que el último cuarto se desarrolla vertiginosamente. Mucha trama, mucha información en muy poco tiempo. Como para no digerirla completamente, tomando en cuenta el ritmo impuesto en un comienzo. Esto provoca un descontrapeso importante y deja una sensación de vacío y el deseo de un mejor epílogo.
Ficha Técnica
Titulo Original: Perfect Stranger
Dirección: James Foley
Origen: USA
Año: 2007
Elenco: Halle Berry (Rowena Price), Bruce Willis (Harrison Hill), Giovanni Ribisi (Miles Haley), Gary Dourdan (Cameron), Richard Portnow (Narron)
Duración: 109 minutos
Género: Thriller
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Andes Films
martes, 28 de agosto de 2007
Mr. Brooks
Esta película es la clásica historia de una excelente trama - o idea - que con el correr del metraje no se resuelve de la mejor manera. Earl - un Kevin Costner pausado y maduro - es un gran hombre de negocios, premiado como el empresario del año en su ciudad. Sin embargo, tiene su lado b, una enfermedad que lo llama a matar personas con una muy elaborada rutina que tiene de cabeza a la policía.
La familia de Earl es perfecta y su vida A también... sólo lo atormenta este deseo frenético de asesinar, que de todas maneras trata de controlar con mucha tenacidad, pese a la oposición de su alter ego Marchall quien lo impulsa una y otra vez a su perversión. Esta figura de un alter ego de carne y hueso, me parece algo burdo, lo que le resta dramatismo a la película en mi opinión.
No todo es perfecto en la vida y andanzas de nuestro protagonista. En el último asesinato, comete un error - estaba ya dos años sin hacerlo - y ello lleva a e dejarse ver por un fotógrafo que lo chantajea con algo especial: acompañarlo la próxima vez. Además se incorpora la historia de su hija única que ha abandonado los estudios como para complicar aún más la trama.
El desarrollo de la película luego de presentar los conflictos baja de intensidad y se alarga inecesariamente, pues los personajes que son presentados a continuación, no son desarrollados convincentemente. Tracy, la policía encarnada por Demi Moore no despega y su historia personal no logra agarrar el vuelo necesario para compensar los largos minutos de metraje destinados a ella.
En síntesis, sin contar lo mencionado sobre la tensión que se diluye en la sección central, vemos un thriller elaborado y que entretiene a los espectadores hasta el final.
Ficha técnica
Titulo original: Mr. Brooks
Dirección: Bruce A. Evans
País: EEUU
Año: 2007
Género: Thriller
Elenco: Earl Brooks (Kevin Costner), Tracy Atwood (Demi Moore), Marshall (William Hurt), Marge Helgenberger (Emma Brooks), Dane Cook (Smith)
Guión: Raynold Gideon y Bruce A. Evans
Duración: 120 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: CDI Films
La familia de Earl es perfecta y su vida A también... sólo lo atormenta este deseo frenético de asesinar, que de todas maneras trata de controlar con mucha tenacidad, pese a la oposición de su alter ego Marchall quien lo impulsa una y otra vez a su perversión. Esta figura de un alter ego de carne y hueso, me parece algo burdo, lo que le resta dramatismo a la película en mi opinión.
No todo es perfecto en la vida y andanzas de nuestro protagonista. En el último asesinato, comete un error - estaba ya dos años sin hacerlo - y ello lleva a e dejarse ver por un fotógrafo que lo chantajea con algo especial: acompañarlo la próxima vez. Además se incorpora la historia de su hija única que ha abandonado los estudios como para complicar aún más la trama.
El desarrollo de la película luego de presentar los conflictos baja de intensidad y se alarga inecesariamente, pues los personajes que son presentados a continuación, no son desarrollados convincentemente. Tracy, la policía encarnada por Demi Moore no despega y su historia personal no logra agarrar el vuelo necesario para compensar los largos minutos de metraje destinados a ella.
En síntesis, sin contar lo mencionado sobre la tensión que se diluye en la sección central, vemos un thriller elaborado y que entretiene a los espectadores hasta el final.
Ficha técnica
Titulo original: Mr. Brooks
Dirección: Bruce A. Evans
País: EEUU
Año: 2007
Género: Thriller
Elenco: Earl Brooks (Kevin Costner), Tracy Atwood (Demi Moore), Marshall (William Hurt), Marge Helgenberger (Emma Brooks), Dane Cook (Smith)
Guión: Raynold Gideon y Bruce A. Evans
Duración: 120 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: CDI Films
viernes, 24 de agosto de 2007
Duro de Matar 4.0
Bruce Willis - o John McClane - lo hace nuevamente. Esta película, cuarta de la saga, repite un patrón clásico y que funciona: un súper hombre, que todo lo puede y que se enfrenta a los mayores peligros saliendo... casi ileso. De todas formas, siempre se nos recuerda que el protagonista es de carne y hueso y la posibilidad de morir esta latente permanentemente, por eso no es ni Superman, ni Spiderman... es sólo un policía duro.
Esta vez la encrucijada en que se ve envuelto por azar es un ataque informático a gran escala, para el que las autoridades no están lógicamente preparadas - no tienen la CTU que soporta a Jack Bauer en 24, pero el equipo no es menor - y se van enfrentando a una desconocida y terrible 'venta de liquidación', tres pasos siniestros que pretenden tomar el control de todo - o mas bien del vil dinero - y de paso cobrar venganza de anteriores relaciones con el poder. Ayudado por un joven hacker a quien ha salvado de morir, se va metiendo en la historia desconocida de las vidas virtuales, identidades informáticas y todo el arsenal de herramientas que se presentan de forma muy creíble y que sin duda han comenzado a ser parte de la rutina diaria de gran parte de nosotros.
El film es brillante en mostrar escenas de adrenalina pura desde su comienzo, las que son muchas mas que las mostradas en los trailers promocionales. Entretiene mucho y se da tiempo para mostrar las brechas generacionales que separan a los adultos actuales de los jóvenes cibercomputines de hoy, mostrando dos mundos distintos unidos solo por conexiones casi virtuales...
La dosis de humor no falta y se agradece luego de largas secuencias angustiantes como la que concluye con el derribo de un helicóptero con un auto 'porque se acabaron las balas'
En síntesis, recomendable para los amantes de la acción y de todos los que no se pierden las sagas de McClane.
Ficha Técnica
Titulo original: Live free or die hard
Dirección: Len Wiseman
País: EEUU
Año: 2007
Género: Acción
Elenco: Bruce Willis (John McClane), Timothy Olyphant (Thomas Gabriel), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane), Justin Long (Matt Farrell), Maggie Q (Mai Lihn)
Guión: Mark Bomback
Duración: 130 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Fox
Esta vez la encrucijada en que se ve envuelto por azar es un ataque informático a gran escala, para el que las autoridades no están lógicamente preparadas - no tienen la CTU que soporta a Jack Bauer en 24, pero el equipo no es menor - y se van enfrentando a una desconocida y terrible 'venta de liquidación', tres pasos siniestros que pretenden tomar el control de todo - o mas bien del vil dinero - y de paso cobrar venganza de anteriores relaciones con el poder. Ayudado por un joven hacker a quien ha salvado de morir, se va metiendo en la historia desconocida de las vidas virtuales, identidades informáticas y todo el arsenal de herramientas que se presentan de forma muy creíble y que sin duda han comenzado a ser parte de la rutina diaria de gran parte de nosotros.
El film es brillante en mostrar escenas de adrenalina pura desde su comienzo, las que son muchas mas que las mostradas en los trailers promocionales. Entretiene mucho y se da tiempo para mostrar las brechas generacionales que separan a los adultos actuales de los jóvenes cibercomputines de hoy, mostrando dos mundos distintos unidos solo por conexiones casi virtuales...
La dosis de humor no falta y se agradece luego de largas secuencias angustiantes como la que concluye con el derribo de un helicóptero con un auto 'porque se acabaron las balas'
En síntesis, recomendable para los amantes de la acción y de todos los que no se pierden las sagas de McClane.
Ficha Técnica
Titulo original: Live free or die hard
Dirección: Len Wiseman
País: EEUU
Año: 2007
Género: Acción
Elenco: Bruce Willis (John McClane), Timothy Olyphant (Thomas Gabriel), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane), Justin Long (Matt Farrell), Maggie Q (Mai Lihn)
Guión: Mark Bomback
Duración: 130 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Fox
jueves, 16 de agosto de 2007
Hotel sin salida
Curiosamente esta película muy propia de los thriller, tiene una factura muy buena. Bien filmada, buenas tomas y colores, dan cuenta de una buena producción, con detalles e iluminaciones muy acordes a la realidad a mostrar.
Falla acá la historia. Cuantas veces uno quisiera ver historias excelentes en formatos igual de excelentes. Pero no todo puede o debe coincidir.
A pesar de la trama, la película se deja ver y propone un suspenso meridiano. De hecho, la tensión se hace evidente, mientras más nos acercamos al hotel, que sabemos parte fundamental de la historia. Es en la habitación del hotel donde se dan los mejores momentos. Esta pareja, que ha decidido divorciarse, se ve enfrentada a algo inusual, cayendo en una desesperación vital para salvar la vida. Por supuesto lo pasado se olvida y el presente - y la escapatoria - pasan a ser la prioridad.
Ya cerca del final uno lamenta la poca elaboración del guión, pues con todos los elementos a favor, desencanta y pierde lo mucho del sentido al que se había llegado. Entretiene, si, y permite distraerse de los propios peligros que acechan nuestra vida, aún cuando con una historia más potente habría sido un lujo.
Ficha Técnica
Titulo original: Vacancy
Dirección: Nimród Antal
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller
Elenco: Kate Beckinsale (Amy Fox), Luke Wilson (David Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (mecánico)
Guión: Mark L. Smith
Duración: 85 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Andes Films
Falla acá la historia. Cuantas veces uno quisiera ver historias excelentes en formatos igual de excelentes. Pero no todo puede o debe coincidir.
A pesar de la trama, la película se deja ver y propone un suspenso meridiano. De hecho, la tensión se hace evidente, mientras más nos acercamos al hotel, que sabemos parte fundamental de la historia. Es en la habitación del hotel donde se dan los mejores momentos. Esta pareja, que ha decidido divorciarse, se ve enfrentada a algo inusual, cayendo en una desesperación vital para salvar la vida. Por supuesto lo pasado se olvida y el presente - y la escapatoria - pasan a ser la prioridad.
Ya cerca del final uno lamenta la poca elaboración del guión, pues con todos los elementos a favor, desencanta y pierde lo mucho del sentido al que se había llegado. Entretiene, si, y permite distraerse de los propios peligros que acechan nuestra vida, aún cuando con una historia más potente habría sido un lujo.
Ficha Técnica
Titulo original: Vacancy
Dirección: Nimród Antal
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller
Elenco: Kate Beckinsale (Amy Fox), Luke Wilson (David Fox), Frank Whaley (Mason), Ethan Embry (mecánico)
Guión: Mark L. Smith
Duración: 85 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Andes Films
Rebeldes con causa
John Travolta, junto a tres amigos cuarentones, protagonizan esta película que habla de la búsqueda de la vida perdida ( o nunca lograda ) cuando surgen los cuestionamientos del avance de la edad.
Con varios gags y situaciones cómicas, el film entra en un vacío cuando nuestros héroes se encuentran con una banda de motoqueros que no tienen buenas pulgas. Las historias de como se enredan y desenredan hacen el resto, dando muestras de un pequeño impulso creativo que no logra desarrollarse mucho más - no se le pide mucho más tampoco - pues las historias están bastante claras y cerradas.
Probablemente Woody es el más libre de todos, aunque no por libertado propia sino porque lo ha abandonado su mujer - modelo y millonaria - y se ha quedado en la banca rota. Los demás viven vidas normales, sencillas, buscando en esta aventura salir de la rutina y tal vez darse cuenta que sus vidas no son tan malas como parecen.
Ficha Técnica
Titulo original: Wild Hogs
Dirección: Walt Becker
País: USA
Año: 2007
Género: Comedia
Elenco: John Travolta (Woody Stevens), William H. Macy (Dudley Frank), Tim Allen (Doug Madsen), Martin Lawrence (Bobby Davis), Ray Liotta (Jack), Marisa Tomei (Maggie)
Guión: Brad Copeland
Duración: 100 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Andes Films
Con varios gags y situaciones cómicas, el film entra en un vacío cuando nuestros héroes se encuentran con una banda de motoqueros que no tienen buenas pulgas. Las historias de como se enredan y desenredan hacen el resto, dando muestras de un pequeño impulso creativo que no logra desarrollarse mucho más - no se le pide mucho más tampoco - pues las historias están bastante claras y cerradas.
Probablemente Woody es el más libre de todos, aunque no por libertado propia sino porque lo ha abandonado su mujer - modelo y millonaria - y se ha quedado en la banca rota. Los demás viven vidas normales, sencillas, buscando en esta aventura salir de la rutina y tal vez darse cuenta que sus vidas no son tan malas como parecen.
Ficha Técnica
Titulo original: Wild Hogs
Dirección: Walt Becker
País: USA
Año: 2007
Género: Comedia
Elenco: John Travolta (Woody Stevens), William H. Macy (Dudley Frank), Tim Allen (Doug Madsen), Martin Lawrence (Bobby Davis), Ray Liotta (Jack), Marisa Tomei (Maggie)
Guión: Brad Copeland
Duración: 100 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Andes Films
El numero 23
Curiosa película nos presenta Joel Schumacher. De una factura innegable, da cuenta de una historia muy especial, algo así como premoniciones que se van convirtiendo en realidad.
Nuestro protagonista, Walter Sparrow - caracterizado por un Jim Carrey que no alcanza a lograr el dramatismo necesario - es seducido por un libro que contiene capítulos donde se narra una infancia muy parecida a la suya. Las coincidencias son enormes y la obsesión por el número 23 comienza a tomar por completo la vida de Walter y de su familia.
Con intrincadas y audaces coincidencias, cambios temporales y de espacio, la película va alcanzando un buen momento de climax, donde todos los personajes pueden resultar ser el tan buscado asesino.
Una película de suspenso bien logrado que entretiene y sorprende.
Ficha Técnica
Titulo original: The number 23
Dirección: Joel Schumacher
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller/ suspenso
Elenco: Jim Carrey (Walter Sparrow/ Fingerling), Virginia Madsen (Agatha Sparrow/ Fabrizia), Logan Lerman (Robin Sparrow), Danny Houston (Isaac French/ Dr. Miles Phoenix)
Guión: Fernley Phillips
Duración: 97 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Warner
Nuestro protagonista, Walter Sparrow - caracterizado por un Jim Carrey que no alcanza a lograr el dramatismo necesario - es seducido por un libro que contiene capítulos donde se narra una infancia muy parecida a la suya. Las coincidencias son enormes y la obsesión por el número 23 comienza a tomar por completo la vida de Walter y de su familia.
Con intrincadas y audaces coincidencias, cambios temporales y de espacio, la película va alcanzando un buen momento de climax, donde todos los personajes pueden resultar ser el tan buscado asesino.
Una película de suspenso bien logrado que entretiene y sorprende.
Ficha Técnica
Titulo original: The number 23
Dirección: Joel Schumacher
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller/ suspenso
Elenco: Jim Carrey (Walter Sparrow/ Fingerling), Virginia Madsen (Agatha Sparrow/ Fabrizia), Logan Lerman (Robin Sparrow), Danny Houston (Isaac French/ Dr. Miles Phoenix)
Guión: Fernley Phillips
Duración: 97 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Warner
miércoles, 8 de agosto de 2007
Elsa y Fred
Preparado para una historia conocida ( o más bien sabiendo que la historia será más o menos igual a otras ) no llegué con muchas espectativas a ver esta película.
Sin embargo desde el comienzo de la actuación de Elsa ( China Zorrilla ) encanta la libertad y espontaneidad del personaje. Con una vitalidad que da envidia, Elsa se las arregla para inyectar vida a Alfredo, luego que el llega a ser su nuevo vecino.
Un juego de emociones, del significado de la vida y la muerte a esa edad ( que vendría a ser algo más que la tercera edad ) y del poder invertir el "dejarse morir" por el "dejarse vivir", hacen de este film un adorable cuadro armónico, lleno de vitalidad.
Como película tiene algunos percances de continuidad, de espacios, de ubicaciones temporales y a mi juicio un final algo trunco. Sin embargo la historia ( simple pero redonda ) y particularmente la caracterización excelentemente lograda de todos los personajes, permiten al espectador hacerse una clara idea de todo lo que está pasando y sentirse uno más ( un hijo tal vez ) participando del film.
Ficha Técnica
Dirección: Marcos Carnevale
País: España y Argentina
Año: 2005
Género: Comedia dramática
Elenco: Manuel Alexandre (Fred), China Zorrilla (Elsa), Blanca Portillo (Cuca), Roberto Carnaghi (Gabriel), José Ángel Egido (Paco), Gonzalo Urtizberea (Alejo), Omar Muñoz (Javi), Federico Luppi (Pablo)
Duración: 99 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Four Films
Sin embargo desde el comienzo de la actuación de Elsa ( China Zorrilla ) encanta la libertad y espontaneidad del personaje. Con una vitalidad que da envidia, Elsa se las arregla para inyectar vida a Alfredo, luego que el llega a ser su nuevo vecino.
Un juego de emociones, del significado de la vida y la muerte a esa edad ( que vendría a ser algo más que la tercera edad ) y del poder invertir el "dejarse morir" por el "dejarse vivir", hacen de este film un adorable cuadro armónico, lleno de vitalidad.
Como película tiene algunos percances de continuidad, de espacios, de ubicaciones temporales y a mi juicio un final algo trunco. Sin embargo la historia ( simple pero redonda ) y particularmente la caracterización excelentemente lograda de todos los personajes, permiten al espectador hacerse una clara idea de todo lo que está pasando y sentirse uno más ( un hijo tal vez ) participando del film.
Ficha Técnica
Dirección: Marcos Carnevale
País: España y Argentina
Año: 2005
Género: Comedia dramática
Elenco: Manuel Alexandre (Fred), China Zorrilla (Elsa), Blanca Portillo (Cuca), Roberto Carnaghi (Gabriel), José Ángel Egido (Paco), Gonzalo Urtizberea (Alejo), Omar Muñoz (Javi), Federico Luppi (Pablo)
Duración: 99 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Four Films
Los Simpson
Reconozco no ser un espectador de la serie. Es más, creo no haberla visto nunca completa ( ni un sólo capítulo, sólo pedazos ) y tuve que pedir - como no pocas veces - clases para entender quienes son los personajes.
Sin embargo, quedé maravillado con la película. Mucho más que lo que hubiese esperado. Me reí a carcajadas con muchas situaciones que rayan en lo insólito y disfruté de los personajes que conocía por primera vez.
Sin duda es un reflejo patente de una sociedad que no es la nuestra pero que se vislumbra como un peligro en potencia. Relaciones incómodas, desafecciones y un contenido social importante, hacen que uno se explique que el fenómeno lleve ya 18 temporadas...
El tema del calentamiento global está tratado muy seriamente y el de la basura para que decir. Si hiciéramos caso a lo que nos plantea la película, podríamos de verdad salvar el planeta. Ojalá que quienes deciden en este mundo, sean fanáticos de Los Simpson y por esta vía entiendan lo que estamos viviendo y lo que vendrá en el futuro si no tomamos acciones hoy mismo.
Ficha Técnica
Titulo original: The Simpson Movie
Dirección: David Silverman
País: USA
Año: 2007
Género: Animación/ Comedia
Guión: Matt Groening, James L. Brooks, Jon Vitti
Duración: 90 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Fox
Sin embargo, quedé maravillado con la película. Mucho más que lo que hubiese esperado. Me reí a carcajadas con muchas situaciones que rayan en lo insólito y disfruté de los personajes que conocía por primera vez.
Sin duda es un reflejo patente de una sociedad que no es la nuestra pero que se vislumbra como un peligro en potencia. Relaciones incómodas, desafecciones y un contenido social importante, hacen que uno se explique que el fenómeno lleve ya 18 temporadas...
El tema del calentamiento global está tratado muy seriamente y el de la basura para que decir. Si hiciéramos caso a lo que nos plantea la película, podríamos de verdad salvar el planeta. Ojalá que quienes deciden en este mundo, sean fanáticos de Los Simpson y por esta vía entiendan lo que estamos viviendo y lo que vendrá en el futuro si no tomamos acciones hoy mismo.
Ficha Técnica
Titulo original: The Simpson Movie
Dirección: David Silverman
País: USA
Año: 2007
Género: Animación/ Comedia
Guión: Matt Groening, James L. Brooks, Jon Vitti
Duración: 90 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Fox
Secretos intimos
Esta película puede verse como un ejemplo de lo que sucede con ciertos modelos o familias norteamericanas en donde la separación del trabajo y la familia hace estragos en las relaciones afectivas.
Sarah ( Kate Winslet ), y Brad ( Patrick Wilson ) sin quererlo ni intencionarlo se enredan en una relación fuera de sus matrimonios. Múltiples razones tienen para ello y básicamente tienen la opción de hacerlo. Insatisfechos en sus propias relaciones, buscan escapar de ellas con un engaño que va creciendo poco a poco.
Por otro lado, un personaje que fue condenado por actos de pedofilia ( Ronnie ) sufre los prejuicios de una muy cerrada comunidad que la va haciendo la poca vida que tiene insostenible.
Una película con matices, algo lenta en su desarrollo, pero que contiene un mensaje sustantivo de las relaciones afectivas, la soledad, y la discriminación. Deja pensando...
Ficha Técnica
Titulo Original: Little Children
Dirección: Todd Field
Año: 2006
País: USA
Elenco: Kate Winslet (Sarah Pierce), Patrick Wilson (Brad Adamson), Jennifer Connelly (Kathy Adamson), Greg Edelman (Richard Pierce), Jackie Earle Haley (Ronnie J. McGorvery), Noah Emmerich (Larry Hedges)
Guión: Todd Field y Tom Perrotta
Duración: 135 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Bazuca
Sarah ( Kate Winslet ), y Brad ( Patrick Wilson ) sin quererlo ni intencionarlo se enredan en una relación fuera de sus matrimonios. Múltiples razones tienen para ello y básicamente tienen la opción de hacerlo. Insatisfechos en sus propias relaciones, buscan escapar de ellas con un engaño que va creciendo poco a poco.
Por otro lado, un personaje que fue condenado por actos de pedofilia ( Ronnie ) sufre los prejuicios de una muy cerrada comunidad que la va haciendo la poca vida que tiene insostenible.
Una película con matices, algo lenta en su desarrollo, pero que contiene un mensaje sustantivo de las relaciones afectivas, la soledad, y la discriminación. Deja pensando...
Ficha Técnica
Titulo Original: Little Children
Dirección: Todd Field
Año: 2006
País: USA
Elenco: Kate Winslet (Sarah Pierce), Patrick Wilson (Brad Adamson), Jennifer Connelly (Kathy Adamson), Greg Edelman (Richard Pierce), Jackie Earle Haley (Ronnie J. McGorvery), Noah Emmerich (Larry Hedges)
Guión: Todd Field y Tom Perrotta
Duración: 135 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Bazuca
martes, 24 de julio de 2007
Les Luthiers: Los premios Mastropiero
Estas corresponden a aquellas ocasiones especiales de la vida. Tener la suerte y la posibilidad de ver a Les Luthiers ya es un regalo. Verlos en Buenos Aires, en el Teatro Gran Rex, es un lujo.
Partió la velada con un homenaje en off a Roberto Fontanarrosa, colaborador creativo del grupo, fallecido el día anterior ( 17 de julio 2007 ) Ver salir al grupo ya nos da la idea de lo que viene. En realidad, desde antes. Desde leer los títulos del programa uno sabe que lo que viene será en grande... Con un formato parecido a "Todo porque rías" son dos los relatores que tienen como misión entregar los premios. Al otro lado del escenario, el grupo musical que oficia de telón de fondo a la ceremonia.
Para que decir que el despliegue de humor en toda la noche es mágico. Dar cuenta de cada situación es imposible, sin embargo destacan "Ya no te amo, Raúl" ( Bolera ) donde ante la ausencia - prevista por cierto - de la solista, asume Rabinovich y saca una y otra carcajada del público con su relato cambiado.
También el dúo de amor para varios intérpretes llamado "Ella me engaña con otro" es genial como enlace al "Amor a primera vista" del comienzo. Juana Isabel ( canción con forma de merengue ) es introducido por el dúo entre Robinovich y Mundstock, hilarante hasta más no poder, sobre el merengue ( danza y postre ) con toda la introducción ya conocida en algún espectáculo anterior.
Con una línea que toca todo el show, siempre hay vueltas atrás, algunas a otros espectáculos ( cartas de color, por ejemplo ) y sorpresas que hacen de la noche algo único y especial. Con un siempre preparado "fuera de programa" concluyen uno de los espectáculos más singulares y únicos del humor que podemos presenciar.
Partió la velada con un homenaje en off a Roberto Fontanarrosa, colaborador creativo del grupo, fallecido el día anterior ( 17 de julio 2007 ) Ver salir al grupo ya nos da la idea de lo que viene. En realidad, desde antes. Desde leer los títulos del programa uno sabe que lo que viene será en grande... Con un formato parecido a "Todo porque rías" son dos los relatores que tienen como misión entregar los premios. Al otro lado del escenario, el grupo musical que oficia de telón de fondo a la ceremonia.
Para que decir que el despliegue de humor en toda la noche es mágico. Dar cuenta de cada situación es imposible, sin embargo destacan "Ya no te amo, Raúl" ( Bolera ) donde ante la ausencia - prevista por cierto - de la solista, asume Rabinovich y saca una y otra carcajada del público con su relato cambiado.
También el dúo de amor para varios intérpretes llamado "Ella me engaña con otro" es genial como enlace al "Amor a primera vista" del comienzo. Juana Isabel ( canción con forma de merengue ) es introducido por el dúo entre Robinovich y Mundstock, hilarante hasta más no poder, sobre el merengue ( danza y postre ) con toda la introducción ya conocida en algún espectáculo anterior.
Con una línea que toca todo el show, siempre hay vueltas atrás, algunas a otros espectáculos ( cartas de color, por ejemplo ) y sorpresas que hacen de la noche algo único y especial. Con un siempre preparado "fuera de programa" concluyen uno de los espectáculos más singulares y únicos del humor que podemos presenciar.
Camerata Bariloche
El martes 17 de julio se presentó en Aantiago - Teatro Municipal - la excelente Camerata Bariloche. Con una agrupación de Orquesta de Cámara tradicional, ofreció un concierto con obras de Mozart, Marcello, Vivaldi, Bach y Piazzola.
Comenzó el concierto con "Una pequeña Serenata Nocturna" Difícil obra para iniciar el programa. Muy conocida, esta obra presenta las mayores dificultades de interpretación clásica. El equilibrio conseguido fue espléndido, con una sonoridad bastante pastosa, no tan brillante tal vez como se desearía en la chispa de Mozart, pero convincente. De las familias, destacan los bajos, muy precisos y con afinación muy compenetrada. Salvo algunos desajustes en los primeros violines - básicamente de afinación en los agudos - escuchamos una presentación de primer nivel. Algo rápido el segundo tiempo, derivó en un final muy chispeante y lleno de color.
Como segunda obra escuchamos el Concierto para Oboe de Marcello. La orquesta se lució en esos brillantes "unísonos" que dan paso a la entrada del solista. En esta ocasión el solista nos ofreció una versión muy recatada del concierto. Sin el brillo propio del oboe y carente de mayor sonoridad, la orquesta en varios pasajes estaba al borde de ocultar al oboe, el que gracias a su particular timbre lograba salir al paso con una dosis de color. Una versión correcta, mas no del nivel del resto del programa.
Al terminar la primera parte algo muy poco comprensible. Escuchamos sólo el trecer movimiento del Concierto en Sol menor ( El Verano ) de las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi. Estaba anunciado el concierto completo, sin embargo se ofrece sólo el último tiempo, casi como bis... En la versión ofrecida a cargo del solista y concertino Fernando Hasaj pudimos escuchar una brillante interpretación, muy musical y comprometida. Lamentamos algunas claras desafinaciones en los agudos y en ciertos pasajes llenos de grandes dificultades.
La segunda parte dio inicio con el Concierto para dos violines en re menor de J.S.Bach - hermoso concierto de gran profundidad tanto para los solistas y la orquesta -, con el Maestro Hasaj como primer violín y su asistente como segundo. Llama la atención - dentro de la sólida versión presentada - algunos desajustes en los estilos del toque entre ambos violines. Esto se hace presente mayormente en el primer y segundo movimiento, donde diferencias en golpes de arco y ligaduras provocan una cierta tensión del concierto. Un romanticismo - algo exagerado en mi impresión - en el segundo tiempo da paso a un brillante final, donde solistas y orquesta se lucen en una mágica cadena de solos y tuttis.
Para finalizar, escuchamos tres piezas de Astor Piazzola, muy llenas del espíritu porteño y orquestadas magistralmente para esta agrupación. Nuevamente algunas desafinaciones en los agudos de los solos de violín hicieron algo de mella al brillante desempeño orquestal. Adios Nonino, clásico entre los clásicos de Piazzola, cerró la brillante noche de la Camerata. Fuera de programa un Divertimento de Mozart finalizó de manera redonda una gran presentación de una agrupación de nivel internacional, cuya presencia en nuestro teatro es verdaderamente un lujo.
Comenzó el concierto con "Una pequeña Serenata Nocturna" Difícil obra para iniciar el programa. Muy conocida, esta obra presenta las mayores dificultades de interpretación clásica. El equilibrio conseguido fue espléndido, con una sonoridad bastante pastosa, no tan brillante tal vez como se desearía en la chispa de Mozart, pero convincente. De las familias, destacan los bajos, muy precisos y con afinación muy compenetrada. Salvo algunos desajustes en los primeros violines - básicamente de afinación en los agudos - escuchamos una presentación de primer nivel. Algo rápido el segundo tiempo, derivó en un final muy chispeante y lleno de color.
Como segunda obra escuchamos el Concierto para Oboe de Marcello. La orquesta se lució en esos brillantes "unísonos" que dan paso a la entrada del solista. En esta ocasión el solista nos ofreció una versión muy recatada del concierto. Sin el brillo propio del oboe y carente de mayor sonoridad, la orquesta en varios pasajes estaba al borde de ocultar al oboe, el que gracias a su particular timbre lograba salir al paso con una dosis de color. Una versión correcta, mas no del nivel del resto del programa.
Al terminar la primera parte algo muy poco comprensible. Escuchamos sólo el trecer movimiento del Concierto en Sol menor ( El Verano ) de las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi. Estaba anunciado el concierto completo, sin embargo se ofrece sólo el último tiempo, casi como bis... En la versión ofrecida a cargo del solista y concertino Fernando Hasaj pudimos escuchar una brillante interpretación, muy musical y comprometida. Lamentamos algunas claras desafinaciones en los agudos y en ciertos pasajes llenos de grandes dificultades.
La segunda parte dio inicio con el Concierto para dos violines en re menor de J.S.Bach - hermoso concierto de gran profundidad tanto para los solistas y la orquesta -, con el Maestro Hasaj como primer violín y su asistente como segundo. Llama la atención - dentro de la sólida versión presentada - algunos desajustes en los estilos del toque entre ambos violines. Esto se hace presente mayormente en el primer y segundo movimiento, donde diferencias en golpes de arco y ligaduras provocan una cierta tensión del concierto. Un romanticismo - algo exagerado en mi impresión - en el segundo tiempo da paso a un brillante final, donde solistas y orquesta se lucen en una mágica cadena de solos y tuttis.
Para finalizar, escuchamos tres piezas de Astor Piazzola, muy llenas del espíritu porteño y orquestadas magistralmente para esta agrupación. Nuevamente algunas desafinaciones en los agudos de los solos de violín hicieron algo de mella al brillante desempeño orquestal. Adios Nonino, clásico entre los clásicos de Piazzola, cerró la brillante noche de la Camerata. Fuera de programa un Divertimento de Mozart finalizó de manera redonda una gran presentación de una agrupación de nivel internacional, cuya presencia en nuestro teatro es verdaderamente un lujo.
martes, 17 de julio de 2007
Transformers
Primero que nada vale decir que no soy de la época de los gloriosos monitos animados de estos robotitos. Sin embargo, gocé la película como niño, al ver las increibles acciones de estos bichos con su capacidad de transformarse al instante.
La historia no resulta tan simple para quienes no venimos con el tema más internalizado, pero se logra explicar en pocos pasos. Las escenas de ataque son increibles, la lucha entre los robots, casi no perdonan nada en pié. Asimismo, las situaciones cómicas que alivianan en algo las tragedias se agradecen de sobremanera.
Destaca mucho el tema que el ataque a los terrestres no es necesariamente a la vida de las personas sino a meterse en la red de redes y en los sistemas centrales informáticos de cada lugar. Tan sensible resulta ser esto que tal vez la humanidad dependa de cables y redes. ( futuro o presente ? )
Una película ágil, con efectos especiales que no se notan en la interacción de las máquinas con los humanos. Muy bien lograda la música y apropiada a las batallas y acciones que se siguen unas a otras. Tal vez sólo un desarrollo mayor de los personajes pudiera extrañarse, pero la película entretiene y mucho en sus más de dos horas de duración.
La historia no resulta tan simple para quienes no venimos con el tema más internalizado, pero se logra explicar en pocos pasos. Las escenas de ataque son increibles, la lucha entre los robots, casi no perdonan nada en pié. Asimismo, las situaciones cómicas que alivianan en algo las tragedias se agradecen de sobremanera.
Destaca mucho el tema que el ataque a los terrestres no es necesariamente a la vida de las personas sino a meterse en la red de redes y en los sistemas centrales informáticos de cada lugar. Tan sensible resulta ser esto que tal vez la humanidad dependa de cables y redes. ( futuro o presente ? )
Una película ágil, con efectos especiales que no se notan en la interacción de las máquinas con los humanos. Muy bien lograda la música y apropiada a las batallas y acciones que se siguen unas a otras. Tal vez sólo un desarrollo mayor de los personajes pudiera extrañarse, pero la película entretiene y mucho en sus más de dos horas de duración.
Ocean`s Thirteen
Sin la espectacularidad de las anteriores entregas, esta nueva película de la saga no logra prender en su totalidad.
La historia es más simple: por venganza, darle al dueño de un nuevo y espectacular casino, Willy Bank, una sorpresa ingrata y un robo enorme. La relación de hechos, el control de cada detalle y la facilidad del soborno - donde la lealtad es un valor que no lo conoce nadie - hacen que la película fluya sin mayores contratiempos.
Hay ciertos mementos muy graciosos y otros tremendamente espectaculares. Sin duda el director nos pasea por una generosa muestra de la mejor coordinación que se pueda pensar para dar un gran golpe.
Al Pacino no es lo brillante que uno quisiera - o recuerda - y Clooney se remite a su estampa y gracia de entregas anteriores. En esta es mucho más coordinador que ejecutor y le viene muy bien.
Entretenida, como para pensar que la historia seguirá nuevamente.
Ficha Técnica
Titulo original: Ocean`s Thirteen
Dirección: Steven Soderbergh
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller /Comedia
Elenco: George Clooney (Danny Ocean), Brad Pitt (Rusty Ryan), Matt Damon (Linus Cadwell/ Lenny Pepperidge), Al Pacino (Willy Bank), Ellen Barkin (Abigail Sponder), Don Cheadle (Basher Tarr/ Fender Roads)
Guión: Brian Koppelman y David Levien
Duración: 127 minutos
Calificación: TE+7
La historia es más simple: por venganza, darle al dueño de un nuevo y espectacular casino, Willy Bank, una sorpresa ingrata y un robo enorme. La relación de hechos, el control de cada detalle y la facilidad del soborno - donde la lealtad es un valor que no lo conoce nadie - hacen que la película fluya sin mayores contratiempos.
Hay ciertos mementos muy graciosos y otros tremendamente espectaculares. Sin duda el director nos pasea por una generosa muestra de la mejor coordinación que se pueda pensar para dar un gran golpe.
Al Pacino no es lo brillante que uno quisiera - o recuerda - y Clooney se remite a su estampa y gracia de entregas anteriores. En esta es mucho más coordinador que ejecutor y le viene muy bien.
Entretenida, como para pensar que la historia seguirá nuevamente.
Ficha Técnica
Titulo original: Ocean`s Thirteen
Dirección: Steven Soderbergh
País: USA
Año: 2007
Género: Thriller /Comedia
Elenco: George Clooney (Danny Ocean), Brad Pitt (Rusty Ryan), Matt Damon (Linus Cadwell/ Lenny Pepperidge), Al Pacino (Willy Bank), Ellen Barkin (Abigail Sponder), Don Cheadle (Basher Tarr/ Fender Roads)
Guión: Brian Koppelman y David Levien
Duración: 127 minutos
Calificación: TE+7
Ratatouille
Esta película es de las buenas, sin duda. La historia de una rata que tiene un talento especial para los olores y la cocina es claramente un contrasentido. Ello es, finalmente, lo que le da sentido al film.
Con una animación fuera de serie - tanto así que todo parece real y actuado - la película se roba el corazón del espectador desde el inicio. Remy ama a su familia, sin embargo sus deseos son llegar a cocinar platos muy preparados, llenos de sabores y especias.
En su alejamiento forzado de su familia, llega justo debajo del Restaurant del chef que ha visto siempre en televisión: Gusteau. Esto es simplemente maravilloso para Remy, quien comienza las aventuras con Linguini, un chico torpe que tiene trabajo de aseador de cocina y que resultará ser el hijo del gran Chef, pero que de cocina nada sabe.
Todas las aventuras y desventuras son geniales. El reencuentro con su familia, lo que debe sortear para no delatarse en la cocina - sobre el gorro de Linguini - y la organización del evento final, son secciones muy redondas y llenas de magia.
Mención aparte la relación que se produce con Ego, el crítico de cocina más prestigioso de Paris. Hay allí una imagen increible, que transporta a Egos a su infancia y que produce el momento más emocionante de la película.
Una maravilla, un excelente logro completo.
Ficha Técnica
Titulo original: Ratatouille
Dirección y Guión: Brad Bird
País: USA
Año: 2007
Género: Animación/ Aventuras
Duración: 118 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Andes Films
Con una animación fuera de serie - tanto así que todo parece real y actuado - la película se roba el corazón del espectador desde el inicio. Remy ama a su familia, sin embargo sus deseos son llegar a cocinar platos muy preparados, llenos de sabores y especias.
En su alejamiento forzado de su familia, llega justo debajo del Restaurant del chef que ha visto siempre en televisión: Gusteau. Esto es simplemente maravilloso para Remy, quien comienza las aventuras con Linguini, un chico torpe que tiene trabajo de aseador de cocina y que resultará ser el hijo del gran Chef, pero que de cocina nada sabe.
Todas las aventuras y desventuras son geniales. El reencuentro con su familia, lo que debe sortear para no delatarse en la cocina - sobre el gorro de Linguini - y la organización del evento final, son secciones muy redondas y llenas de magia.
Mención aparte la relación que se produce con Ego, el crítico de cocina más prestigioso de Paris. Hay allí una imagen increible, que transporta a Egos a su infancia y que produce el momento más emocionante de la película.
Una maravilla, un excelente logro completo.
Ficha Técnica
Titulo original: Ratatouille
Dirección y Guión: Brad Bird
País: USA
Año: 2007
Género: Animación/ Aventuras
Duración: 118 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Andes Films
lunes, 2 de julio de 2007
Paris yo te amo
Precedida de muy buenos comentarios y otros tal vez no tan buenos, este experimento - pues film no es - nos conduce a una suerte de muestra aleatoria de cuadros parisinos. Es cierto que la ciudad luz es el eje conductor, pero las historias no tienen relación entre si como para denominarla una película.
Como cuando uno va a un museo y ve una colección de cuadros, o bien revisa diferentes postales, esta muestra bien podría aspirar a una unidad lograda en base a una línea común. De hecho, al final se intenta entremezclar las historias, o bien la interacción de algunos de los personajes conocidos anteriormente.
Historias muy variadas, algunas muy bien contadas y otras algo demás para mi gusto - como el amor de los vampiros - demuestran como en algunos casos se puede contar una historia compleja en muy poco metraje, sólo destacando puntos esenciales combinado a un muy buen manejo actoral - como la de los mimos - y de cámaras. En este último punto sentí que faltó más interacción con la ciudad, más urbana, más relacionada con los habitantes y su diario vivir.
Ficha Técnica
Titulo original: Paris Je t’ aime
Dirección: Olivier Assayas, Frederic Auburtin, Gerard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel & Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuaron, Christopher Doyle, Richard Lagravenese, Vicenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalynes, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tikwer, Gus Van Sant
País: Francia
Año: 2006
Género: Romance
Elenco: Steve Buscemi (turista), Catalina Sandino Moreno (Ana), Juliette Binoche (Suzanne), Willem Dafne (El Cowboy), Nick Nolte (Vincent), Ludivine Sagnier (Claire), Maggie Gyllenhaal (Liz), Fanny Ardant (Fanny Forestier), Elijah Wood (turista), Natalie Portman (Francine), BenGazzara (Ben), Gena Rowlands (Gena)
Duración: 120 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Impacto Cine
Como cuando uno va a un museo y ve una colección de cuadros, o bien revisa diferentes postales, esta muestra bien podría aspirar a una unidad lograda en base a una línea común. De hecho, al final se intenta entremezclar las historias, o bien la interacción de algunos de los personajes conocidos anteriormente.
Historias muy variadas, algunas muy bien contadas y otras algo demás para mi gusto - como el amor de los vampiros - demuestran como en algunos casos se puede contar una historia compleja en muy poco metraje, sólo destacando puntos esenciales combinado a un muy buen manejo actoral - como la de los mimos - y de cámaras. En este último punto sentí que faltó más interacción con la ciudad, más urbana, más relacionada con los habitantes y su diario vivir.
Ficha Técnica
Titulo original: Paris Je t’ aime
Dirección: Olivier Assayas, Frederic Auburtin, Gerard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel & Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuaron, Christopher Doyle, Richard Lagravenese, Vicenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalynes, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tikwer, Gus Van Sant
País: Francia
Año: 2006
Género: Romance
Elenco: Steve Buscemi (turista), Catalina Sandino Moreno (Ana), Juliette Binoche (Suzanne), Willem Dafne (El Cowboy), Nick Nolte (Vincent), Ludivine Sagnier (Claire), Maggie Gyllenhaal (Liz), Fanny Ardant (Fanny Forestier), Elijah Wood (turista), Natalie Portman (Francine), BenGazzara (Ben), Gena Rowlands (Gena)
Duración: 120 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Impacto Cine
Los cuatro fantasticos y silver surfer
Por increible que parezca, estos cuatro superhéroes son mucho más simples que sus colegas. Sin crisis de identidad o cuestionamientos mayores, asumen su papel de salvadores de la ciudad y del mundo. Son admirados, famosos y requeridos por quienes ven en ellos una suerte de realización utópica de sus propias vidas.
Esto hasta que aparece el villano de turno. Un hombre de acero - que no es Superman - y que basa su poder en una tabla de surf y que viene precediendo a la nueva gran amenaza de la humanidad: Galactus una súper fuerza cósmica que se alimenta de la energía de los planetas y los deja sin vida.
Son muy entretenidos los efectos especiales que muestran el poder de los superhéroes. Incluso cuando por efecto de Silver logran sin querer el intercambiarlos. Es algo así como el deseo oculto de poder hacer lo que que el otro hace, pero sin renunciar a la propia identidad.
Una película que logra que en una hora y media uno se olvide de todo y se introduzca en este mundo fantástico de emociones y efectos especiales.
Ficha Técnica
Titulo original: Fantastic Four: Rise of the silver surfer
Dirección: Tim Story
País: USA
Año: 2007
Género: Acción/ Aventuras
Elenco: Ioan Gruffud (Reed Richards), Jessica Alba (Susan Storm), Chris Evan (Johnny Storm), Michael Chiklis (Ben Grimm), Julian McMahon (Victor Von Doom), Laurence Fishborne (voz de Silver Surfer)
Guión: Don Payne, Marc Frost
Duración: 97 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Fox
Esto hasta que aparece el villano de turno. Un hombre de acero - que no es Superman - y que basa su poder en una tabla de surf y que viene precediendo a la nueva gran amenaza de la humanidad: Galactus una súper fuerza cósmica que se alimenta de la energía de los planetas y los deja sin vida.
Son muy entretenidos los efectos especiales que muestran el poder de los superhéroes. Incluso cuando por efecto de Silver logran sin querer el intercambiarlos. Es algo así como el deseo oculto de poder hacer lo que que el otro hace, pero sin renunciar a la propia identidad.
Una película que logra que en una hora y media uno se olvide de todo y se introduzca en este mundo fantástico de emociones y efectos especiales.
Ficha Técnica
Titulo original: Fantastic Four: Rise of the silver surfer
Dirección: Tim Story
País: USA
Año: 2007
Género: Acción/ Aventuras
Elenco: Ioan Gruffud (Reed Richards), Jessica Alba (Susan Storm), Chris Evan (Johnny Storm), Michael Chiklis (Ben Grimm), Julian McMahon (Victor Von Doom), Laurence Fishborne (voz de Silver Surfer)
Guión: Don Payne, Marc Frost
Duración: 97 minutos
Calificación: Todo espectador
Distribuidor: Fox
miércoles, 27 de junio de 2007
El perfume
Esta película produce algo muy especial y difícil de describir. Logra que uno pueda sumergirse en un mundo de sensaciones gracias a la representación visual de los olores. Es curioso, pero lo logra. Los planos íntimos, las meditaciones y divagaciones al sentir los olores crean aquella atmósfera particular que lleva al espectador a imaginarse el estar allí, impregnado de dicho aroma. Por cierto que es el gran desafío que tenía esta película: al igual que el libro de Patrick Süskind, permitir que la imaginación cunda llena de un sinnúmero de sensaciones.
La trama es bastante simple, sin embargo bien narrada para llegar a entender el por qué Jean Baptiste va haciendo lo necesario para cumplir con un plan develado, interno, con una pasión incontenible, de retratar aquel olor particular de cada una de las mujeres escogidas para la fragancia que será lo cúlmine de su realización.
Bajo la dirección de Tom Tykwer vemos muy buenas actuaciones - Dustin Hoffman como Giuseppe Baldini está muy bien caracterizado - y muy buena fotografía - en especial al comienzo de la historia donde había que mostrar la historia del pequeño Jean.
Un film muy interesante y con un claro objetivo muy cumplido. Transportarnos al mundo de las fragancias especiales.
Ficha Técnica
Titulo original: Perfume: The story of a murderer
Dirección: Tom Tykwer
País: Alemania, Francia, España
Año: 2006
Género: Drama/ Thriller
Elenco: Ben Wishaw (Jean Baptiste), Rachel Hurd-Wood (Laura), Alan Rickman (Richis), Dustin Hoffman (Giuseppe Baldini), Sara Forestier (Jeanne)
Guión: Andrew Birkin, Bernd Eichinger
Duración: 147 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Bazuca Films
La trama es bastante simple, sin embargo bien narrada para llegar a entender el por qué Jean Baptiste va haciendo lo necesario para cumplir con un plan develado, interno, con una pasión incontenible, de retratar aquel olor particular de cada una de las mujeres escogidas para la fragancia que será lo cúlmine de su realización.
Bajo la dirección de Tom Tykwer vemos muy buenas actuaciones - Dustin Hoffman como Giuseppe Baldini está muy bien caracterizado - y muy buena fotografía - en especial al comienzo de la historia donde había que mostrar la historia del pequeño Jean.
Un film muy interesante y con un claro objetivo muy cumplido. Transportarnos al mundo de las fragancias especiales.
Ficha Técnica
Titulo original: Perfume: The story of a murderer
Dirección: Tom Tykwer
País: Alemania, Francia, España
Año: 2006
Género: Drama/ Thriller
Elenco: Ben Wishaw (Jean Baptiste), Rachel Hurd-Wood (Laura), Alan Rickman (Richis), Dustin Hoffman (Giuseppe Baldini), Sara Forestier (Jeanne)
Guión: Andrew Birkin, Bernd Eichinger
Duración: 147 minutos
Calificación: Mayores de 14 años
Distribuidor: Bazuca Films
Shrek III
Es realmente mágica la animación de estas películas. La verdad es que los personajes cobran una vida increible, muy por encima de nuestros viejos "dibujos animados"
En esta tercera entrega me preparaba para ver muchas situaciones divertidas. La película cumple con ello, sin embargo no en la cantidad prometida. La trama es algo alargada y en algunos momentos es hasta algo lenta. Sin duda hay personajes que se roban la película ( la galletita, por ejemplo y el siempre galán y dispuesto Gato con Botas ) Es más, Burro ha dejado algo de su protagonismo al Gato en beneficio de la variedad de personajes.
Me resultó una película con menos situaciones para adultos. Recuerdo que en la segunda casi lloré de la risa con algunas, pero en esta resultaron ser pocas y muy simples, y no por ello menos atractivas.
Habría disfrutado de verla en idioma origina. Uno sin duda se pierde bastante con la traducción mexicana, pero es un esfuerzo que vale la pena por los más chicos de la casa.
En resumen, entretenida, bien hecha, estupenda entretención.
En esta tercera entrega me preparaba para ver muchas situaciones divertidas. La película cumple con ello, sin embargo no en la cantidad prometida. La trama es algo alargada y en algunos momentos es hasta algo lenta. Sin duda hay personajes que se roban la película ( la galletita, por ejemplo y el siempre galán y dispuesto Gato con Botas ) Es más, Burro ha dejado algo de su protagonismo al Gato en beneficio de la variedad de personajes.
Me resultó una película con menos situaciones para adultos. Recuerdo que en la segunda casi lloré de la risa con algunas, pero en esta resultaron ser pocas y muy simples, y no por ello menos atractivas.
Habría disfrutado de verla en idioma origina. Uno sin duda se pierde bastante con la traducción mexicana, pero es un esfuerzo que vale la pena por los más chicos de la casa.
En resumen, entretenida, bien hecha, estupenda entretención.
sábado, 23 de junio de 2007
Hostal II
Es algo sabido que el viejo dicho de segundas partes nunca son buenas ocurre en gran parte de las veces. Sin embargo, esta segunda entrega de Hostal hace una diferencia.
Si la primera historia nos condujo en un sórdido mundo ( o inframundo ) de mafias y arreglos turbios que desconocíamos por completo, esta segunda parte nos muestra la otra cara de la moneda: la historia que hay detrás de aquellos que "compran" los servicios en una subasta al mejor postor.
Uno pensaría, arrastrado por la publicidad de la cinta, que esta segunda parte sería aún más sangrienta y fuerte que la primera, pero esto no ocurre. Por el contrario, hay más trama, un poco más - insuficiente aún - de desarrollo de los personajes y lo que es claro y preciso: el debate simultáneo entre las dos partes de la historia: los cazadores y los cazados. Los primeros saben todo, uno de ellos es presentado como un dubitativo hombre común, el otro como un tipo seguro de si mismo. Las segundas - mujeres todas - no conocen que se les depara, sin embargo sospechan algo sin saber por qué.
Con más argumentos, y una vuelta de tuerca muy interesante para el género, esta segunda parte funciona bien, cumple el objetivo de entretener con una historia sórdida que bien puede tener visos de realidad. Quien sabe...
Si la primera historia nos condujo en un sórdido mundo ( o inframundo ) de mafias y arreglos turbios que desconocíamos por completo, esta segunda parte nos muestra la otra cara de la moneda: la historia que hay detrás de aquellos que "compran" los servicios en una subasta al mejor postor.
Uno pensaría, arrastrado por la publicidad de la cinta, que esta segunda parte sería aún más sangrienta y fuerte que la primera, pero esto no ocurre. Por el contrario, hay más trama, un poco más - insuficiente aún - de desarrollo de los personajes y lo que es claro y preciso: el debate simultáneo entre las dos partes de la historia: los cazadores y los cazados. Los primeros saben todo, uno de ellos es presentado como un dubitativo hombre común, el otro como un tipo seguro de si mismo. Las segundas - mujeres todas - no conocen que se les depara, sin embargo sospechan algo sin saber por qué.
Con más argumentos, y una vuelta de tuerca muy interesante para el género, esta segunda parte funciona bien, cumple el objetivo de entretener con una historia sórdida que bien puede tener visos de realidad. Quien sabe...
martes, 19 de junio de 2007
Concierto de Pedro Aznar 16 de junio 2007
Por fin tengo la oportunidad de volver a comentar un espectáculo musical. Y este no resulta ser sólo un concierto. Es un show completo, bien presentado y que es acompañado por numerosos detalles.
Primer acto: con el frío sabatino de una noche de Junio Santiaguina, lo único que queríamos era entrar al Teatro. Sin embargo no podíamos entrar pues estaban en "prueba de sonido" en el escenario. Raro si habían tocado allí la noche anterior. Ante un lobby del Teatro Oriente repleto, recién pudimos subir a nuestra ubicación faltando 10 minutos para el inicio formal del Concierto. Algo me decía que la hora no sería finalmente respetada y el comienzo del espectáculo tardíamente me dio la razón.
Segundo acto: a las 21.15 se apagan las luces y entra... un grupo de teloneros. Tan poco se de música popular que no tenía idea quienes eran. Un violín, un cello, dos guitarras y voz ( similar a la de Silvio de los viejos tiempos ) nos brindaron 5 temas como para entrar en onda. Con notorias desafinaciones y falta de acomple nos acompañaron durante 30 minutos, esperando el plato de fondo. Un aperitivo musical, sin anuncio, que ya queríamos que concluyera para la aparición del bajista argentino.
Tercer acto: Pedro Aznar aparece en escena. Se nota el oficio y el control del escenario. Para un lego en estas materias como yo sentí un duro golpe sonoro en el primer tema. Todo muy fuerte, sin distinguir matices ni sonoridades especiales. Una sola masa sonora que provocó la histeria del respetable. Acto seguido, Aznar muestra su lado íntimo y para mi su mejor lado. Acompañado por su guitarra acústica, sin demasiados aspavientos, los mejores temas de la noche fueron los que anunció que incorporaría en su nuevo disco. Esa calidez sencilla de lo íntimo realmente convence. Un excelente toque interpretativo de la guitarra fundiéndose con una voz usada en registros cómodos dan ese toque de calidad que uno busca en artistas de este nivel.
Al volver a los temas duros, roqueros, toda esa calidez desaparece. Hay que reconocer que no muchos pueden moverse en estilos y sonoridades tan vastos como Aznar, sin embargo en ocasiones la saturación sonora hacía irreconocible incluso la letra de los cantos.
La invitación de la cantante cubana nos regalo un duo dentro de lo más logrado de la noche. Aznar acompañando es sencillamente ilustre. Acoplado sin problemas, cede el protagonismo logrando una magia especial en el juego de voces.
Otro hecho notable a destacar es la voz de Aznar. Increible como después de un uso continuo por casi dos horas es capaz de hacer sutilezas y cambios de colores hacia el final del concierto.
En síntesis me quedo con los covers, la preciosa samba y el blues final, acústico completo, sin micrófonos ni amplificación, una delicia de regalo final a un espectáculo que sin duda vale la pena ver en vivo.
Primer acto: con el frío sabatino de una noche de Junio Santiaguina, lo único que queríamos era entrar al Teatro. Sin embargo no podíamos entrar pues estaban en "prueba de sonido" en el escenario. Raro si habían tocado allí la noche anterior. Ante un lobby del Teatro Oriente repleto, recién pudimos subir a nuestra ubicación faltando 10 minutos para el inicio formal del Concierto. Algo me decía que la hora no sería finalmente respetada y el comienzo del espectáculo tardíamente me dio la razón.
Segundo acto: a las 21.15 se apagan las luces y entra... un grupo de teloneros. Tan poco se de música popular que no tenía idea quienes eran. Un violín, un cello, dos guitarras y voz ( similar a la de Silvio de los viejos tiempos ) nos brindaron 5 temas como para entrar en onda. Con notorias desafinaciones y falta de acomple nos acompañaron durante 30 minutos, esperando el plato de fondo. Un aperitivo musical, sin anuncio, que ya queríamos que concluyera para la aparición del bajista argentino.
Tercer acto: Pedro Aznar aparece en escena. Se nota el oficio y el control del escenario. Para un lego en estas materias como yo sentí un duro golpe sonoro en el primer tema. Todo muy fuerte, sin distinguir matices ni sonoridades especiales. Una sola masa sonora que provocó la histeria del respetable. Acto seguido, Aznar muestra su lado íntimo y para mi su mejor lado. Acompañado por su guitarra acústica, sin demasiados aspavientos, los mejores temas de la noche fueron los que anunció que incorporaría en su nuevo disco. Esa calidez sencilla de lo íntimo realmente convence. Un excelente toque interpretativo de la guitarra fundiéndose con una voz usada en registros cómodos dan ese toque de calidad que uno busca en artistas de este nivel.
Al volver a los temas duros, roqueros, toda esa calidez desaparece. Hay que reconocer que no muchos pueden moverse en estilos y sonoridades tan vastos como Aznar, sin embargo en ocasiones la saturación sonora hacía irreconocible incluso la letra de los cantos.
La invitación de la cantante cubana nos regalo un duo dentro de lo más logrado de la noche. Aznar acompañando es sencillamente ilustre. Acoplado sin problemas, cede el protagonismo logrando una magia especial en el juego de voces.
Otro hecho notable a destacar es la voz de Aznar. Increible como después de un uso continuo por casi dos horas es capaz de hacer sutilezas y cambios de colores hacia el final del concierto.
En síntesis me quedo con los covers, la preciosa samba y el blues final, acústico completo, sin micrófonos ni amplificación, una delicia de regalo final a un espectáculo que sin duda vale la pena ver en vivo.
Piratas del Caribe
Luego de una incursión viendo el Culto Siniestro y Crank ( ambas con muy poco aporte ) fuimos en familia a ver la tercera entrega de esta saga.
Antes de verla, pedí que me pusieran al día con la historia de las dos anteriores, pues recuerdo haber visto la primera sin tener presente su argumento. La clase fue entretenida y finalmente resultó ser mejor que la película en si misma.
Si de argumento se trata, la historia es simple. Tal vez demasiado simple pues se intenta sostener en base a diálogos de los protagonistas, en ocasiones bastante largos, que finalmente no llevan a grandes desarrollos narrativos. En esencia es una película plana, con menos efectos especiales que los que recordaba de la primera entrega - la mayoría de los cuales se ven en el trailer, que resulta ser un buen resumen del film - y con una duración excesiva para lo que finalmente entrega.
Un detalle particularmete bueno resulta ser la música original de Hans Zimmer que es extraordinaria. Funciona muy bien y está sincronizada con pequeños detalles que hacen que sea una delicia. Una batalla campal acompañada con buena música, sin duda es más atractiva que sólo ver la masacre total.
En síntesis, me pregunto por la fascinación que causa esta película. Será el protagonista? Será la buena moza heroina? Orlando Bloom? Creo que finalmente el título correcto sería "Misterios del Caribe" para dilucidar esta pregunta final.
Antes de verla, pedí que me pusieran al día con la historia de las dos anteriores, pues recuerdo haber visto la primera sin tener presente su argumento. La clase fue entretenida y finalmente resultó ser mejor que la película en si misma.
Si de argumento se trata, la historia es simple. Tal vez demasiado simple pues se intenta sostener en base a diálogos de los protagonistas, en ocasiones bastante largos, que finalmente no llevan a grandes desarrollos narrativos. En esencia es una película plana, con menos efectos especiales que los que recordaba de la primera entrega - la mayoría de los cuales se ven en el trailer, que resulta ser un buen resumen del film - y con una duración excesiva para lo que finalmente entrega.
Un detalle particularmete bueno resulta ser la música original de Hans Zimmer que es extraordinaria. Funciona muy bien y está sincronizada con pequeños detalles que hacen que sea una delicia. Una batalla campal acompañada con buena música, sin duda es más atractiva que sólo ver la masacre total.
En síntesis, me pregunto por la fascinación que causa esta película. Será el protagonista? Será la buena moza heroina? Orlando Bloom? Creo que finalmente el título correcto sería "Misterios del Caribe" para dilucidar esta pregunta final.
domingo, 3 de junio de 2007
Zodiaco
En esta película, basada en hechos reales, se recorre un gran camino de errores y aciertos policiales.
Una serie de asesinatos muy misteriosos tiene en jaque a la policía. Hay un personaje oscuro que se los atribuye y firma como Zodiaco. Entrega mensajes en clave y prácticamente no da pistas a sus perseguidores.
Es finalmente un caricaturista quien se obsesiona, dejando de lado incluso a su familia, para dar con el asesino. Busca relaciones, investiga, se da cuenta de errores, acierta en encontrar antecedentes pasados por alto, etc...
Con algunas secuencias tal vez algo extensas, la película en su mitad decae en tensión, para recobrarla al momento de comenzar con bríos la investigación de Graysmith.
Una película muy bien narrada - para lo cual su director se dio todo el tiempo necesario - y que nos muestra uno de aquellos misterios si resolver que ponen de cabeza a todos los involucrados.
Una serie de asesinatos muy misteriosos tiene en jaque a la policía. Hay un personaje oscuro que se los atribuye y firma como Zodiaco. Entrega mensajes en clave y prácticamente no da pistas a sus perseguidores.
Es finalmente un caricaturista quien se obsesiona, dejando de lado incluso a su familia, para dar con el asesino. Busca relaciones, investiga, se da cuenta de errores, acierta en encontrar antecedentes pasados por alto, etc...
Con algunas secuencias tal vez algo extensas, la película en su mitad decae en tensión, para recobrarla al momento de comenzar con bríos la investigación de Graysmith.
Una película muy bien narrada - para lo cual su director se dio todo el tiempo necesario - y que nos muestra uno de aquellos misterios si resolver que ponen de cabeza a todos los involucrados.
Papelucho y el marciano
En esta película uno sencillamente vuelve a la infancia.
Con personajes muy bien caracterizados, dibujos excelentes y sonido perfecto, emociona ver a la Domi llorando a mares. Papelucho, si bien uno puede haberlo imaginado de muchas formas, cumple cabalmente con lo que es: un niño con una imaginación enorme que en cada acto que hace pone tanto de si para conseguir sus objetivos.
Sin duda hay secuencias largas y cansadoras, pero no aburre. Al contrario, deja abierta aún más nuestra propia creatividad y nos señala lo importante de los sueños y que pueden ser cumplidos si se desean realmente.
La bondad de Papelucho es infinita. Sus ganas de salvar el mundo lo llevan por rincones cercanos y lejanos, siempre inquieto y con una firme voluntad de realizar todo aquello que se propone.
Cuanto de Papelucho llevamos nosotros ? Ojalá al menos un granito de arena.
Con personajes muy bien caracterizados, dibujos excelentes y sonido perfecto, emociona ver a la Domi llorando a mares. Papelucho, si bien uno puede haberlo imaginado de muchas formas, cumple cabalmente con lo que es: un niño con una imaginación enorme que en cada acto que hace pone tanto de si para conseguir sus objetivos.
Sin duda hay secuencias largas y cansadoras, pero no aburre. Al contrario, deja abierta aún más nuestra propia creatividad y nos señala lo importante de los sueños y que pueden ser cumplidos si se desean realmente.
La bondad de Papelucho es infinita. Sus ganas de salvar el mundo lo llevan por rincones cercanos y lejanos, siempre inquieto y con una firme voluntad de realizar todo aquello que se propone.
Cuanto de Papelucho llevamos nosotros ? Ojalá al menos un granito de arena.
Hard Candy
Esta película es fuerte. No sólo por la temática de la pedofilia que le ronda, sino por lo que significa una relación de un hombre maduro con una niña.
Si uno no ha leido la crítica anteriormente, no sabe del vuelco de la historia. Y sin duda es impactante dejarse sorprender por ello. Valiosa manera de introducirnos al mundo que viviremos en más de 70 minutos, donde la película se sostiene por las grandes actuaciones de ambos personajes.
La desesperación es descrita magistralmente. La tranquilidad de la niña contrasta con lo que decide hacer. Sin entender mucho hacia donde nos lleva, nos mantiene muy alerta durante largas secuencias.
Este es un tipo de cine al que no estamos acostumbrados, tal vez, pero que sin duda conmueve y nos deja varias lecciones.
Si uno no ha leido la crítica anteriormente, no sabe del vuelco de la historia. Y sin duda es impactante dejarse sorprender por ello. Valiosa manera de introducirnos al mundo que viviremos en más de 70 minutos, donde la película se sostiene por las grandes actuaciones de ambos personajes.
La desesperación es descrita magistralmente. La tranquilidad de la niña contrasta con lo que decide hacer. Sin entender mucho hacia donde nos lleva, nos mantiene muy alerta durante largas secuencias.
Este es un tipo de cine al que no estamos acostumbrados, tal vez, pero que sin duda conmueve y nos deja varias lecciones.
El Hombre Araña 3
Esta tercera parte de la historia de Peter Parker nos muestra un lado mucho más humano del héroe. En esta oportunidad, Parker comienza a ser seducido por el éxito que tiene. Se siente admirado y ello va causando en él que mire el mundo con sus ojos y para sus ojos.
Justamente por ello olvida acoger a su enamorada y produciendo un inevitable distanciamiento. Precisamente en este momento descubre a quien asesinó a su tío y se despiertan en él sentimientos claros de venganza, que junto a una fuerza llegada del espacio va provocando cambios importantes en su personalidad.
Esta lucha entre el deber ser y la pasión agresiva que va desarrollando es lo más interesante de la película. El héroe deja de serlo? o bien sólo es un momento pasajero? que hará producir el cambio hacia la bondad?
La amistad, la lealtad y el amor pasan a ser los principios fundamentales sobre los que el Hombre Araña puede volver a caminar en su rumbo correcto. Una vez descubiertos, conducen al héroe con firmeza a resolver y perdonar situaciones muy complejas.
Con menos efectos especiales y más efectos humanos, la historia nos deja muy claros esos pilares necesarios para la vida.
Justamente por ello olvida acoger a su enamorada y produciendo un inevitable distanciamiento. Precisamente en este momento descubre a quien asesinó a su tío y se despiertan en él sentimientos claros de venganza, que junto a una fuerza llegada del espacio va provocando cambios importantes en su personalidad.
Esta lucha entre el deber ser y la pasión agresiva que va desarrollando es lo más interesante de la película. El héroe deja de serlo? o bien sólo es un momento pasajero? que hará producir el cambio hacia la bondad?
La amistad, la lealtad y el amor pasan a ser los principios fundamentales sobre los que el Hombre Araña puede volver a caminar en su rumbo correcto. Una vez descubiertos, conducen al héroe con firmeza a resolver y perdonar situaciones muy complejas.
Con menos efectos especiales y más efectos humanos, la historia nos deja muy claros esos pilares necesarios para la vida.
martes, 22 de mayo de 2007
El buen Pastor
Poco puedo escribir sobre esta película, ya que su extrema textura me dificultó de sobremanera el compenetrarme de la historia en propiedad.
Con un comienzo muy lento y algo difuso, la presentación de los personajes se hace en paralelos de tiempo, impidiendo en algunos casos armar la historia linealmente.
Una película sostenida básicamente en la actuación de Matt Damon, por quien el paso del tiempo no deja huellas, hace algo densa la conclusión de la historia.
Con un comienzo muy lento y algo difuso, la presentación de los personajes se hace en paralelos de tiempo, impidiendo en algunos casos armar la historia linealmente.
Una película sostenida básicamente en la actuación de Matt Damon, por quien el paso del tiempo no deja huellas, hace algo densa la conclusión de la historia.
Scoop
Descubrir a Woody Allen en estos días es muy gratificante. Después de Match Point, una verdadera sorpresa dentro de la filmografía de Allen, este director nos entrega una graciosa comedia de enredos y equivocaciones.
Scarlett Johansson, Hugh Jackman y el mismo Woody Allen son sus protagonistas. Sondra (Johansson) representa a una estudiante de periodismo, quien un día conoce a un mago (W. Allen) elegida en el show para ser parte de un truco, que resulta ser un verdadero misterio, al encontrase frente a frente con un periodista recién muerto ( que aparentemente regresa a la vida ) y que le da antecedentes para solucionar un caso de varias muertes en cadena, acusando a un multimillonario muy conocido ( Jackman )
De ahí en más, con locuaces diálogos con el mago, a quien hace pasar como su padre, conoce al millonario y comienza a investigar en sus propias narices. Los enredos se suceden y las coincidencias hacen que imaginemos muchas alternativas de conclusión. Sin embargo, Woody nos sorprende una vez más, desarrollando un final inesperado y lleno de su encanto natural.
Scarlett Johansson, Hugh Jackman y el mismo Woody Allen son sus protagonistas. Sondra (Johansson) representa a una estudiante de periodismo, quien un día conoce a un mago (W. Allen) elegida en el show para ser parte de un truco, que resulta ser un verdadero misterio, al encontrase frente a frente con un periodista recién muerto ( que aparentemente regresa a la vida ) y que le da antecedentes para solucionar un caso de varias muertes en cadena, acusando a un multimillonario muy conocido ( Jackman )
De ahí en más, con locuaces diálogos con el mago, a quien hace pasar como su padre, conoce al millonario y comienza a investigar en sus propias narices. Los enredos se suceden y las coincidencias hacen que imaginemos muchas alternativas de conclusión. Sin embargo, Woody nos sorprende una vez más, desarrollando un final inesperado y lleno de su encanto natural.
The Queen
Este film da cuenta de un período difícil y duro para la Monarquía Inglesa. Por una parte, la llegada como Primer Ministro de Tony Blair y a continuación la muerte inesperada y brutal de Lady Di.
La excelente actriz británica Helen Mirren, quien ganó un premio Oscar gracias a su interpretación de la reina Isabel de Inglaterra, hace un papel digno de destacarse. Con gestos muy estudiados y un respeto al protocolo real, todas las ubicaciones y locaciones de la película nos muestran perfectamente lo que debe ser la vida de Palacio.
Por otra parte, el nuevo primer Ministro se va adaptando a los ceremoniales y sirve de puente político a las "exigencias" del pueblo londinense que ve en la Princesa Di a una persona mucho más cercana a ellos.
Todos estos devenires, el no saber que hacer o como actuar, las definiciones políticas del funeral ( con una muy especial excena con la Reina Madre ) van dando color a esta película que logra convencer plenamente.
En síntesis, un film recomendable y muy actual, pensando en que por estos días el Premier Británico ha anunciado su dimisión al poder.
La excelente actriz británica Helen Mirren, quien ganó un premio Oscar gracias a su interpretación de la reina Isabel de Inglaterra, hace un papel digno de destacarse. Con gestos muy estudiados y un respeto al protocolo real, todas las ubicaciones y locaciones de la película nos muestran perfectamente lo que debe ser la vida de Palacio.
Por otra parte, el nuevo primer Ministro se va adaptando a los ceremoniales y sirve de puente político a las "exigencias" del pueblo londinense que ve en la Princesa Di a una persona mucho más cercana a ellos.
Todos estos devenires, el no saber que hacer o como actuar, las definiciones políticas del funeral ( con una muy especial excena con la Reina Madre ) van dando color a esta película que logra convencer plenamente.
En síntesis, un film recomendable y muy actual, pensando en que por estos días el Premier Británico ha anunciado su dimisión al poder.
jueves, 26 de abril de 2007
Cuarto Concierto Orquesta Filarmónica de Santiago
A cargo de su titular, Jan Latham-Koenig, la Orquesta Filarmónica de Santiago entregó dos obras románticas en extremo.
La primera interpretación fue el Concierto para Violín en sol menor de Max Bruch. Este concierto representa un desafío muy grande para el solista y una concentración a toda prueba de la orquesta.
El solista, Mikhail Simonyan de 20 años, poseedor de una técnica muy fina, deleitó al público con un sonido pastoso desde la primera nota del concierto. Es muy destacable su manejo del arco, con una sutileza especial, excelentes terminaciones y un enfoque del sonido muy claro y preciso.
El desempeño de la orquesta no estuvo a la altura del solista. Demasiadas imperfecciones en los ataques de las maderas y bronces hicieron deslucir aquellas intervenciones colorísticas que Bruch entrega a los instrumentinos. Algunos desfases de tiempo en las cuerdas acentuaron esta sensación de incomodidad entre la orquesta con el solista que finalmente restan a la magia de la interpretación. En el segundo movimiento, brillantemente enlazado, Simonyan hizo gala de lo mejor de su interpretación para crear ambientes cálidos y emocionantes. El sonido lograba situarse en dimensiones arrebatadas de romanticismo y lirismo, siendo la alfombra orquestal un excelente apoyo para el canto libre del violín. El tercer movimiento, obra de gran exigencia técnica y brillante para el solista, mostró nuevamente aquello que señalába al comienzo. Diferencias de tiempo y articulación logran mellar la interpretación, desembocando en un final alocado, donde la orquesta trataba de alcanzar al solista en sus rápidos tempi.
Luego del gran aplauso final, Simonyan entregó un bis, que según tengo entendido, se trata de una pieza de E. Bloch, Nigun ( improvisación ) sobre un tema de Baal Shem. En esta pequeña obra maestra, el virtuoso y delicado solista dio curso a su máxima cumbre interpretativa, moviéndonos entre espacios de melancolía y brío, con un control absoluto del sonido y demostrando una musicalidad exquisita.
En la segunda parte del concierto se escuchó la Primera Sinfonía de Johannes Brahms. Esta monumental obra requiere de un temple y solidez especiales para alcanzar las sonoridades que el compositor propone. Llena de matices y fuerza, esta sinfonía que Brahms compuso cerca de los 40 años, nos introduce en un paso más allá de la literatura orquestal romántica, posterior a Beethoven.
La orquesta y el director se encontraron con varias dificultades para interpretar la obra. Nuevamente imperfecciones en los ataques, sobre todo en los bronces, impidieron un mejor acople del sonido en conjunto. Bien sabemos que esta agrupación está en período de ensamblaje luego de la llegada de cerca de 40 músicos extranjeros, situación que por cierto se transmite al momento de la ejecución.
Un primer movimiento emotivo, sin la profundidad sonora esperada dio paso a lo mejor de la noche, un segundo movimiento que entregó esa calma sobrecogedora que transmite el compositor, con largas frases y una sonoridad en perfecta comunión. En el sólo final del concertino y el corno, cabe destacar el hermoso sonido de Sergio Prieto, a veces incomodado por el corno en sus registros altos. El tercer movimiento, algo apurado para mi gusto, pasó un poco por alto algunos detalles característicos y las sonoridades volvieron a separarse entre cuerdas y vientos. La introducción del cuarto movimiento fue bien salvada y nos condujo a la explosión del tema magno de la Sinfonía con especial calor y prestancia. El coral final, a cargo de los bronces nuevamente entregó imperfecciones, en un momento solemne de sobremanera, que conduce al final impetuoso de la obra.
En síntesis, un buen concierto, pero donde las expectativas eran mucho mayores al resultado final logrado.
La primera interpretación fue el Concierto para Violín en sol menor de Max Bruch. Este concierto representa un desafío muy grande para el solista y una concentración a toda prueba de la orquesta.
El solista, Mikhail Simonyan de 20 años, poseedor de una técnica muy fina, deleitó al público con un sonido pastoso desde la primera nota del concierto. Es muy destacable su manejo del arco, con una sutileza especial, excelentes terminaciones y un enfoque del sonido muy claro y preciso.
El desempeño de la orquesta no estuvo a la altura del solista. Demasiadas imperfecciones en los ataques de las maderas y bronces hicieron deslucir aquellas intervenciones colorísticas que Bruch entrega a los instrumentinos. Algunos desfases de tiempo en las cuerdas acentuaron esta sensación de incomodidad entre la orquesta con el solista que finalmente restan a la magia de la interpretación. En el segundo movimiento, brillantemente enlazado, Simonyan hizo gala de lo mejor de su interpretación para crear ambientes cálidos y emocionantes. El sonido lograba situarse en dimensiones arrebatadas de romanticismo y lirismo, siendo la alfombra orquestal un excelente apoyo para el canto libre del violín. El tercer movimiento, obra de gran exigencia técnica y brillante para el solista, mostró nuevamente aquello que señalába al comienzo. Diferencias de tiempo y articulación logran mellar la interpretación, desembocando en un final alocado, donde la orquesta trataba de alcanzar al solista en sus rápidos tempi.
Luego del gran aplauso final, Simonyan entregó un bis, que según tengo entendido, se trata de una pieza de E. Bloch, Nigun ( improvisación ) sobre un tema de Baal Shem. En esta pequeña obra maestra, el virtuoso y delicado solista dio curso a su máxima cumbre interpretativa, moviéndonos entre espacios de melancolía y brío, con un control absoluto del sonido y demostrando una musicalidad exquisita.
En la segunda parte del concierto se escuchó la Primera Sinfonía de Johannes Brahms. Esta monumental obra requiere de un temple y solidez especiales para alcanzar las sonoridades que el compositor propone. Llena de matices y fuerza, esta sinfonía que Brahms compuso cerca de los 40 años, nos introduce en un paso más allá de la literatura orquestal romántica, posterior a Beethoven.
La orquesta y el director se encontraron con varias dificultades para interpretar la obra. Nuevamente imperfecciones en los ataques, sobre todo en los bronces, impidieron un mejor acople del sonido en conjunto. Bien sabemos que esta agrupación está en período de ensamblaje luego de la llegada de cerca de 40 músicos extranjeros, situación que por cierto se transmite al momento de la ejecución.
Un primer movimiento emotivo, sin la profundidad sonora esperada dio paso a lo mejor de la noche, un segundo movimiento que entregó esa calma sobrecogedora que transmite el compositor, con largas frases y una sonoridad en perfecta comunión. En el sólo final del concertino y el corno, cabe destacar el hermoso sonido de Sergio Prieto, a veces incomodado por el corno en sus registros altos. El tercer movimiento, algo apurado para mi gusto, pasó un poco por alto algunos detalles característicos y las sonoridades volvieron a separarse entre cuerdas y vientos. La introducción del cuarto movimiento fue bien salvada y nos condujo a la explosión del tema magno de la Sinfonía con especial calor y prestancia. El coral final, a cargo de los bronces nuevamente entregó imperfecciones, en un momento solemne de sobremanera, que conduce al final impetuoso de la obra.
En síntesis, un buen concierto, pero donde las expectativas eran mucho mayores al resultado final logrado.
Tirador
Esta entretenida película tiene como protagonista a Lee Swagger, un francotirador de excelencia que posee entre sus virtudes el acertar a blancos situados a casi dos kilómetros de distancia.
El film contiene una trama de conspiración audaz, que comienza con reclutar a Lee para prevenir un atentado al Presidente de USA y que se transforma en una trampa mortal, acusando al propio protagonista del atentado sucedido.
Con muchas escenas de acción muy bien logradas, hay momentos de la película donde decae el ritmo propulsor de la trama que hacen perder en algo la atención. Las historias de secretos urdimientos nos permiten sintonizar con interés en las oscuras sombras del poder, y de cómo pueden ser manejados aquellos aspectos de vital importancia para la supervivencia de un gobierno.
El film contiene una trama de conspiración audaz, que comienza con reclutar a Lee para prevenir un atentado al Presidente de USA y que se transforma en una trampa mortal, acusando al propio protagonista del atentado sucedido.
Con muchas escenas de acción muy bien logradas, hay momentos de la película donde decae el ritmo propulsor de la trama que hacen perder en algo la atención. Las historias de secretos urdimientos nos permiten sintonizar con interés en las oscuras sombras del poder, y de cómo pueden ser manejados aquellos aspectos de vital importancia para la supervivencia de un gobierno.
sábado, 14 de abril de 2007
Mr. Bean, el Vengador fantasma y Borat
Vacaciones de Mr. Bean
Como siempre, Mr. Bean nos sorprende con su istrionismo y caricaturización del solterón Inglés, desadaptado y socialmente incorrecto que esta vez gana un premio para viajar a Francia en Vacaciones.
Muchos gags, uno tras otro, dan continuidad a esta película. Desde su viaje, la llegada a Francia y su ubicación en el mapa, pasando por un baile callejero que es lo mejor de la cinta, y finalmente llegando a Cannes con el hijo de uno de los miembros del Jurado - supuestamente secuestrado por él - y una aspirante a actriz de una autoreferente película presentada en el festival.
Es una excelente excusa para reir - y mucho - el ser parte de estas desventuras de Mr. Bean y sus amigos de viaje. Caracterizaciones como la madre de la actriz o la espera en la carretera, dan cuenta de una gran capacidad de transformar este humor inglés en humor universal.
El Vengador fantasma
Esta película cuenta con algunos efectos especiales dignos de destacarse. Un Nicolas Cage muy creible, con un pasado lleno de gloria hasta que le vende el alma al Diablo para la recuperación de su padre, sigue viviendo en lo suyo: los slatos mortales de motocicletas.
El diablo le cobra su palabra y debe enfrentar a unas figuras del mal encabezadas por el hijo del mismo Satanás.
De ahí en más, los efectos especiales deslumbran en las transformaciones nocturnas del protagonista, que trata de impedir que el mal progrese y cobre más víctimas. Una película entretenida, ágil y que no pretende mucho más que dar cuenta en el cine, de un comic de Marvel.
Borat
La verdad esta película, a mi modo de ver, no merece comentarios. Tiene una vulgaridad excesiva y situaciones que pretenden ser hilarantes, que se pasan de la raya.
Basada en una "buena idea", degenera en poco más que nada.
Como siempre, Mr. Bean nos sorprende con su istrionismo y caricaturización del solterón Inglés, desadaptado y socialmente incorrecto que esta vez gana un premio para viajar a Francia en Vacaciones.
Muchos gags, uno tras otro, dan continuidad a esta película. Desde su viaje, la llegada a Francia y su ubicación en el mapa, pasando por un baile callejero que es lo mejor de la cinta, y finalmente llegando a Cannes con el hijo de uno de los miembros del Jurado - supuestamente secuestrado por él - y una aspirante a actriz de una autoreferente película presentada en el festival.
Es una excelente excusa para reir - y mucho - el ser parte de estas desventuras de Mr. Bean y sus amigos de viaje. Caracterizaciones como la madre de la actriz o la espera en la carretera, dan cuenta de una gran capacidad de transformar este humor inglés en humor universal.
El Vengador fantasma
Esta película cuenta con algunos efectos especiales dignos de destacarse. Un Nicolas Cage muy creible, con un pasado lleno de gloria hasta que le vende el alma al Diablo para la recuperación de su padre, sigue viviendo en lo suyo: los slatos mortales de motocicletas.
El diablo le cobra su palabra y debe enfrentar a unas figuras del mal encabezadas por el hijo del mismo Satanás.
De ahí en más, los efectos especiales deslumbran en las transformaciones nocturnas del protagonista, que trata de impedir que el mal progrese y cobre más víctimas. Una película entretenida, ágil y que no pretende mucho más que dar cuenta en el cine, de un comic de Marvel.
Borat
La verdad esta película, a mi modo de ver, no merece comentarios. Tiene una vulgaridad excesiva y situaciones que pretenden ser hilarantes, que se pasan de la raya.
Basada en una "buena idea", degenera en poco más que nada.
miércoles, 4 de abril de 2007
Apocalypto
Esta estupenda película tiene varios de los ingredientes que se le pide al buen cine. Primero, una preciosa fotografía, con unas tomas muy logradas y certeras. Segundo, unos movimientos de cámara que reflejan muy bien la sensación de estar allí, de ser testigos privilegiados. Tercero, una narración fluida, con las pausas justas y con una construcción de línea muy clara hacia el clímax. Cuarto, una música espléndida, acompañando la acción con lo justo y necesario. En síntesis, una película potente, bien hecha, sólida.
Ahora bien, la trama es especial. Hablada íntegramente en Maya, da una idea de pertenencia muy importante. Es ver a los habitantes del lugar en su estado natural. Por cierto es cruda y violenta. La vida de esos años debió haber sido peor tal vez. De todas formas, y a mi parecer, todo está muy bien justificado, en cada acción y demostración.
Para algunos será una obra maestra y tal vez para otros de una crueldad innecesaria. Sin embargo debemos ser capaces de separar la factura del film, de lo más o menos cercanos que nos encontremos de un hábitat como el presentado. Es fácil descalificarla por no comprender el fondo de lo que está en juego.
Garra de Jaguar - el protagonista - es impresionante desde el punto de vista humano y de su realidad. Con un sentido de protección de la familia que ya quisiéramos hoy en día, y con una fuerza interior para soportar lo inimaginable, y que finalmente se sobrepone al miedo basado en los sabios consejos de su padre.
Una película estremecedora, que deja mucho para meditar y reflexionar. Un aporte cultural a nuestro tiempo, sin ninguna duda.
Ahora bien, la trama es especial. Hablada íntegramente en Maya, da una idea de pertenencia muy importante. Es ver a los habitantes del lugar en su estado natural. Por cierto es cruda y violenta. La vida de esos años debió haber sido peor tal vez. De todas formas, y a mi parecer, todo está muy bien justificado, en cada acción y demostración.
Para algunos será una obra maestra y tal vez para otros de una crueldad innecesaria. Sin embargo debemos ser capaces de separar la factura del film, de lo más o menos cercanos que nos encontremos de un hábitat como el presentado. Es fácil descalificarla por no comprender el fondo de lo que está en juego.
Garra de Jaguar - el protagonista - es impresionante desde el punto de vista humano y de su realidad. Con un sentido de protección de la familia que ya quisiéramos hoy en día, y con una fuerza interior para soportar lo inimaginable, y que finalmente se sobrepone al miedo basado en los sabios consejos de su padre.
Una película estremecedora, que deja mucho para meditar y reflexionar. Un aporte cultural a nuestro tiempo, sin ninguna duda.
sábado, 31 de marzo de 2007
Tres nuevas peliculas: letra y musica, el descanso y escándalo
Letra y música
En esta muy lograda comedia, vemos desde el comienzo una inducción a los 80s, con un hilarante video clip donde el grupo top que integraba Alex - un gran Hugh Grant - tiene todo el éxito imaginable. Han pasado los años y Alex vive del pasado, hasta que se le presenta una oportunidad de escribirle una canción a Cora ( una Shakira top ), una reconocidad admiradora quien lo invita a grabar con él.
El detalle es el tiempo impuesto para el encargo. Componer en dos días la letra y música de una canción resulta un reto grande para Alex, dotado de talento musical pero sin demasiada creatividad lírica. Allí, en un fortuito encuentro, conoce a Sophie ( Drew Barrymore ) quien va a regar - como reemplazante - las plantas de su departamento. Alex descubre el talento letrístico de Sophie - quien se mete en su vida, desordena sus cosas y pone en riesgo su piano, entre otras cosas - y le propone trabajar juntos en la canción. De ahí en más, una comedia que con jocosas escenas - como el encuentro con un antiguo amor de Sophie o las actuaciones de Alex -, nos llevan a un romántico final.
La actuación de Grant es excelente y muy bien apoyada por el personaje de Sophie. Lo planteado resulta creible. Las escenas musicales parecen reales y si bien el proceso de composición es más que lo presentado, representa muy bien el fin comercial de alguna música y las desventuras para lograr un éxito de ventas.
El Descanso
En este drama disfrazado de comedia podemos sentir aquello que tal vez nunca quisiéramos: aquella soledad interior reflejada desde dos opuestos. El primero, es aquella soledad que proviene del tenerlo todo ( o casi todo ). El éxito, la fama y el dinero, no alcanzan para poder lograr la felicidad y finalmente aisla a una convincente Cameron Díaz en el rol de Amanda. En el otro opuesto está Kate Winslet interpretando a Iris, una soñadora que aspira al amor soñado con un colega de profesión que no hace más que desilusionarla constantemente.
Así las cosas se planean estas Holidays - nombre original - de Navidad donde intercambian sus casas gracias a un sitio de internet ( USA e Inglaterra ) Producto de este intercambio, cada una, en los zapatos de la otra, comienza a descubrirse internamente y por fortuna conocen dos hombres - Graham y Miles - que las sacuden interiormente y refuerzan su decisión de haber intercambiado lugares.
Esta película sobre un tema recurrente - uno siempre quisiera lo que el otro tiene o hace - es finalmente una descripción de la búsqueda humana de la compañía, del descubrirse y descubrir; finalmente del poder asombrarse ante las aventuras de la vida.
Escándalo
Dura película. La historia nos presenta una profesora solterona - Bárbara - que ve llegar a Sheba, una joven docente, a su escuela queriendo transformarse en su amiga. Lo va logrando, sin embargo, en el camino se entera de un "escándalo" donde se ve involucrada la joven maestra al enredarse con un estudiante.
La película transcurre a paso lento, dando cuenta de esta relación de complicidad de las dos maestras, donde los intereses son totalmente distintos. El de Sheba - casada con un marido mayor, con un hijo down y claramente en conflicto conyugal - es ocultar su enredo amoroso y el de Bárbara - con claros síntomas de lesbianismo - acercarse a esta joven hasta el punto de desear intimar como pareja.
Las "Notas de un escándalo" nos entrega una buena dosis de dureza, de como una cosa lleva a la otra y donde aquellos intereses opuestos finalmente no logran seguir juntos, se separan y vuelven a recorrer un camino nuevo, dando cuenta de lo circular de la vida. Las actuaciones de Judi Dench como Bárbara y de Cate Blanchett como Sheba son excelentes, llenas de emoción y convincentes a la hora de demostrar la vida interior de cada una.
domingo, 18 de marzo de 2007
Primer Concierto 2007 Orquesta Filarmonica de Santiago
Con una ilusión muy grande esperé este primer concierto del año 2007 de la Orquesta Filarmónica, luego de la crisis de 2006 y la llegada de cerca de 40 instrumentistas extranjeros a completar las plazas vacantes.
El concierto a cargo del nuevo director titular de la agrupación, el Inglés Jan Latham-Koenig, abordó como primera pieza la Obertura El Príncipe Igor de A. Borodin. Tal vez producto del retraso en iniciarse el concierto ( cerca de 10 minutos pasadas las 19.00, cosa inusual para el Teatro Municipal ) la Obertura se sintió insegura, falta de carácter y muy nerviosa. Las secciones orquestales parecían por momentos pequeñas islas. Imperfecciones en los ataques - y afinación - de las maderas y bronces y un sonido extremadamente blando en las cuerdas dieron lugar a una interpretación modesta, sin brillo y con terminaciones algo bruscas.
Acto seguido nos aprestamos a deleitarnos con el Concierto para Piano Nº 2 en do menor Op. 18, de S. Rachmaninoff, a cargo de la solista Valentina Igoshina. En este Concierto la orquesta no juega sólo un papel de acompañante. Es un gran instrumento que en ocasiones compite codo a codo con el virtuoso piano solista. La versión que escuchamos fue correcta, ya que no contó con el brío y la pasión que acompaña la obra. La solista, dueña de una gran técnica, por momentos no lograba amalgamar el sonido con la orquesta y a la vez, pasaba rápidamente por cada una de las deliciosas cadencias que ofrece el primer movimiento. La orquesta, por su parte, siempre algo tarde en las reacciones, hacía grandes esfuerzos por no opacar el volumen del piano. El segundo movimiento, obra maestra para el lucimiento de la flauta y el clarinete solista, junto a las cuerdas, fue abordado con pulcritud, muy cuidadoso, entregando una sección central muy arrebatada, indicio que algo más de música aparecía desde los intérpretes. El tercer movimiento, explosión de júbilo y rítmo constante fue lo mejor de la entrega. Con cuidados tempos, que no se arrancaron de ninguna forma, el diálogo de la solista con la orquesta llegó a su mejor nivel. Los fugattos centrales se escucharon cristalinos y las sutiles intervenciones del tutti entregaron la preparación necesaria para el gran final. Luego de grandes aplausos para la solista, el director y la orquesta escuchamos, como encore, dos piezas que a mi gusto, luego de la majestuosa obra de Rachmaninoff, estuvieron de más. Un Chopin, veloz, virtuoso, pero sin detención y enfoque, dio paso a una pieza suave de naturaleza calma para poder cerrar la presentación.
Algo inquieto por el resultado de la primera parte, sabía que lo que vendría podía ser más de lo mismo o bien el punto culminante y lo mejor de la noche. Por suerte fue lo segundo: los Cuadros de una Exposición de M. Mussorgsky, - original para piano - en la genial e insuperable orquestación de Ravel fueron, sin duda, la guinda de la torta. Con todas las secciones luciendo al máximo, el director logó sacar a la luz esa bella paleta instrumental que Ravel le da a los Cuadros. Brillo, transparencia y una buena variedad de colores fueron mostrados en esta interpretación, que nos hace ver con muy buenos ojos los futuros conciertos de esta agrupación que se está afiatando recién y que esperamos sea cada vez mejor. Puedo señalar dos detalles algo bajos en esta versión. Alguna inseguridad en los bronces, especialmente en el sólo de corno del Promenade 2 y una entrada totalmente falsa - se adelantaron innecesariamente - del grupo de maderas en el Ballet Of The Chicks que puso un momento de mucho nerviosismo en dicho cuadro. Fuera de estas dos imperfecciones notorias, todo lo demás estuvo a gran nivel. Sin duda lo mejor del Concierto fue el sólo de trompeta en Samuel Goldenberg & Schmuyle, ya que parecía que estuvieramos en otro nivel de interpretación. Las cuerdas y maderas brillaron prístinas en The Marketplace At Limoges, finas y con un espíritu de unidad exquisito. El final coral de The Great Gate Of Kiev, fue solemne y brillante, pese a algún pequeño desequilibrio sonoro entre bronces y el resto de la orquesta pero que no opacó la merecida ovación que bajó desde las casi 1000 personas que asistimos. En resumen, una versión muy bien lograda y que ubica a nuestra Orquesta Filarmónica como una agrupación de excelencia.
El concierto a cargo del nuevo director titular de la agrupación, el Inglés Jan Latham-Koenig, abordó como primera pieza la Obertura El Príncipe Igor de A. Borodin. Tal vez producto del retraso en iniciarse el concierto ( cerca de 10 minutos pasadas las 19.00, cosa inusual para el Teatro Municipal ) la Obertura se sintió insegura, falta de carácter y muy nerviosa. Las secciones orquestales parecían por momentos pequeñas islas. Imperfecciones en los ataques - y afinación - de las maderas y bronces y un sonido extremadamente blando en las cuerdas dieron lugar a una interpretación modesta, sin brillo y con terminaciones algo bruscas.
Acto seguido nos aprestamos a deleitarnos con el Concierto para Piano Nº 2 en do menor Op. 18, de S. Rachmaninoff, a cargo de la solista Valentina Igoshina. En este Concierto la orquesta no juega sólo un papel de acompañante. Es un gran instrumento que en ocasiones compite codo a codo con el virtuoso piano solista. La versión que escuchamos fue correcta, ya que no contó con el brío y la pasión que acompaña la obra. La solista, dueña de una gran técnica, por momentos no lograba amalgamar el sonido con la orquesta y a la vez, pasaba rápidamente por cada una de las deliciosas cadencias que ofrece el primer movimiento. La orquesta, por su parte, siempre algo tarde en las reacciones, hacía grandes esfuerzos por no opacar el volumen del piano. El segundo movimiento, obra maestra para el lucimiento de la flauta y el clarinete solista, junto a las cuerdas, fue abordado con pulcritud, muy cuidadoso, entregando una sección central muy arrebatada, indicio que algo más de música aparecía desde los intérpretes. El tercer movimiento, explosión de júbilo y rítmo constante fue lo mejor de la entrega. Con cuidados tempos, que no se arrancaron de ninguna forma, el diálogo de la solista con la orquesta llegó a su mejor nivel. Los fugattos centrales se escucharon cristalinos y las sutiles intervenciones del tutti entregaron la preparación necesaria para el gran final. Luego de grandes aplausos para la solista, el director y la orquesta escuchamos, como encore, dos piezas que a mi gusto, luego de la majestuosa obra de Rachmaninoff, estuvieron de más. Un Chopin, veloz, virtuoso, pero sin detención y enfoque, dio paso a una pieza suave de naturaleza calma para poder cerrar la presentación.
Algo inquieto por el resultado de la primera parte, sabía que lo que vendría podía ser más de lo mismo o bien el punto culminante y lo mejor de la noche. Por suerte fue lo segundo: los Cuadros de una Exposición de M. Mussorgsky, - original para piano - en la genial e insuperable orquestación de Ravel fueron, sin duda, la guinda de la torta. Con todas las secciones luciendo al máximo, el director logó sacar a la luz esa bella paleta instrumental que Ravel le da a los Cuadros. Brillo, transparencia y una buena variedad de colores fueron mostrados en esta interpretación, que nos hace ver con muy buenos ojos los futuros conciertos de esta agrupación que se está afiatando recién y que esperamos sea cada vez mejor. Puedo señalar dos detalles algo bajos en esta versión. Alguna inseguridad en los bronces, especialmente en el sólo de corno del Promenade 2 y una entrada totalmente falsa - se adelantaron innecesariamente - del grupo de maderas en el Ballet Of The Chicks que puso un momento de mucho nerviosismo en dicho cuadro. Fuera de estas dos imperfecciones notorias, todo lo demás estuvo a gran nivel. Sin duda lo mejor del Concierto fue el sólo de trompeta en Samuel Goldenberg & Schmuyle, ya que parecía que estuvieramos en otro nivel de interpretación. Las cuerdas y maderas brillaron prístinas en The Marketplace At Limoges, finas y con un espíritu de unidad exquisito. El final coral de The Great Gate Of Kiev, fue solemne y brillante, pese a algún pequeño desequilibrio sonoro entre bronces y el resto de la orquesta pero que no opacó la merecida ovación que bajó desde las casi 1000 personas que asistimos. En resumen, una versión muy bien lograda y que ubica a nuestra Orquesta Filarmónica como una agrupación de excelencia.
lunes, 5 de marzo de 2007
Cine de verano
Algunas letras con mi visión sobre estas películas del verano
Cartas desde Iwo Jima
Esta segunda entrega de Eatswood es una película más íntima, si cabe este término en la cinta. La versión de los hechos mirada desde la visión de los japoneses que defendían la isla, añade una perspectiva mucho más humana y desoladora de la guerra. Dos militares con estudios en USA dan un marco antibélico que es imposible de sobrellevar por los acontecimientos y la destrucción que plantea la inevitable invasión.
Los errores tácticos - defender la playa o bien defender desde refugios - dan cuenta de la desesperación en que estaban los japoneses ante la inminente llegada de las tropas aliadas.
La película deja un sabor triste, una vez más señala lo ilógico de la guerra, destaca los sentimientos humanos más nobles e instintivos - como el abortar o desertar por tener ilusiones mayores - y también da cuenta del honor de la inmolación como recurso final ante lo inevitable.
Niños del hombre
A simple vista una trama muy particular. La no existencia de nuevos embarazos hace que la persona más joven de la tierra - con algo más de 17 años - muera agredido. Esto da pie a una cinta que plantea lo peor del futuro - es decir estamos igual que ahora, pero con agravantes mayores, destrucción, guerra, inmigración incontenida, defensa de las tierras y posesiones, etc... - con personajes algo alienados y sin saber que hacer. El descubrimiento de un embarazo de una niña, y la protección de ella hace el centro de la película. Refugiarse de todo, incluso de los protectores, se transforma en el fin. Escapar, un barco que los salvará, detona una seguidilla de pasos cada vez más angustiantes.
Sin duda lo más conmovedor del film es la detención del mundo al paso de esta niña - en el edificio bombardeado y defendido - por entre los militares, paramilitares y refugiados. Algo que resulta increible, dentro de un mundo totalmente enloquecido.
Diamante de sangre
La lucha por la sobrevivencia, podría ser el título alternativo de esta película. Por un lado la esclavitud de los trabajadores que buscan los diamantes, obligados y sometidos por sus tiranos jefes, y por otro los traficantes de estos preciados bienes, quienes deben sobrevivir en un mundo lleno de corrupción y de tensión permenante entre el poder y la guerrilla.
Di Caprio actúa de manera muy convincente, con un acento especial en un duro inglés, como un traficante que hará lo imposible por recuperar un diamante del que escucha hablar que sería de dimensiones extra normales.
La película transita por los conflictos sociales y culturales del lugar y entre contactos, engaños y salidas, da cuenta de una realidad cruda, verdadera y conducente a la mantención de los parámetros normales: los conflictos permanentes.
Historia aparte es la destrucción de las aldeas, el secuestro de niños para entrenamientos para-militares y todo ese mundo lúgubre del lavado de cerebro y la forma de iniciar desde muy jóvenes el cambio de principios producto del poder de las armas.
El último Rey de Escocia
Basado en una historia real, lo sobresaliente, sin duda , es la interpretación de Idi Amin por parte de Withtaker - ganador de un Oscar por el papel - quien de manera muy suelta y ágil da cuenta de uno de los mayores dictadores de la historia.
Bajo al cruda realidad de un país pobrísimo pero con grandes esperanzas, se produce una gran diferencia entre la ciudad principal - y la opulencia de sus gobernantes - y las condiciones paupérrimas en que vive el pueblo, sometido y mantenido al margen por la autoridad.
Contada bajo los ojos de un poco creíble colaborador cercano a Idi Amin, la película nos da la perspectiva de las buenas intenciones derribadas tal vez por la ambición o tal vez por las propias circunstancias. Quizá ya no hay vuelta atrás para ninguno de los principios iniciales. Probablemente es una cadena de hechos imparables: violaciones a los derechos humanos por doquier, defensa corporativa ante mínimas sospechas, una realidad tergiversada por los hechos y la prensa.
La película sólo se mantiene en la soberbia actuación de Withtaker, aportando una visión muy marcada de la realidad de la Uganda de los 70`
En busca de la felicidad
Esta historia verdadera conmueve de comienzo a fin. La sensación de injusticia, falta de oportunidades, desolación y amargura frente a un mundo hostil hace que se apele a lo más profundo del amor propio para revertir el destino que pareciera arrastrar al protagonista hacia un despeñadero infernal.
Con fuerza de voluntad - y mucho más que eso, tal vez con una resiliencia inusual - el protagonista lucha, creativamente, contra, literalmente, todo. Si algo puede ser malo, es doblemente malo. El abuso de confianza es tal, que pasa por encima en todo momento.
Tal vez hubiésemos querido gozar un poco más el exiguo final presentado. Aquella redención del "todo es posible con esfuerzo", aquello que sólo queda relegado a los créditos finales.
Cartas desde Iwo Jima
Esta segunda entrega de Eatswood es una película más íntima, si cabe este término en la cinta. La versión de los hechos mirada desde la visión de los japoneses que defendían la isla, añade una perspectiva mucho más humana y desoladora de la guerra. Dos militares con estudios en USA dan un marco antibélico que es imposible de sobrellevar por los acontecimientos y la destrucción que plantea la inevitable invasión.
Los errores tácticos - defender la playa o bien defender desde refugios - dan cuenta de la desesperación en que estaban los japoneses ante la inminente llegada de las tropas aliadas.
La película deja un sabor triste, una vez más señala lo ilógico de la guerra, destaca los sentimientos humanos más nobles e instintivos - como el abortar o desertar por tener ilusiones mayores - y también da cuenta del honor de la inmolación como recurso final ante lo inevitable.
Niños del hombre
A simple vista una trama muy particular. La no existencia de nuevos embarazos hace que la persona más joven de la tierra - con algo más de 17 años - muera agredido. Esto da pie a una cinta que plantea lo peor del futuro - es decir estamos igual que ahora, pero con agravantes mayores, destrucción, guerra, inmigración incontenida, defensa de las tierras y posesiones, etc... - con personajes algo alienados y sin saber que hacer. El descubrimiento de un embarazo de una niña, y la protección de ella hace el centro de la película. Refugiarse de todo, incluso de los protectores, se transforma en el fin. Escapar, un barco que los salvará, detona una seguidilla de pasos cada vez más angustiantes.
Sin duda lo más conmovedor del film es la detención del mundo al paso de esta niña - en el edificio bombardeado y defendido - por entre los militares, paramilitares y refugiados. Algo que resulta increible, dentro de un mundo totalmente enloquecido.
Diamante de sangre
La lucha por la sobrevivencia, podría ser el título alternativo de esta película. Por un lado la esclavitud de los trabajadores que buscan los diamantes, obligados y sometidos por sus tiranos jefes, y por otro los traficantes de estos preciados bienes, quienes deben sobrevivir en un mundo lleno de corrupción y de tensión permenante entre el poder y la guerrilla.
Di Caprio actúa de manera muy convincente, con un acento especial en un duro inglés, como un traficante que hará lo imposible por recuperar un diamante del que escucha hablar que sería de dimensiones extra normales.
La película transita por los conflictos sociales y culturales del lugar y entre contactos, engaños y salidas, da cuenta de una realidad cruda, verdadera y conducente a la mantención de los parámetros normales: los conflictos permanentes.
Historia aparte es la destrucción de las aldeas, el secuestro de niños para entrenamientos para-militares y todo ese mundo lúgubre del lavado de cerebro y la forma de iniciar desde muy jóvenes el cambio de principios producto del poder de las armas.
El último Rey de Escocia
Basado en una historia real, lo sobresaliente, sin duda , es la interpretación de Idi Amin por parte de Withtaker - ganador de un Oscar por el papel - quien de manera muy suelta y ágil da cuenta de uno de los mayores dictadores de la historia.
Bajo al cruda realidad de un país pobrísimo pero con grandes esperanzas, se produce una gran diferencia entre la ciudad principal - y la opulencia de sus gobernantes - y las condiciones paupérrimas en que vive el pueblo, sometido y mantenido al margen por la autoridad.
Contada bajo los ojos de un poco creíble colaborador cercano a Idi Amin, la película nos da la perspectiva de las buenas intenciones derribadas tal vez por la ambición o tal vez por las propias circunstancias. Quizá ya no hay vuelta atrás para ninguno de los principios iniciales. Probablemente es una cadena de hechos imparables: violaciones a los derechos humanos por doquier, defensa corporativa ante mínimas sospechas, una realidad tergiversada por los hechos y la prensa.
La película sólo se mantiene en la soberbia actuación de Withtaker, aportando una visión muy marcada de la realidad de la Uganda de los 70`
En busca de la felicidad
Esta historia verdadera conmueve de comienzo a fin. La sensación de injusticia, falta de oportunidades, desolación y amargura frente a un mundo hostil hace que se apele a lo más profundo del amor propio para revertir el destino que pareciera arrastrar al protagonista hacia un despeñadero infernal.
Con fuerza de voluntad - y mucho más que eso, tal vez con una resiliencia inusual - el protagonista lucha, creativamente, contra, literalmente, todo. Si algo puede ser malo, es doblemente malo. El abuso de confianza es tal, que pasa por encima en todo momento.
Tal vez hubiésemos querido gozar un poco más el exiguo final presentado. Aquella redención del "todo es posible con esfuerzo", aquello que sólo queda relegado a los créditos finales.
miércoles, 31 de enero de 2007
Algo de cine
Quisiera escribir mis comentarios sobre tres películas recientemente vistas:
Deja vu
En esta película me sorprendió gratamente el tratamiento de un tema que siempre ha inspirado preguntas: hay dimensiones paralelas? se estará viviendo simultáneamente el pasado y el futuro?
En la historia, los personajes viven realmente en dos tiempos: un presente que mira el pasado con cuatro días y medio de desface. Y esa mirada al pasado supone llegar a conocer las causas de lo que está sucediendo en el presente. Hasta que en algún momento se comienza a mezclar y surge la tentación de intervenir el pasado sin sospechar de consecuencias posibles.
Una trama interesante, tecnológicamente llena de nuevas propuestas, y un lado humano que refleja que una historia con nombre y apellido vale más que mil historias anónimas.
La Conquista del Honor
Con su título original, Banderas de cuatro padres, esta es una película intensa. Eatswood filma bien, no hay duda. Transmite con la cámara experiencias individuales y grupales muy bien detalladas. La emoción, la soledad y la solidaridad quedan reflejadas en cada toma. Desde la llegada a la playa vacía hasta la gran escena del desembarco y ataque sorpresa, pasando por todos los momentos del desarrollo.
La temporalidad de la narración es una virtud que permite recorrer en una misma línea cada historia en su momento correspondiente, fundiéndolas o separándolas de acuerdo a la necesidad del relato.
Hay muchas películas de guerra, y particularmente de la Segunda Guerra, sin embargo esta nos da cuenta de una mirada especial. Financiar la guerra, conseguirlo a costa de la vida de los combatientes, llamar o crear héroes, todo con un mismo objetivo: financiamiento. Nada nuevo quizá, pero con la guerra como telón de fondo, reflejando el sufrimiento, orgullo y decepción de las familias involucradas es un acierto en términos de la construcción de la película.
Babel
La tercera película de la trilogía de González Iñárritu es maciza. Contundente en la forma de construir las historias y enlazarlas en torno al eje que las mantiene, con total independencia una de otras.
Se puede observar, en común, la desesperación humana en distintas dimensiones: la agresión sufrida, la soledad de la incomunicación, la solitaria vida de extranjero y la lucha por la sobrevivencia en condiciones sufridas.
González mueve las cámaras en distinto ritmo según cada historia: de modo brusco y tosco en la reacción de los agredidos, con calma y si apuros en la soledad incomunicada, con desesperanza en el relato mexicano y con planos abiertos en la narración montañosa.
El eje es claro, la temporalidad no. A eso estamos acostumbrados con el autor de Amores Perros. Se nota un trabajo muy cuidado, con actuaciones convincentes, entregando emociones a raudales, moviéndonos rápidamente y dejándonos caer de improviso en un mundo desconocido. El relato es vertiginoso, las cámaras puestas en excelentes ubicaciones: un Babel desordenado y a la vez redondo: dolor y felicidad puesto en culturas distintas, parecidas e individuales cobran vida y dan vida a esta película.
Deja vu
En esta película me sorprendió gratamente el tratamiento de un tema que siempre ha inspirado preguntas: hay dimensiones paralelas? se estará viviendo simultáneamente el pasado y el futuro?
En la historia, los personajes viven realmente en dos tiempos: un presente que mira el pasado con cuatro días y medio de desface. Y esa mirada al pasado supone llegar a conocer las causas de lo que está sucediendo en el presente. Hasta que en algún momento se comienza a mezclar y surge la tentación de intervenir el pasado sin sospechar de consecuencias posibles.
Una trama interesante, tecnológicamente llena de nuevas propuestas, y un lado humano que refleja que una historia con nombre y apellido vale más que mil historias anónimas.
La Conquista del Honor
Con su título original, Banderas de cuatro padres, esta es una película intensa. Eatswood filma bien, no hay duda. Transmite con la cámara experiencias individuales y grupales muy bien detalladas. La emoción, la soledad y la solidaridad quedan reflejadas en cada toma. Desde la llegada a la playa vacía hasta la gran escena del desembarco y ataque sorpresa, pasando por todos los momentos del desarrollo.
La temporalidad de la narración es una virtud que permite recorrer en una misma línea cada historia en su momento correspondiente, fundiéndolas o separándolas de acuerdo a la necesidad del relato.
Hay muchas películas de guerra, y particularmente de la Segunda Guerra, sin embargo esta nos da cuenta de una mirada especial. Financiar la guerra, conseguirlo a costa de la vida de los combatientes, llamar o crear héroes, todo con un mismo objetivo: financiamiento. Nada nuevo quizá, pero con la guerra como telón de fondo, reflejando el sufrimiento, orgullo y decepción de las familias involucradas es un acierto en términos de la construcción de la película.
Babel
La tercera película de la trilogía de González Iñárritu es maciza. Contundente en la forma de construir las historias y enlazarlas en torno al eje que las mantiene, con total independencia una de otras.
Se puede observar, en común, la desesperación humana en distintas dimensiones: la agresión sufrida, la soledad de la incomunicación, la solitaria vida de extranjero y la lucha por la sobrevivencia en condiciones sufridas.
González mueve las cámaras en distinto ritmo según cada historia: de modo brusco y tosco en la reacción de los agredidos, con calma y si apuros en la soledad incomunicada, con desesperanza en el relato mexicano y con planos abiertos en la narración montañosa.
El eje es claro, la temporalidad no. A eso estamos acostumbrados con el autor de Amores Perros. Se nota un trabajo muy cuidado, con actuaciones convincentes, entregando emociones a raudales, moviéndonos rápidamente y dejándonos caer de improviso en un mundo desconocido. El relato es vertiginoso, las cámaras puestas en excelentes ubicaciones: un Babel desordenado y a la vez redondo: dolor y felicidad puesto en culturas distintas, parecidas e individuales cobran vida y dan vida a esta película.
domingo, 21 de enero de 2007
Fotos en blog de Apple
Para ver buenas fotos, en buena resolución puedes ver el blog que tengo en Apple
Es muy fácil y lindo trabajar con las plantillas de apple, con iweb y la cuenta .mac
Blog de Apple
Espero tus comentarios
Carlos
Es muy fácil y lindo trabajar con las plantillas de apple, con iweb y la cuenta .mac
Blog de Apple
Espero tus comentarios
Carlos
Visita la web de Die Musik
Puedes visitar mi web de Música en Die Musik
Allí encontrarás el Trío Die Musik, con video, mp3 para descargar y cantos para matrimonio
Allí encontrarás el Trío Die Musik, con video, mp3 para descargar y cantos para matrimonio
Presentacion
Este espera ser mi blog personal. Soy Carlos Correa Acuña, músico, director de Orquesta y webmaster de Iglesia.cl
La idea será comentar en estas páginas de muchos temas, algunos particulares de mis profesiones y otros de orden público que nos puedan interesar.
Espero que sea un buen espacio de comunicación y comunión.
Adelante con esta inicitiva
La idea será comentar en estas páginas de muchos temas, algunos particulares de mis profesiones y otros de orden público que nos puedan interesar.
Espero que sea un buen espacio de comunicación y comunión.
Adelante con esta inicitiva
Suscribirse a:
Entradas (Atom)